媒体艺术与设计

出版者:高等教育

作者:陈小清

页数:246

出版时间:2007-10

价格:55.00元

isbn号码:9787040224054

具体描述

媒体艺术与设计是随着先进信息技术的应用与普及而诞生的一门新兴学 科，是涵盖着综合运用各种现代媒介、高科技手段与现代设计语言的文化创 意形式。 本书是作者持的“数码设计教学新体系建设”的重要成果之一，是广 州美术学院设计学院二十几年来的构成教学研究成果和现代数码艺术设计教 育成果。书中介绍的创作设计作品及课程作业，是本系师生们多年来应用新 的媒介手段，开拓扩展媒体艺术与设计的研究课题。 本书分为基础构成篇和构思创意篇两个部分，共十草。基础构成篇介绍 了建立在“数理、情理、悖理”的多向思维方法上和建立在“形态转换、综 合表现”的多元变化方法上设置的基础构成课题，构思创意篇介绍了建立在 “解构、重组、再创”的观念演绎上和建立在“多元、综合、数理、技术” 的实验探索上设置的构思创意课题。构思创意篇是本书的编写重点，目的是 让读者在掌握构成的基础原理方法前提下，能在创作思维、构思创意、表现 形式、媒介手段、综合能力上得到进一步的深化与提高。 本教材适用于高等学校媒体艺术与设计相关专业的教学，也可作为媒体 艺术与设计相关领域的创作设计人员的参考用书。

作者简介

作者简介

陈小清，女，1982年春毕业于中央工艺美术学院，毕业后即任教于广州美术学院。现任广州美术学院教授，数码艺术设计系主任，硕士生导师，广州美术学院学术委员会委员。1990年赴日本文教大学任客座研究员，作构成学专题研究。2002年赴日本东京艺术大学任客座研究员，作新媒体艺术设计专题研究。2005年赴日本参加“2005年世界博览会中国馆”的设计，任光动造型新媒体艺术设计项目负责人。其作品多次参加“国际新媒体艺术展”等国内外展览，编著出版过多本专业书籍。

目录信息

第一篇 基础构成篇
第一章 数理构成法
第二章 均衡构成法
第三章 悖理构成法
第四章 平面形态转换构成法
第五章 综合构成表现法
第二篇 构思创意篇
第六章 传统文化符号的启示
第七章 现代城市符号的启示
第八章 生物符号的启示
第九章 数学符号的启示
第十章 光——运动形态符号的启示
主要参考文献
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用户评价

初翻《视觉叙事与空间构建》，就被那种扑面而来的实验精神深深吸引住了。这本书的重点似乎完全不在于讲解传统的艺术理论或者技法，而是聚焦于如何利用光影、动态元素和非线性叙事来构建一种沉浸式的观感体验。作者在探讨“场域”概念时，引述了大量当代装置艺术的案例，从大型的城市投影到微观的交互界面，展示了媒介本身如何成为叙事的主体。尤其让我印象深刻的是其中关于“时间折叠”的章节，它并没有给出僵硬的定义，而是通过分析几部先锋派电影的剪辑手法，引导读者去思考信息流在不同媒介中是如何被重组和感知的。这本书的文字密度很高，充满了专业术语，但行文的逻辑跳跃性很强，有时候感觉像是在跟随一个哲学家的思绪漫步，时而清晰，时而陷入迷雾，需要反复阅读才能捕捉到那些隐藏在复杂描述背后的核心洞察。它更像是一本思想的激发器，而不是一本操作手册，非常适合那些已经掌握了基础设计语言，渴望探索边界的创作者和研究者。它迫使你重新审视那些看似理所当然的视觉接收方式。

《无限画布与限制条件：媒介表达的张力》这本书的结构设计本身就是一种艺术。它并非从头到尾的线性展开，而是通过一系列“对立统一”的小节来构建其核心论点，比如“结构与混沌”、“效率与冗余”、“清晰与模糊”。作者似乎着迷于探索设计中的内在矛盾。我花了很长时间才适应这种不断在两个极端之间切换的阅读节奏。书中关于“边界模糊”的讨论给我留下了深刻印象，它探讨了如何在严格的技术限制下，激发最大程度的创意自由。它不像市面上许多书籍那样鼓吹“打破一切规则”，而是强调，只有深刻理解限制，才能真正地去“驾驭”限制。书中引用的案例大多是那些在看似简单的形式中蕴含了复杂逻辑的艺术作品，比如极简主义雕塑或早期的电子音乐作品。它要求读者放慢速度，去品味那些被刻意保留下来的“空白”或“不确定性”，从中解读出深层的意图。这是一本需要被“沉浸”而不是“阅读”的书。

读完这本关于“交互界面与人类行为模型”的著作，我最大的感受是，它像一面清晰的镜子，反射出了我们与技术之间日益复杂的关系。作者的笔触犀利而冷静，从早期的人机交互设计理论出发，一路追踪到最新的情感计算和生物反馈系统。这本书的独特之处在于，它并没有将界面视为一个被动的展示窗口，而是将其视为一个主动的“社会构建者”。书中有一段关于“注意力经济”的论述尤其引人深思，它不是停留在批评层面，而是剖析了那些最成功的数字产品是如何利用认知偏差来设计其反馈机制的。我特别喜欢它对“非目的性探索”的推崇，认为真正的创新往往发生在用户偏离预设路径的那些瞬间。然而，这本书的视角非常宏观，从宏大的社会结构到个体的神经反应，信息量巨大，初读时很容易感到迷失方向。它更像是一份严谨的学术纲要，充满了详尽的脚注和跨学科的引用，需要读者具备扎实的理论基础才能完全领会其中的深意。

这本所谓的“蓝皮书”，坦率地说，更像是一本关于媒介哲学和感知哲学的综合性论述，而非一本实用的设计指南。它的大部分篇幅都在探讨“符号的消亡与重构”——在后互联网时代，我们是如何从理解信息转向体验信息的？作者采用了非常诗意且富有煽动性的语言，描绘了一个信息碎片化、意义流动性的世界。例如，书中有一章专门分析了网络迷因（meme）作为一种新型的“文化原子”是如何快速传播并自我演化的，它将迷因提升到了社会学和语言学的高度来审视。这种非传统的分析角度，让整本书充满了活力和争议性。但是，对于那些期待看到具体软件操作流程或者设计规范的读者来说，这本书无疑是“跑题”的。它更像是一场关于“观看”与“存在”的深刻对话，引导你思考，当媒介本身变得无形且无处不在时，设计师的角色究竟应该如何界定和转变。它的价值在于拓宽了思考的维度，而非提供现成的解决方案。

这本书的结构像是一部精心编排的交响乐，每一章都围绕着一个特定的“感知挑战”展开，但它们之间的衔接非常微妙，需要读者自己去建立联系。我特别欣赏作者处理“数字美学与物质性”这一主题的方式——与其探讨屏幕分辨率或色彩空间，不如将焦点放在触觉反馈和环境声音如何影响我们在虚拟空间中的存在感上。书中对虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的分析，完全避开了常见的技术参数对比，而是深入挖掘了这些技术如何重塑人类的“在场感”和“记忆存储”。举例来说，它通过对一个多媒体剧场的案例分析，揭示了当观众被完全包裹在一个数字环境中时，他们对真实世界的参照点会发生怎样的漂移。这种理论的深度和广度是令人惊叹的，但坦白说，对于习惯了直白教导的读者来说，这本书可能显得有些晦涩难懂，因为它更倾向于提出问题，而不是提供现成的答案。它要求你带着批判性的眼光去解构每一个被展示的案例，将理论和实践紧密地咬合在一起。