Silent Film Sound

出版者:Columbia Univ Pr

作者:Altman, Rick

页数:480

出版时间:2007-3

价格:$ 39.55

装帧:Pap

isbn号码:9780231116633

具体描述

Because silent cinema is widely perceived as having been exactly that-silent-no one has fully examined how souns was used to accompany the films of this era. Silent Film Sound reconsiders all aspects of sound practices during the entire silent film period. Based on extensive origianl reserach and accompanied by gorgeous illustrations, the book challenges the assumptions of earlier histories of this period in film and reveals the complexity and swiftly changing nature of American silent cinema. Contrary to received opinion, silent films were not always accompanied, nor were accompaniments uniform. Beginning with sound practices before cinema's first decade and continuing through to the more familiar sound practices of the 1920s, Rick Altman discusses the variety of sound strategies and the way early cinema exhibitors used these strategies to differentiate their products. During the nickelodeon period prior to 1910, this variety reached its zenith, with theaters often deploying half a dozen competing sound strategies-from carniva-like music in the street, automatic pianos at the rear of the theater, and small orchestras in the pit to lecturers, synchronized sound systems, and voices behind the screen. During this period, musical accompaniment had not yet begun to support the story and its emotions as it would in later years. But in the 1910s, film sound acquiesced to the demands of the burgeoning cinema industry, who successfully argued that accompaniment should enhance film's narrative and emotional content rather than score points by burluesqiung or "kidding" the film. The large theaters and blockbuster productions of the mid-1910s provided a perfect crucible for new instruments, new music publication projects, and the development of a new style of film msuic. From that moment on, film music would become an integral part of the film rather than its adversary, and a new style of cinema sound would favor accompaniment that worked in concert with cinema story-telling. For the first time, Silent Film Sound details the ways in which these diverse intersts and industires cam together to produce an extraordinarily successful audiovisual art.

用户评价

我花了相当长的时间才啃完这本书，坦白说，它对非专业人士的门槛略高，但回报是巨大的。这本书的结构设计极具巧思，它没有采用传统的年代顺序，而是围绕着“声音的功能性”进行了模块化解构。例如，有一章专门讨论了“恐惧的音色”——如何用不和谐音程或特定的打击乐器来制造银幕上的惊悚感，这部分内容与当代恐怖电影的声效设计有惊人的共通之处。作者对早期音效设计师的创造力的赞颂溢于言表，那些在技术限制下被逼出来的“土法炼钢”式的创新，比现代的数字合成器听起来更有“人味儿”。书中对欧洲和美国在早期有声技术引进上的政治和商业博弈也有涉及，这让我对电影工业的发展脉络有了更宏观的理解。阅读过程中，我不得不频繁停下来，去查阅书中提到的那些已经被遗忘的作曲家和他们留下的少数乐谱片段，这是一种穿越时空的“考古”体验，非常引人入胜，虽然偶尔会觉得理论推导略显冗长。

这本书的魅力在于它拒绝了“默片是无声的”这种刻板印象的束缚。作者通过扎实的田野调查和对第一代电影放映师访谈记录的挖掘，成功地重建了一个充满声音的默片世界。这本书最大的贡献，我认为是它成功地将“听觉”置于“视觉”的中心地位来重新审视默片艺术。我尤其欣赏作者对于“蒙太奇”理论在音乐运用上的延伸解读——如何将不相关的声音片段剪辑在一起，产生新的意义和节奏。文字风格非常鲜活，不像很多学术著作那样干巴巴，书中大量使用类比和生动的描述，比如将早期的“催泪曲”比喻为“情感的快餐”，将管弦乐队的即兴指挥戏谑地称为“看不见的指挥家”。读完后，我回家特地重温了几部经典默片，发现自己以前的观影体验完全是片面的，我开始“听”到了那些原本被我忽略的音乐线索和节奏变化。

这部作品提供了一个令人振奋的视角来重新评估“技术革命”对艺术形式的颠覆性影响。作者以惊人的细节描绘了有声电影到来时，那些依赖现场音乐为生的音乐家们瞬间失业的悲剧，以及这种转变如何迫使电影工业在短短几年内接受了标准化的、机器化的听觉体验。这种对“失落技艺”的挽歌，读来令人唏嘘。书中的篇章安排仿佛是故意制造一种“失衡感”：前半部分极力赞美现场音乐的活力与弹性，后半部分则冷静地分析了标准化音轨带来的高效与僵化。我特别关注到作者对早期电影配乐的“文学性”的论述，认为那时的音乐尝试用纯粹的器乐来讲述复杂的内心独白。这本书的价值在于，它不仅记录了声音的历史，更记录了艺术在面对科技浪潮时的挣扎与适应。

这部关于早期电影配乐的著作，简直是为我这种对默片时代声响探索痴迷的影迷量身定做的。作者以极其细腻的笔触，剖析了从手摇钢琴到管弦乐团，再到后期出现的同步音轨，音乐是如何从一种附属品，逐渐演变为叙事核心的复杂历程。书中对于不同地区、不同影院对“现场音乐”的实践差异，描述得尤为生动。比如，它详细对比了纽约大剧院的宏大交响化处理与小城镇戏院里单人乐师的即兴发挥之间的张力。我特别欣赏作者对“噪音”和“情绪渲染”之间界限的探讨，探讨了在没有对白的情况下，如何通过音高、速度和器乐选择来直接操控观众的情感阀门。书中穿插了大量珍贵的历史文献引述和当时的评论片段，使得整个叙述充满了历史的厚重感和现场感。读完后，我感觉自己仿佛走进了那段光影交错的世纪初的电影宫殿，空气中弥漫着威士忌和廉价香水的味道，耳边是忽强忽弱的音乐。它不仅仅是一本学术论著，更像是一份对逝去感官体验的深情追忆。

对我而言，这本书更像是一部详尽的“声音人类学”报告，而非单纯的电影史。作者的关注点远超好莱坞片厂内部，深入到了社区电影放映的社会文化层面。它探讨了音乐在不同社会阶层中扮演的角色：富裕阶层享受着昂贵定制的乐谱，而底层观众则依靠本地小乐队的快速变通。书中关于“版权与模仿”的章节尤其发人深省，揭示了早期电影配乐中大量借用、改编甚至直接剽窃现有古典作品的“灰色地带”，以及这种现象如何影响了后世音乐版权法的建立。这本书的排版和配图也值得称赞，那些老旧的放映室照片和乐谱设计图，本身就是一种视觉享受。虽然某些章节在分析特定配乐的旋律结构时略显晦涩，但整体上，它提供了一个理解“声音如何被创造和消费”的完整框架。