斯克里亚宾钢琴作品集Ⅶ

作者:君特·菲利普

页数:65

译者:张汝懋

出版时间:2009-1

价格:24.00元

isbn号码:9787807513049

丛书系列:斯克里亚宾钢琴作品集

具体描述

《斯克里亚宾钢琴作品集6:协奏曲》是协奏曲本，亚历山大·斯克里亚宾（1872．1915）在1896至1897年问创作了他的《升F小调钢琴协奏曲》，该部作品于1897年10月11日首演于敖德萨，由斯克里亚宾在莫斯科音乐学院期间的老师萨芬诺夫（Wassili Iljitsch Safonow）指挥。如果不把从1896年夏天开始创作但并没完成的《D小调交响快板乐章》算在内，这部钢琴协奏曲是斯克里亚宾本人第一部以管弦乐总谱形式创作的音乐作品。

斯克里亚宾的早期作品大多以短小的体裁形式出现，如前奏曲、练习曲、诗曲和多乐章奏鸣曲等钢琴作品形式。虽然他的创作受到肖邦的影响，并且在钢琴旋律形象方面也能让人感到略有弗朗克的痕迹，不过一位巴黎评论家的话也许更能从总体角度对其创作做出评价：“他（斯克里亚宾）的所有作品都展露出一个无以匹敌的艺术个性。他的演奏是独特的、不可言明的斯拉夫式魅力的经典垂范，他也是世界上最出色的钢琴家。记住这个名字吧!”半）

协奏曲开头钢琴声部持续的戏剧性动机预告了整部作品的主体基调及其结构上有机的统一性。从这部作品我们能够看出斯克里亚宾牢牢掌控奏鸣曲这一形式的坚实技巧，也能看出他交响语汇的构造力和写作变奏的技巧。他在这之后再也没有写过变奏音乐。

虽然斯克里亚宾对他的协奏曲有些疏远，但作曲家本人还是在1906至1907年分别在纽约和底特律在公众场合中演奏了这部作品，此外还有在1911年的圣·彼得堡和l914年的伦敦的演奏。在俄罗斯“经典”钢琴协奏曲宝库中，斯克里亚宾的这部《升F小调钢琴协奏曲》与柴科夫斯基和拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏曲比肩。

用户评价

阅读这份选集时，我产生了一种强烈的时空错位感。斯克里亚宾仿佛是站在十九世纪末的十字路口，既看到了瓦格纳和后浪漫主义的宏大叙事，又预见到了二十世纪初音乐的彻底解构。这部作品集巧妙地穿插了几首他早期不太为人知的室内乐改编的小品，它们在风格上明显比那些著名的奏鸣曲要“接地气”一些，旋律性更强，结构也更为清晰。这些“调剂品”对于缓解听者在面对那些晚期“维度音乐”时的精神疲劳起到了关键作用。然而，正是这种对比，更凸显出他艺术思想的激进性。我曾尝试将其中几首接近无调性的赋格段落与勋伯格的早期作品进行对比，发现斯克里亚宾虽然探索了类似十二音的结构，但他始终未能完全放弃对某种“神秘中心”的依恋，他的不和谐音响总是带着一种目的性，而非纯粹的理性建构。因此，这部选集提供了一个绝佳的样本库，让我们得以沿着这位俄国天才的思维脉络，见证一个音乐语言是如何从古典的规范中挣脱，最终飞向一个全新的、充满个人色彩的宇宙。

拿起这份乐谱，首先被它厚实的装帧和清晰的印刷所吸引。作为一位业余钢琴爱好者，我深知收藏一套高质量的斯克里亚宾作品集是多么重要，因为他的音乐对踏板的运用、对触键的力度控制要求极为苛刻，任何模糊不清的记号都会导致最终音响效果的灾难性后果。翻阅此集，我欣喜地发现，编辑团队在处理那些复杂的踏板指示方面做得相当细致，甚至对某些特定乐句的延音处理给出了不同的演奏建议，这对于理解斯克里亚宾后期那几乎要“融化”掉的和声至关重要。我特别试奏了其中一首被标记为“神秘”的作品片段，那里面充斥着大量的属音七和弦的引入与解决，如果踏板控制稍有滞后，整个乐段就会变得浑浊不堪。这部集子在这方面的处理堪称典范，它不仅仅是音符的堆砌，更像是一份详细的“音响炼金术”指南。虽然我对其中某些晦涩难懂的表情术语感到有些困惑，但整体而言，从版式设计到技术指导的严谨性，都体现了出版方对这位俄国巨匠的尊重与深刻理解。对于那些希望深入挖掘斯克里亚宾技术难点的演奏者来说，这是一笔值得的投入。

这份选集的录音效果，尤其是在高频和极低频的表现上，给我留下了深刻印象。斯克里亚宾的音域跨度极大，尤其是在他的钢琴协奏曲（如果此集中包含相关改编）和后期奏鸣曲中，需要钢琴具备极强的动态范围和响应速度。在这套录音中，即便是最密集的、如同瀑布般倾泻而下的音群，也能听出清晰的颗粒感，这在很多老旧录音中是难以企及的。我仔细分辨了几处钢琴高音区的颤音处理，它们被清晰地捕捉下来，没有出现任何毛刺感，反而带有一种晶莹剔透的质感，仿佛是冰柱在阳光下折射出的光芒。这套录音无疑提升了对斯克里亚宾音乐的欣赏门槛——它强迫你倾听那些往往被忽视的、位于声音边缘的细节。当然，对于追求“温暖”或“木头感”音色的古典听众来说，这种近乎超现实的清晰度可能会让人感到一丝疏离。但若从忠实再现作曲家意图的角度来看，这套选集在声学处理上无疑是站在了当代录音技术的制高点，它成功地将斯克里亚宾那份超凡脱俗的“灵性”以最纯粹的形式呈现了出来。

这部乐集，初听便觉一股清冽的寒意袭来，像是在冬日初升的阳光下，雪地里传来远方教堂的钟声，悠远而又带着某种难以言喻的宗教肃穆感。 斯克里亚宾的音乐总是这样，它不似肖邦那般直接抒情，也不似德彪西那般沉浸于印象派的光影变幻。他的世界更像是一种形而上的冥想，充满了对宇宙奥秘、对神圣之光的追寻。尤其是那些快速的练习曲和富含颤音的夜曲，指尖的每一次触键都仿佛在探索某种隐藏在音符背后的几何结构。我特别留意到其中几首早期作品的编排，它们保留了相当的浪漫主义痕迹，旋律线条虽然已经开始变得有些奇诡，但整体上还算亲切可循。然而，随着乐曲进入中后期，和声语言的复杂性陡然增加，那些常常出现的九和弦、十一和弦，甚至十二音的色彩和弦，使得听者必须全神贯注，稍一走神，便可能迷失在那些如迷宫般蜿蜒的对位线条中。这部精选集无疑是对演奏者技术和精神双重考验的作品集合，它要求的不只是手指的敏捷，更需要对音响空间有近乎建筑师般的构建能力。 听罢，我仿佛刚刚完成了一场与哲人关于存在意义的深刻对话，留下的不是简单的旋律记忆，而是一种更深层次的精神震撼。

这份选集带来的听觉体验，用“迷幻”来形容或许最为贴切。我发现斯克里亚宾的创作轨迹就像一个不断自我燃烧、自我否定的过程。早期作品还带着李斯特的影子，充满炫技的激情和英雄主义的姿态；但进入他的“前-非功能性和声”时期，音乐便开始转向一种近乎病态的、内在的亢奋。特别是那些被誉为“高原化”的奏鸣曲选段，其和声往往在不和谐中寻求一种奇异的平衡点，仿佛音乐本身正在脱离地心引力。我注意到，在某些高音区的琶音段落中，他似乎在试图用声音来描绘一种超越色彩的“光”（Lumière），这与他晚年对“神性之火”的狂热追求一脉相承。这种音乐是极其个人化的，它排斥听众的被动接受，而是要求听者主动进入作曲家构建的精神空间。我必须承认，对于初次接触斯克里亚宾的听众，这份选集可能会显得过于晦涩和尖锐，它不像浪漫主义作品那样能立刻抓住人心，它的美需要时间去“消化”，需要耳朵去“适应”那种持续的紧张感和悬而不决的色彩张力。

对着谱子听好像感受到了以前没有感受到的毛味和普朗克味……迷恋这东西这么多年的我品味真是恶俗呢……

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