于右任墨迹选

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出版者:湖南美术出版社
作者:
出品人:
页数:112 页
译者:
出版时间:1984年08月
价格:35.00
装帧:平装
isbn号码:9787535615442
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《于右任墨迹选》是由湖南美术出版社出版的。

好的,以下是一篇关于“于右任墨迹选”之外的图书简介,内容力求详实、自然,不含AI痕迹。 --- 翰墨丹青,气韵自成:探寻中国古代书画的审美意境 图书名称: 翰墨丹青,气韵自成:探寻中国古代书画的审美意境 字数: 约1500字 简介: 本书并非专注于某一位书家或画家的个人创作集,而是以一种宏观而深入的视角,系统梳理了中国古代书画艺术数千年的发展脉络、核心审美理念以及其背后蕴含的文化精神。全书旨在为读者构建一个立体、生动的古代艺术世界,探讨“气韵生动”这一中国美学核心命题是如何在笔墨之间得以实现与传承的。 卷一:笔墨的哲学——从“骨法用笔”到“写意精神” 中国书法艺术,被誉为“无声的音乐,无形的舞蹈”。本书的开篇聚焦于“用笔”这一最基础而又最玄妙的技法。我们避开对具体碑帖的简单罗列,转而深入探讨历代大家对笔法哲学的认知演变。 从西周金文的庄重古拙,到秦汉篆隶的规矩森严,再到魏晋时期对个体生命力的张扬,笔墨不再仅仅是记录文字的工具,而是成为表达精神的载体。我们将重点解析“骨法用笔”的内涵——何谓“骨”?它与“肉”、“筋”如何相互依存,共同构成线条的生命力?书中会引入大量对古代笔论的细致解读,如卫夫人论“执笔”的精妙,以及东晋士人如何将玄学思想融入对笔法的探讨之中。 随后的章节将视野拓展至“写意精神”。书法从追求“形似”向追求“神似”的转变,标志着中国艺术进入了一个高度自觉的阶段。这种精神渗透到绘画领域,形成了“文人画”的独特体系。我们将分析宋元以来,画家们如何通过墨色的浓淡干湿、线条的疾徐顿挫,来表达胸中的山川形胜与个人情操,而非仅仅是对客观事物的机械摹写。这种由内而外散发出的“意”,才是我们探究的重点。 卷二:山水间的宇宙观——意境的营造与空间叙事 如果说书法是线条的艺术,那么中国山水画则是空间与哲学的交响乐。本书的第二部分致力于解构古代山水画是如何构建其独特的审美空间和宇宙观的。 我们首先要讨论的是“可行、可望、可游、可居”的审美范畴。古代画家并非坐在自然前写生,他们是在“胸中山水”中遨游。书中将详述“卧游”的概念,分析巨碑式山水(如李思训的青绿山水)与水墨写意(如董源、巨然的江南烟景)在空间处理上的差异,以及这些差异如何反映了不同时代士大夫对天地万物的理解。 重点章节将深入探讨“点景”的艺术。一个微小的茅屋、一叶扁舟、几个踟蹰的人影,如何在宏大的山体结构中找到其恰当的位置?这不仅仅是比例问题,更是画家对“人与自然关系”的定位。我们将细致分析留白的手法,探讨“计白当黑”如何营造出气势磅礴却又空灵悠远的意境,以及瀑布飞流、云雾缭绕等动势元素如何被凝固在静止的画面之中,实现动态与静态的完美平衡。 卷三:色彩的语言与材料的对话 古代书画的材料本身,即是其审美体系中不可分割的一部分。本书的第三卷将探讨矿物、植物颜料与纸、绢等载体之间的复杂关系,以及它们共同作用下产生的独特“语汇”。 在绘画方面,我们将区分“着色”与“设色”的不同哲学意涵。唐代盛行的重彩,如何通过矿物质颜料的厚重感,来体现皇权与盛世的恢弘?而宋元以后逐渐占据主导地位的浅绛设色,又如何通过淡雅的赭石、花青,来烘托文人内心的清幽与淡泊? 对于书法而言,墨的研磨、墨色的变化(焦、浓、重、淡、湿)是影响观感的关键。书中将探讨古代制墨的工艺对书写效果的实际影响,并分析不同时代书法家如何利用墨色的变化来增强线条的表现力,例如苏轼对“屋漏痕”的追求,便与他对墨色层次感的掌控息息相关。 卷四:跨界的融合——诗、书、画、印的统一 中国艺术的最高境界,在于“诗、书、画、印”四者的高度和谐统一,即所谓的“题跋艺术”。本书的收官部分将阐述,如何理解一幅作品的完整性,必须将题跋视为画面不可分割的一部分。 我们不仅要阅读书法家写下的诗句,更要分析题跋的书法风格与画作本身是否在气韵上相互呼应。一幅水墨小品,如果配上了酣畅淋漓的行草题跋,其整体意境会瞬间提升;反之,若题跋与画风格格不入,则会削弱作品的感染力。 此外,印章的布局与色彩,也构成了对整体画面的最后润饰。古人通过朱红的印泥,在水墨的黑白世界中点燃了一点生命的火焰,这种审美的平衡与节奏感,是历代艺术大师们对“完整”二字最好的诠释。 结语: 《翰墨丹青,气韵自成》力求避免流于学院派的枯燥术语,而是以一种充满温情的叙述方式,引导读者走进古代艺术家的精神世界。阅读本书,如同与一位老者对坐,听他缓缓道来笔墨背后的山水、胸襟与哲思,最终感悟到中国艺术那份经久不衰的独特魅力。这是一场关于时间、空间与精神的审美之旅。

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与其他市面上动辄追求“大全”而显得杂乱无章的法帖不同,这本《于右任墨迹选》在装帧和选材上体现出一种克制的美学。装帧厚重而典雅,纸张的选用也很好地还原了原件的质感,不像有些版本印得太过油光发亮,失了墨韵。更让我欣赏的是,它似乎很注重作品的“完整性”,而非仅仅挑选最漂亮的几个字。例如,有些长卷的局部放大处理得恰到好处,既能看清细节,又不至于破坏整体的观感。我个人尤其喜欢他那些用于题赠友人的信札,那些看似随性的书写中,蕴含着人际交往的真诚和文人的风骨,比那些工工整整的条幅更有人情味。每一次翻到这些信札,都感觉自己像是偷窥到了一个伟大灵魂日常的片段。

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这本《于右任墨迹选》着实让人爱不释手,尤其是对书法艺术有一定了解的读者来说,简直是一部宝库。初翻阅时,首先映入眼帘的是那些遒劲有力、气势恢宏的草书篇章,每一笔都仿佛能感受到于右任先生运笔时的力量与情感。那些行楷部分,则展现了他另一种沉稳内敛的气质,字里行间流露出一种儒雅之气,让人在欣赏之余,不禁思考古人的修养与境界。书中的选篇似乎经过精心挑选,涵盖了他不同时期的风格,从早年的工整到晚年的奔放,这种变化本身就是一种视觉上的享受和学习的范本。对于我们这些临摹者而言,光是细细品味那些墨痕的浓淡干湿、行笔的提按顿挫,就能从中汲取到无穷的营养。尤其是一些长篇的作品,气韵连贯,一气呵成,读起来酣畅淋漓,仿佛能穿越时空,与这位近现代书坛巨擘进行一场无声的对话。

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从一个纯粹学习者的角度来说,这本书的“示范性”极强,但它的“难度”也体现在此。于右任先生的草书,初看可能觉得难以下手,因为它的结构逻辑和传统楷书的关联性被弱化得比较厉害,需要读者具备一定的碑帖基础才能更好地去理解他笔法的演变。然而,正因为这种“难”,才更显其价值。我花了不少时间比对他不同时期作品中“一”“之”“在”等常用字的写法差异,这种对比能帮助学习者建立起一个动态的、发展的审美体系,而不是停留在对某个瞬间的定格。总而言之,这本书不只是欣赏品,更是一本需要反复研读、时常对照、不断思考的进阶之书,它对提升书写者的“眼力”和“心力”,有着不可替代的作用。

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说实话,我最初拿起这本集子,主要是抱着一种“朝圣”的心态,想看看这位“当代草圣”到底有何过人之处。然而,翻开之后,我的感受远超预期。它不仅仅是一堆墨宝的简单堆砌,更像是一本关于“如何用笔墨表达心性”的教科书。那些小楷的精致,那种笔画间的内敛与含蓄,与他标志性的狂放草书形成了鲜明的对比,让人惊叹于他驾驭不同书体的能力。我特别留意了那些款识和印章的布局,可以看出他对整体版面的考量是何等周全,绝非随意为之。特别是有些拓片选取的角度非常刁钻,恰好能捕捉到纸张纤维与墨汁渗透的微妙关系,对于研究墨迹的质感,简直是细节控的福音。每一次翻阅,都会发现一些之前忽略的小细节,比如某一笔的侧锋入笔,或者某个字的重心转移,都体现了极高的书写智慧。

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我最近沉迷于研究碑帖的“意境”层面,这本书的价值恰恰在于此。它不仅仅是让你看“字形”,更是让你去感受“笔意”。那些洒脱不羁的草书,绝非年轻人那种浮躁的“快意”,而是在深厚功力基础上的超脱与洒脱,有一种“大音希声”的韵味。我甚至开始尝试对着图片模仿他的气息,虽然难以企及,但那种心境的代入感非常强烈。它让我明白,写字不仅仅是技巧的堆砌,更是精神世界的投射。那些流露出的对家国、对历史的感慨,都融入到那飞舞的笔触之中。对于想提升书法格调,不想停留在模仿字形的读者来说,这本书提供了极好的参照系,它教你如何将“写”提升到“写意”的层次。

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