Undressing Cinema

出版者:Routledge

作者:Bruzzi, Stella

页数:248

出版时间:1997-12

价格:$ 45.14

装帧:Pap

isbn号码:9780415139571

具体描述

From Audrey Hepburn in Givenchy, to sharp-suited gangsters in Tarantino movies, clothing is central to film. In Undressing Cinema, Stella Bruzzi explores how far from being mere accessories, clothes are key elements in the construction of cinematic identities, and she proposes new and dynamic links between cinema, fashion and costume history, gender, queer theory and psychoanalysis. Bruzzi uses case studies drawn from contemporary popular cinema to reassess established ideas about costume and fashion in cinema, and to challenge conventional interpretations of how masculinity and femininity are constructed through clothing. Her wide-ranging study encompasses: * haute couture in film and the rise of the movie fashion designer, from Givenchy to Gaultier * the eroticism of period costume in films such as The Piano and The Age of Innocence * clothing the modern femme fatale in Single White Female, Disclosure and The Last Seduction * generic male chic in Goodfellas, Reservoir Dogs, and Leon * pride, costume and masculinity in 'Blaxploitation' films, Boyz 'N The Hood and New Jack City * drag and gender confusion in cinema, from the unerotic cross-dressing of Mrs Doubtfire to the eroticised ambiguity of Orlando.

用户评价

这是一本极其注重“触感”和“物质性”的电影理论书。作者似乎对胶片本身那种物理存在的质感怀有一种近乎迷恋的情感，并以此为出发点，探讨了数字化浪潮对电影本体论的冲击。他花了大量的篇幅去描述老式摄影机运行时的机械噪音、胶片的颗粒感以及放映过程中光束的散射效果，并将这些“物质的痕迹”视为电影作为一种“时间性艺术”不可或缺的一部分。这种对物质细节的执着，让整本书散发出一种怀旧而又尖锐的气息。特别是书中对“刮痕”和“噪点”的分析，作者将其视为电影自身的“伤痕记忆”，是抵抗完美无瑕的数字影像的唯一途径。我感觉这更像是一部献给老式放映机的情书，字里行间充满了对电影作为一种工业奇迹和短暂艺术形式的深沉挽歌。对于任何关心电影未来走向，尤其是对媒介变迁感到焦虑的人来说，这本书提供了一个极具洞察力且充满情感共鸣的分析框架。

坦率地说，这本书的行文风格极其跳跃和个性化，充满了大量拉丁文引文和晦涩的艺术史典故，读起来需要极大的耐心和背景知识储备。它似乎是写给已经浸淫在电影理论圈多年的学者，而非普通影迷的入门指南。作者的叙事节奏变化莫测，有时会用非常口语化、近乎讽刺的语气来抨击主流电影评论的平庸，下一段却可能骤然转入一篇极其严谨的、参考了数十种外文文献的考据报告。这种强烈的风格对比，使得阅读体验跌宕起伏。我个人最欣赏的是作者对“声音景观”在电影中角色的重新定义，他认为声音设计往往是比视觉更早、更直接地介入观众情感的武器。他分析了特定音效如何被用来规训观众的恐惧和愉悦，这让我对巴赫的配乐在某些欧洲电影中的使用有了全新的认识，不再是单纯的“烘托气氛”，而是具有明确的政治指向。这本书的价值在于它挑战了我们对电影“媒介边界”的既有认知。

说实话，这本书的阅读体验是充满挑战性的，它更像是一本需要反复研读的专业著作，而非轻松的睡前读物。那些关于“凝视”（Gaze）理论的阐述，尤其是在女性主义批评视角下的应用，可以说是全书的高潮，但也可能是让非专业读者望而却步的门槛。作者毫不留情地撕开了好莱坞黄金时代构建的“完美女性”表象，揭示了镜头背后那个无处不在的、带有审查意味的男性凝视是如何将银幕上的形象固化、客体化。我花了大量时间去回想那些经典场景，试图用作者提供的理论框架去重新审视，这种“重看”的过程既痛苦又酣畅淋漓。痛苦在于，你不得不承认自己过去是如何轻易地接受了那些被精心包装的意识形态；酣畅在于，一旦理解了这些机制，电影的“魔法”似乎并未消失，而是转化成了一种更深层次的、批判性的欣赏。书中对某些特定类型片（比如黑色电影）的结构性分析，更是展现了作者扎实的文本分析能力，他能穿透类型表面的光鲜，直达其社会根源的腐朽与挣扎。这本书迫使你放弃舒适区，去质疑你所爱的一切光影艺术。

这部电影研究的深度令人震惊，它不仅仅是对影像的剖析，更像是一次潜入人类集体潜意识的探险。作者以一种近乎手术刀般精准的笔触，解构了那些我们习以为常的银幕奇观，那些光影交错背后隐藏的权力结构、性别叙事乃至意识形态的潜流。读着这些论述，我感觉自己仿佛站在一个巨大的、由电影胶片搭建而成的迷宫中央，原本以为清晰的路径，此刻被层层叠叠的理论框架和历史参照物所遮蔽。特别是对蒙太奇手法的解读，完全颠覆了我过去对剪辑的理解，它不再是简单的片段拼接，而是一种主动的、具有颠覆性的意义建构过程。那些被我们忽略的转场、景别变化，在作者的解读下，突然获得了爆炸性的力量，揭示了制片厂制度如何精妙地塑造了观众的认知和情感反应。我尤其欣赏作者在援引早期先锋派电影理论时所展现出的博学与克制，他没有陷入纯粹的学术炫耀，而是将复杂的概念转化为极具画面感的文字描述，让人仿佛能亲眼目睹那些被遗忘的实验性影像在眼前重现。这种对电影语言本体的回归与深挖，是许多浮于表面的“影评”所望尘莫及的。

这本书最吸引我的是它将电影艺术与哲学思辨完美融合的野心。它不满足于谈论“谁演了什么角色”，而是探讨“‘存在’如何在屏幕上被呈现和消解”。作者似乎对现象学和后结构主义的文本理论有着极深的造诣，这使得他对叙事断裂、非线性时间以及梦境逻辑的处理显得尤为老道。我印象特别深刻的是关于“空镜头”（Empty Shot）的讨论，作者将其视为对现代社会中“意义缺失”的一种恰当的、近乎形而上的回应。这种对电影“在场性”的哲学追问，让整本书的调性从艺术批评一跃升格为对媒介本质的形而上学探索。阅读过程中，我的思绪不断地被拉扯，时而沉浸在某个导演对光影的精妙运用中，时而又被抛入康德或德里达的文本迷宫。这种跨学科的对话，让原本可能枯燥的理论变得生动而富有张力，仿佛每一次翻页都是在打开一个新的知识维度。

Fashion in film领域扛鼎之作。

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