Das Kunstwerk Im Zeitalter Seiner Technischen Reproduzierbarkeit

出版者:Suhrkamp

作者:Benjamin Walter

页数:0

出版时间:1963-01-01

价格:EUR 7.50

装帧:Paperback

isbn号码:9783518100288

读后感

本雅明写作这篇理论性散文的出发点在于，用再生产的概念来看上层建筑中文化再生产的变化。而再生产在此前是用于讨论经济基础的，来源于马克思。所以本雅明的立场也常被称为是马克思主义文化批判。 这篇文章的独特性在于它敏锐地捕捉了某种技术的革新带给人们认知的转型，这种认...  

现代都市中，人人都有机会欣赏到电影的放映，但是只有少部分人选择去剧场观看话剧。电影作为机械复制时代最伟大的艺术作品，它的存在遍及我们的视野，我们不必亲临电影拍摄现场，就可以通过电影院、电视、网络观看电影，而话剧则不同，走进剧场中，除了能看到“活的”演员...  

若是打分的话，毫无疑问，本雅明可以得5分 翻译可以得2分，翻译的比较差，不算最差 出版社就比较猪头了，不知道编辑是做什么呢，错别字，标点符号，真的错的离谱，damn。 出版总署的人整天扫黄打非，稍微拿出来的时间整顿下出版社，也不需要每年拉那么多书去造纸厂  

《机械复制时代的艺术作品》编后记 范达明 瓦尔特•本雅明的美学名著《机械复制时代的艺术作品》并不长（包括其第一稿与第二稿全部原文，译成中文约5万多字），但是这一作为德国法兰克福学派在社会批判美学与文艺理论方面的代表人物的代表作，过去却一直没有被完整全面地介...  

用户评价

我之所以会被这本书吸引，很大程度上是因为它触及了一个我一直以来都在思考的问题：在这个信息爆炸、复制泛滥的时代，艺术的“真迹”与“复制品”之间，究竟存在着怎样的界限？而这种界限的模糊，又将如何影响我们对艺术的理解和欣赏？作者以其敏锐的洞察力，将“技术可复制性”这一概念置于分析的中心，深刻揭示了技术革新对艺术作品本体带来的颠覆性影响。我一直以为，一件艺术品的价值，很大程度上源于其独一无二的“灵光”——那种由时间、空间、创作者的独特情感以及作品的物理实体所共同构筑的 aura。然而，当摄影、电影等技术出现后，艺术作品的复制成为了可能，甚至是一种常态。这让我开始怀疑，我们所熟知的许多艺术体验，是否已经脱离了原作的“灵光”，而仅仅是对复制品的接受？书中对于“灵光”的消解以及由此带来的艺术形式的转变，让我受益匪浅。作者并没有停留在对“灵光”消逝的感伤，而是以一种辩证的眼光，分析了技术复制为艺术带来的新的可能性。他以电影为例，阐述了电影如何利用其高度的复制性，创造出前所未有的叙事深度和观众参与感。这让我意识到，艺术的价值并非仅仅体现在其物理上的独一无二，更在于其传递的思想、情感以及它与观众产生的共鸣。这本书，不仅是对艺术史的一次深刻梳理，更是一次对我们当下艺术消费和欣赏方式的深刻反思，它引导我去思考，在海量的复制品中，我们如何才能保有辨别力，去发现和珍视那些真正能够触动我们心灵的独特艺术价值。

阅读这本书的过程，更像是在进行一场关于“真实”与“镜像”的深刻对话。作者关于“技术可复制性”的论述，犹如一剂猛药，直击了我对艺术固有认知的舒适区。我一直以来都将艺术作品的价值，很大程度上归功于其独一无二的“光环”——那种由其历史、作者的独特性以及物理存在的稀缺性所共同营造的神圣感。然而，当摄影、电影等技术使得艺术作品可以被海量复制，并以极低的成本传播时，这种“光环”似乎开始黯然失色。书中关于“灵韵”（Aura）的消解，以及由此引发的艺术本体论的转变，让我深受启发。我开始反思，我们当下所接触到的绝大多数艺术体验，是否已经脱离了原作的“灵韵”，而仅仅是对复制品的被动接受？作者的分析并非止步于对“灵韵”失落的感叹，他更是以一种充满智慧的视角，探讨了技术复制为艺术带来的新机遇。他以电影为例，深刻地阐释了电影如何利用其高度的复制性，创造出强大的叙事力量和广泛的观众基础，从而成为一种全新的、具有巨大影响力的艺术形式。这让我开始重新审视，艺术的价值是否一定程度上可以摆脱其物理形态的独一无二性，而更多地体现在其所传达的思想、情感以及它与观众产生的深刻共鸣？这本书，为我理解当下充满复制品和信息洪流的艺术世界，提供了一个重要的理论框架，它不仅揭示了历史的演变，更引导我思考，在这个时代，我们应该如何去寻找和定义那些真正有价值的艺术，并保持批判性思维，不被表面的相似所迷惑，去触及艺术的内在灵魂。

当我翻开这本书，最吸引我的便是那个充满哲思的书名：“Das Kunstwerk Im Zeitalter Seiner Technischen Reproduzierbarkeit”，即“技术可复制性时代的艺术作品”。这几个字仿佛一把钥匙，打开了我内心深处对艺术本质的诸多疑问。我一直以来都相信，艺术品的价值，很大程度上在于其“独一无二”的属性，在于它所承载的创作者的独特情感和历史印记，在于它作为一件物理实体的稀缺性。然而，当摄影、电影等技术横空出世，艺术作品得以被无限复制，这种“独一无二”的神话似乎被打破了。作者以其深刻的洞察力，剖析了技术复制如何消解了艺术作品的“灵韵”（Aura）——那种由其独特物理存在和历史痕迹所赋予的独特光环。这让我不禁开始反思，我们如今所接触到的艺术，究竟有多少是“原作”，又有多少是“复制品”？而我们对它们的感知，又受到了怎样的影响？但是，作者的论述并非仅仅停留在对“灵韵”消逝的哀叹。他更进一步地，以极具说服力的方式，阐述了技术复制为艺术带来的新的可能性。例如，他以电影作为重要的例证，指出电影作为一种高度复制性的艺术形式，却能够以全新的方式讲述故事，触动观众的情感，甚至改变我们的世界观。这让我意识到，艺术的价值，或许并不完全依赖于其物理上的独一无二，而更在于其传递的思想、情感以及它与观众之间产生的共鸣。这本书，如同一个智慧的灯塔，照亮了我对当下艺术生态的理解，它迫使我重新思考，在这个充满复制的时代，我们该如何去辨别和欣赏那些真正具有生命力的艺术作品，并从中汲取力量和启迪。

我承认，第一次读到这本书的书名，我并没有立即产生强烈的阅读冲动。因为“技术可复制性”这个概念，听起来有些过于学术，甚至略显冰冷。然而，当我真正翻开书页，被作者流畅而富有洞察力的文字所吸引时，我才明白，这哪里是什么枯燥的理论，这分明是对我们所处时代的深刻预言和精准诊断。作者以惊人的前瞻性，揭示了技术革新对艺术生态带来的巨大变革。他并没有局限于某个特定的艺术门类，而是将触角伸向了绘画、摄影、电影、戏剧等多个领域，深刻剖析了技术如何改变了艺术的生产方式、传播途径，以及观众的接受方式。我尤其对书中关于“灵韵”（Aura）的论述印象深刻。过去，一件原作之所以具有“灵韵”，在于其独一无二的物理存在，在于其历史痕迹，在于其与创作者的直接联系。而技术的出现，尤其是摄影和电影的普及，使得艺术作品可以被大量复制，从而失去了这种“灵韵”。这让我不禁联想到如今无处不在的网络图片和视频，它们以极低的成本快速传播，内容丰富，但往往缺乏那种震撼人心的“原作感”。作者的分析，为我理解当下信息过载、真假难辨的文化现象提供了一个重要的理论框架。他并没有简单地批判技术的负面影响，而是辩证地分析了技术为艺术带来的新机遇，例如，摄影如何成为独立的艺术形式，电影如何成为一种全新的叙事媒介。这种辩证的视角，让我对技术与艺术的关系有了更全面、更深刻的认识，也促使我思考，在这样一个技术高度发达的时代，我们应该如何去定义和欣赏艺术，如何去区分“复制品”与“原作”，以及如何在无限的可能性中，找到真正有价值、有意义的艺术体验。

这本书的阅读体验，对我而言，是一次深刻的自我观照和认知重塑。在我拿起这本书之前，我对于艺术作品的理解，很大程度上受到传统观念的影响，即艺术品的价值在于其“独一无二”的“原作”身份，以及由此产生的“灵韵”（Aura）。然而，作者以其极其敏锐的笔触和深邃的哲学思考，将我引入了“技术可复制性时代”这一崭新的艺术语境。他精辟地论述了，当摄影、电影等技术使得艺术作品可以被大规模复制时，其原有的“灵韵”是如何被消解的。这对我来说，是一个极具冲击力的观点，它挑战了我长期以来对艺术价值的认知。我开始反思，我们生活中所接触到的艺术，有多少是经过技术复制的，而我们对这些复制品的感知，又与对原作的感知有何不同？然而，作者的论述并非仅仅停留在对“灵韵”消逝的感伤，他更以一种充满智慧的辩证视角，深入分析了技术复制为艺术带来的新的可能性。他以电影作为重要的案例，阐述了电影如何利用其高度的复制性，创造出强大的叙事力量和广泛的观众基础，从而成为一种全新的、具有巨大影响力的艺术形式。这让我意识到，艺术的价值，或许不应仅仅局限于其物理上的独一无二，而更应关注其所传达的思想、情感以及它与观众之间产生的深刻共鸣。这本书，为我理解当下这个充斥着复制品和信息洪流的艺术世界，提供了一个至关重要的理论框架，它不仅揭示了艺术发展的历史轨迹，更引导我思考，在这个日新月异的时代，我们应该如何去寻找和定义那些真正具有生命力和感染力的艺术，并保持批判性思维，不被表面的相似所迷惑，去触及艺术的内在灵魂。

说实话，我是一个对艺术历史不太感冒的人，总觉得那些陈年旧事离我的生活太远。但这本书，却像一位经验丰富的导游，带领我穿梭于历史的迷雾之中，却又时刻提醒我，眼前的景象与我们当下息息相关。书名中的“技术可复制性”几个字，一开始让我觉得有些沉重，仿佛预示着某种失落。但随着阅读的深入，我发现作者并非要我们沉湎于过去，而是要我们理解当下，并为未来做好准备。他以一种非常清晰、逻辑严谨的方式，阐述了技术对艺术作品本身产生的根本性改变。我一直以为，一件艺术品的价值在于它的独特性，在于它是世界上独一无二的存在。然而，当摄影、电影等技术出现后，艺术作品的“复制性”成为了一种常态。这就如同，你看到一幅名画的印刷品，它在视觉上与原作非常相似，但它却失去了原作那种独一无二的光环，失去了那种历经沧桑的痕迹，也失去了与作者心灵相通的直接体验。作者将这种独特性称为“灵韵”，并分析了技术复制是如何侵蚀了这种“灵韵”的。这让我恍然大悟，原来我们现在所感受到的许多艺术体验，很大程度上都是基于这种“复制品”而非“原作”。但是，作者并没有停留在对“灵韵”失落的哀叹，他更着重于分析这种转变带来的新的艺术可能性。例如，电影作为一种高度复制性的艺术形式，却能够以前所未有的方式讲述故事，触动观众的情感。这让我开始重新思考，艺术的价值究竟在哪里？是否一定要拥有“原作”的“灵韵”，才算得上是真正的艺术？这本书，像一面镜子，照出了我们对艺术的固有认知，同时也挑战了这些认知，促使我去思考，在技术不断发展的当下，我们应该如何重塑我们对艺术的理解和欣赏方式，如何在海量的复制品中，去发现和珍视那些真正能够触动我们心灵的独特价值。

读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一场思想的“脱胎换骨”。在翻开书本之前，我对“艺术”的理解，很大程度上还停留在传统意义上的“独一无二”和“原作”概念上。然而，作者以其非凡的洞察力，将我带入了一个全新的维度——“技术可复制性时代”。他深刻地揭示了，当技术允许艺术作品被无限复制时，其原有的“灵韵”（Aura）是如何被消解的。这对我来说，无疑是一个巨大的冲击。我一直认为，一件艺术品之所以珍贵，在于它的唯一性，在于它与创作者之间那种不可言喻的联系，在于它所承载的岁月痕迹。然而，当一幅名画可以被印在各种媒介上，甚至被3D打印出来，我们还能否谈论它的“原作”价值？作者并没有止步于此，他更进一步地，以极具前瞻性的视角，分析了技术复制为艺术带来的新机遇。他以摄影和电影为例，指出这些新兴的艺术形式，虽然高度依赖于技术复制，却也以前所未有的方式拓展了艺术的边界，丰富了我们的艺术体验。这让我开始重新审视，艺术的价值究竟在何处？是否一定要是“原作”，才能称得上是真正的艺术？这本书，不仅仅是对艺术史的一次回顾，更是一次对当下艺术生态的深刻诊断。它让我意识到，在信息爆炸、复制泛滥的时代，我们不能再用单一的标准来衡量艺术的价值，而是需要更加开放和辩证的思维，去理解和欣赏那些在技术浪潮中不断演变和创新的艺术形式，并从中找到属于自己的独特体验和意义。

初次翻开这本书，就有一种被时代洪流裹挟向前，却又在字里行间寻得冷静观照的奇妙感受。作者以其深邃的洞察力，将我们带入了一个既熟悉又陌生的境地——那个被技术不断革新的艺术世界。书名本身就充满了哲学意味，"技术可复制性时代的作品"，这几个词语组合在一起，立刻点燃了我对艺术本质的好奇。我一直在思考，当一件作品可以被无限复制，它的独特性、它的光环，是否就会因此褪色？又或者，这种复制性的普及，反而会带来新的可能性，让艺术不再是少数人的特权，而是成为触手可及的生活体验？作者的论述并非停留在表面，而是深入到艺术创作的根源，探讨了机械复制对艺术作品本体、观众感知方式以及艺术社会功能产生的颠覆性影响。读着读着，我仿佛置身于一个巨大的展览现场，眼前是油画、雕塑、电影，甚至是那些在报纸杂志上印刷的图像，每一个都闪烁着技术的痕迹。作者并没有简单地将技术视为对传统艺术的侵蚀，而是辩证地分析了其积极和消极的方面。例如，他提到了摄影的出现如何解放了绘画，使其可以摆脱写实的束缚，走向更抽象、更主观的表现；而电影的出现，又以前所未有的方式将叙事、视听、表演融为一体，创造了一种全新的艺术形式。这种对技术与艺术关系的细致剖析，让我对艺术的边界有了更深刻的理解，也更加珍惜那些在时代洪流中沉淀下来的经典之作，以及那些敢于突破技术界限的创新之举。这本书不仅仅是对艺术史的梳理，更是一次对我们当下所处时代的艺术生态的深刻反思，它迫使我重新审视自己与艺术的关系，以及我们如何在这个充斥着复制品的世界里，去发现和珍视真正的原创与价值。

起初，我带着一丝疑虑翻开这本书，因为“技术可复制性”这个词组，总让我联想到冰冷的技术和批量生产，这似乎与我心中对艺术的神圣感有些许冲突。然而，作者以其深邃的洞察力和精妙的笔触，将我带入了一个全新的视角。他并非简单地赞美或批判技术，而是以一种近乎科学的严谨，分析了技术革新如何从根本上改变了艺术的本质。我一直以为，一件艺术品的价值在于其独一无二的“光环”——那种由历史、创作者、以及物理存在的稀缺性所共同赋予的独特魅力。然而，当摄影、电影等技术使得艺术品得以大规模复制时，这种“光环”似乎就开始变得模糊。作者将这种“光环”称之为“灵韵”，并深刻地阐述了技术复制如何导致了“灵韵”的消解。这让我不禁反思，我们如今所接触到的绝大多数艺术作品，很大程度上都是“复制品”。那么，在失去了“灵韵”的加持下，这些艺术作品的价值究竟体现在哪里？作者的论述并没有止步于此，他更进一步地探讨了技术复制为艺术带来的新机遇。他以电影为例，指出电影作为一种高度复制性的艺术形式，却能够以前所未有的方式创造出强大的叙事力量和情感共鸣。这促使我思考，艺术的价值是否可以超越其物理形态的独一无二性？是否可以在大众化的传播中，找到新的生命力？这本书，为我打开了一扇理解当下艺术生态的窗口，它不仅解释了过去，更深刻地揭示了现在，并引导我思考，在技术浪潮的席卷之下，我们如何才能在无限的复制品中，依然捕捉到那些真正触动心灵的艺术火花，并赋予它们新的意义和价值。

这本书的阅读体验，更像是在进行一场关于“真实”与“幻象”的哲学辩论。作者提出的“技术可复制性”，就像一把锋利的解剖刀，剖开了艺术作品那层看似坚不可摧的“灵韵”或“灵光”。我一直以为，一件艺术品的价值，很大程度上源于它的独一无二，源于它的历史沉淀，源于它与创作者之间那种不可言说的精神连接。然而，当一件雕塑可以被3D打印，一幅名画可以被印在明信片上，甚至一部电影可以在任何屏幕上观看时，我们还能否谈论它的“原真性”？作者通过对电影、摄影等新兴艺术形式的分析，向我们展示了技术如何重塑了艺术的“本体”。过去，一件艺术品是唯一的，是神圣的，是需要人们前往特定的场所去朝拜的。而现在，艺术仿佛被“祛魅”了，它走下了神坛，走进了寻常百姓家，变得触手可及，甚至可以被随意消费。这种“大众化”无疑是技术进步带来的福祉，但同时，它也引发了我对艺术创作动机和观众接受心理的深刻疑问。当观众不再需要为“看到原作”而付出巨大的努力和牺牲，他们对艺术的尊重和理解是否也会随之减弱？当艺术作品的稀缺性消失，其市场价值又该如何衡量？书中对这些问题的探讨，让我感到既着迷又不安。我开始反思，在信息爆炸、复制泛滥的当下，我们如何才能保持辨别力，不被海量信息所淹没，找到那些真正能够触动灵魂、引发思考的艺术作品？这本书，无疑是我在这个问题上的一次重要启蒙，它让我意识到，艺术的价值，或许并不完全在于其形式上的唯一性，而更在于其内在的精神力量，以及它与我们内心深处共鸣的能力，而这种共鸣，即使在技术复制品的海洋中，依然可以被寻觅和珍藏。

突如其来的结尾，逃亡时写的真是不靠谱。

什么神仙语言

die Aura

什么神仙语言

什么神仙语言