乐理基础教程

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出版者:河南郑州大学
作者:于春光,孙大鹏本
出品人:
页数:67
译者:
出版时间:2007-7
价格:8.00元
装帧:
isbn号码:9787811066371
丛书系列:
图书标签:
  • 乐理
  • 音乐理论
  • 音乐基础
  • 音乐教学
  • 音乐入门
  • 和声
  • 旋律
  • 节奏
  • 音阶
  • 调性
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具体描述

《学前教育专业艺术课程系列教材•乐理基础教程》是依据国家教育部《幼儿师范学校音乐教学大纲》的精神和要求而编写的。为了满足我国不同地域、不同经济发展水平地区幼师学生的需要,教材在充分突出示范性、基础性和实践性的基础上,力求能够体现出最新的教育理念和教育改革成果,在注重基础理论学习的同时,还加强了与实践的结合,尽量使之符合幼师学生的年龄特点和知识结构;在注重基础训练的同时,也不乏创新意识和综合实践能力的培养。本教材可供三年制和五年制的幼儿师范学校第一学年教学使用,其他各类成人教育和培训也可参照使用。

《学前教育专业艺术课程系列教材•乐理基础教程》内容包括:音及音的高低、记谱法、节奏与节拍、常用的各种记号、音程、调式与调性、和弦等。

音乐启蒙与创作实践:一部面向初学者的全景式指南 书名:音乐的脉搏:从音符到和声的探索之旅 图书简介 本书旨在为所有对音乐抱有热情,却苦于缺乏系统性入门指导的读者,提供一条清晰、实用且充满趣味的学习路径。我们深知,音乐世界浩瀚无垠,初学者往往在面对五线谱、节奏型和调性概念时感到无从下手。《音乐的脉搏》将这些看似晦涩的理论知识,转化为触手可及的实践工具,让学习过程不再是枯燥的记忆,而是一场探索声音规律的奇妙旅程。 第一部分:聆听世界的语言——基础元素解析 本部分是构建音乐理解的基石。我们不会直接深入复杂的乐理规则,而是从听觉感知出发,带领读者建立对音乐基本要素的直观认识。 第一章:声音的形状——音高、音色与力度 什么是“音”? 探讨人耳如何感知声音的频率,以及不同频率如何对应到我们熟悉的音高概念(如A4=440Hz)。我们将使用丰富的听觉实例,而非单纯的数学公式,来区分高音、中音和低音。 乐音体系的建立: 介绍十二平均律的原理,解释为什么一个八度被划分为十二个半音。重点讲解全音与半音的相对概念,以及它们在旋律进行中的作用。 音色的魔力: 深入探讨不同乐器发声的物理特性。通过对比钢琴、小提琴、长笛乃至电子合成器的波形差异,帮助读者学会“听出”乐器的身份,理解“音色”在音乐情感表达中的核心地位。 力度与表情记号: 讲解从 pp(极弱)到 ff(极强)的动态范围,并结合巴赫、莫扎特等大师作品的片段,分析力度变化如何塑造音乐的张力与松弛。 第二章:时间的刻度——节奏、节拍与速度 节奏是音乐的骨架。本章致力于破解看不见的“时间组织法”。 节拍的呼吸: 详细阐述拍号(如2/4、3/4、4/4)的含义,解释强拍、弱拍和次弱拍的区分。我们将使用身体律动(拍手、踏脚)的方式,使读者“感受”到节拍的重音分布。 时值与休止符的精确计算: 区分全音符、二分音符、四分音符及其对应的休止符。着重讲解连音线和附点音符如何影响节奏的流动性,避免僵硬的“机械感”。 复合拍号的初探: 介绍如6/8、9/8等复合拍号的结构,侧重于理解它们如何产生“三连音”的内在律动,这对于学习摇滚乐或浪漫派音乐至关重要。 速度标记的意义: 解释如Allegro(快板)、Andante(行板)等意大利语速度术语,并讨论节拍器在练习中的辅助作用,而非绝对限制。 第二部分:结构的艺术——旋律与和声的初步构建 在掌握了音符和节奏的“字母”之后,我们开始学习如何将它们组合成有意义的“词句”。 第三章:线条的流动——旋律的写作与分析 音程的听觉训练: 不仅仅是记住音程名称(大二度、纯五度等),更重要的是通过听觉练习(如对比《欢乐颂》或电影主题曲)来识别和辨认不同音程带来的听感效果。 调式的基本概念: 介绍大调和小调的核心结构。重点解析大调的“明朗”与小调的“忧郁”的听感来源——即音阶内三音(三度音)的位置差异。 旋律的组织原则: 探讨动机(Motif)的建立与发展。分析如何通过模进、转位、增减等手法,将一个简单的音乐意念扩展成长段落,这是所有优秀作曲的共同秘诀。 第四章:色彩的叠加——和声的初级概念 和声是音乐的情感放大器。本章将避免复杂的转位和功能和声理论,专注于最基本的声音组合。 三和弦的构造: 详细讲解大三和弦与小三和弦的构成——基音、三音和五音的堆叠方式。使用钢琴键盘图示,直观展示两种和弦在指法上的细微差别及其听觉上的巨大差异。 调性中心的确立: 介绍主和弦(Tonic)、属和弦(Dominant)和下属和弦(Subdominant)在建立和声“稳定感”中的作用。读者将学会如何听出音乐何时“到达家园”,何时“渴望回归”。 和弦进行的基本逻辑: 实践简单的I-IV-V-I 进行,并尝试用这些基本和弦来为自己哼唱的旋律配上最简单的伴奏。 第三部分:实践与应用——走出教室的音乐创作 本书的最终目标是鼓励读者将所学知识应用于创作和分析中,真正成为音乐的参与者。 第五章:阅读音乐的眼睛——记谱法简明指南 五线谱的结构化理解: 帮助读者将高音谱号、低音谱号视为地图,而非障碍。重点讲解中央C的位置以及如何快速定位常用音区。 记号的快捷识别: 整理最常用的表情记号、速度记号和演奏法记号(如跳音、延音),提供对照表,以便在阅读乐谱时能迅速把握演奏意图。 简谱与五线谱的互译练习: 针对偏爱简谱的读者,提供逐步向五线谱过渡的练习集,确保理论知识的通用性。 第六章:从模仿到创新——基础配器与编曲入门 基础配器法: 介绍不同乐器组(弦乐、木管、铜管、打击乐)的音域和基本特性,学习如何避免声音的互相“掩盖”。 节奏型与律动搭配: 探讨不同音乐风格(如蓝调、流行舞曲)的标志性节奏型,并演示如何选择合适的鼓组音色和贝斯线条来支撑已有的旋律骨架。 小品创作实战: 提供一套完整的“主题-发展-再现”的小曲创作框架。读者将利用前五章所学,尝试为一段自创的四小节旋律,配上基础的和声和节奏,完成一首完整的、可演奏的音乐小品。 总结与展望 《音乐的脉搏》力求在系统性与趣味性之间找到黄金平衡点。我们相信,音乐理论并非高不可攀的学术殿堂,而是理解和享受美妙声音的钥匙。本书为读者打下的坚实基础,将为未来深入学习和声学、对位法乃至现代配器法,铺平道路,让每一次聆听都充满洞察,让每一次尝试都充满乐趣。

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读后感

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用户评价

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这本书的编排实在是太精妙了,从头到尾的逻辑衔接如同行云流水一般顺畅。我之前对和声学的理解总是停留在死记硬背的和弦名称上,总觉得缺乏一种内在的联系。但这本书完全不一样,它不是简单地罗列规则,而是深入浅出地剖析了每一个音乐概念背后的原理。特别是讲解到调式转换的那一章,作者没有急于抛出复杂的术语,而是通过非常直观的听觉感受来引导我们理解色彩的变化。我记得有一处将某个特定音程在不同调式中的功能做了对比分析,那种醍醐灌顶的感觉,让我瞬间明白了为什么某些进行听起来会那么“对味”。作者的语言功底也极其深厚,既有学术的严谨,又不失文学的美感,读起来完全没有枯燥感,更像是在跟一位经验丰富、学识渊博的老师进行一次深入的、耐心的对话。这本书无疑是为那些真正想要“理解”音乐而不是仅仅“知道”音乐的人准备的,它搭建了一个坚实的思维框架,让后续的学习不再是盲目的摸索。

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我必须强调一下这本书在结构上的“用户友好度”。我之前尝试过几本号称“入门”的教材,结果发现它们要么对初学者来说术语太密集,要么就是对有一定基础的人来说内容又太浅薄,总是找不到一个合适的切入点。这本书的梯度设置简直是教科书级别的典范。它从最基本的音高、节奏概念讲起,但即便是在这些基础部分,它也没有采取敷衍了事的方法,而是非常细致地解释了这些概念的历史演变和在不同音乐文化中的体现,这使得学习过程充满了人文色彩。再往后进入到功能和声的讲解时,那种循序渐进的递进感,让人完全不会有“知识断层”的恐慌。每一次引入新概念,前一个概念都会被用来作为支撑,形成一个稳固的知识塔。我感觉自己不是在“学习”一堆分离的知识点,而是在“构建”一个完整的音乐认知体系。这种整体性的教学设计,是很多教材所欠缺的。

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我特别欣赏这本书在处理“例外”和“非主流”理论时的态度。很多教程为了保持体系的简洁和美观,往往会避开那些听起来“不和谐”或者在古典规范之外的现象,导致读者在接触到现代音乐或爵士乐时感到措手不及。然而,这本书在完成主流体系的构建后,并没有止步不前,而是用专门的章节来探讨了这些“边缘”理论,比如非传统调性、十二音技法的基础概念,甚至是对一些当代作曲家常用手法的前瞻性介绍。这种广阔的视野,让读者不仅能理解过去,更能对未来有所准备。它没有将音乐理论框死在某个特定的历史时期或风格中,而是将其视为一个持续发展和演变中的学科。这使得这本书的“保质期”非常长,它不只是一本临时的参考书,更像是一份可以伴随我音乐生涯成长的工具书。这种对知识的包容性和前瞻性,是它最让我感到敬佩的地方。

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这本书的独特之处在于它对“耳朵训练”的重视程度,这一点常常被其他理论书籍所忽视。很多时候,我们学习了大量的理论,却无法在实际听觉中辨认出来,这无疑是学习的最大障碍。这本书在讲解每一个和弦类型或进行模式时,都会非常巧妙地建议读者去听哪些经典曲目或特定的听力练习。它似乎有一种魔力,能将枯燥的理论符号与我们大脑中已有的听觉经验联系起来。比如,当讲到“减七和弦的模糊性”时,作者并没有停留在讲解其结构,而是引导我们去感受它在巴洛克时期音乐中制造的戏剧性张力。这让我明白,音乐理论并非是僵死的规则,而是人类情感和声音组织方式的高度概括。通过这本书,我的听力辨识能力有了质的飞跃,我开始能够自信地去分析我喜欢的音乐片段了,这种成就感是无法替代的。

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说实话,我是一个极度排斥传统枯燥教材的人,很多音乐理论书简直就是字典的电子版,堆砌着大量的定义和符号,读上几页就让人昏昏欲睡。然而,这本让我感到非常惊喜。它最成功的地方在于,它把抽象的乐理概念“视觉化”了。比如讲解节奏的复杂性时,书中使用的图示和分解练习,比起单纯的五线谱标注要清晰得多,我第一次真正理解了复节奏在时间维度上的交织感。而且,它似乎非常关注读者的“实践能力”。书中穿插的那些小测验和思考题,都不是那种标准答案式的测试,而是鼓励你去用自己的乐器去验证所学知识,去听出理论在实际演奏中是如何体现的。这种“学以致用”的引导,极大地激发了我探索的欲望。以前觉得乐理是束缚创作的枷锁,现在看来,它更像是通往无限可能性的地图,而这本书,就是最精准的地图绘制师。对于自学者来说,这种注重实践与理解并重的教材,价值简直无法估量。

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