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出版者:Oxford Univ Pr

作者:Sadie, Stanley (EDT)/ Macy, Laura Williams (EDT)

出品人:

頁數:784

译者:

出版時間:2006-10

價格:$ 45.14

裝幀:HRD

isbn號碼:9780195309072

叢書系列:

圖書標籤:

• 歌劇
• 古典音樂
• 音樂史
• 音樂欣賞
• 西方古典音樂
• 音樂指南
• 藝術
• 文化
• 音樂
• 文學

歌劇的殿堂：從巴洛剋到現代的聲樂史詩 一部深入探究歌劇藝術演變、流派風格與幕後故事的權威著作。 本書並非對某一部特定歌劇選集的簡單匯編，而是一部宏大、細緻入微的歌劇藝術通史。我們旨在揭示歌劇這一“綜閤藝術”是如何從其誕生之初的佛羅倫薩貴族沙龍，一步步發展成為席捲歐洲乃至全世界的、充滿激情與戲劇張力的舞颱奇觀。 本書的結構嚴格遵循時間脈絡與地理演變，從歌劇的源頭——十七世紀初意大利的“迴聲劇院”開始，直至二十世紀末的先鋒實驗。我們將跨越不同的曆史時期，剖析每一時代背景如何塑造瞭歌劇的麵貌，以及那些劃時代的作麯傢和劇作傢如何挑戰既有限製，推動藝術嚮前。 --- 第一部：黎明與黃金時代（1600-1750）：意大利的主導地位 本部分重點剖析歌劇作為一種新生藝術形式的起源與早期發展，尤其聚焦於意大利的佛羅倫薩、羅馬和威尼斯。 1. 佛羅倫薩的探索與“文字重於音樂”的理想： 探討雅各布·佩裏和賈科莫·卡奇尼等早期作麯傢如何試圖復興古希臘戲劇的概念，創造齣“Recitar Cantando”（歌唱性演講）這一核心技法。我們詳述瞭美第奇傢族在推廣早期歌劇中所扮演的關鍵角色。 2. 威尼斯的商業化與“大歌劇”的誕生： 深入分析剋勞迪奧·濛特威爾第的貢獻。他的《奧爾費奧》（L'Orfeo, 1607）被視為第一部完整的歌劇傑作，標誌著歌劇從宮廷娛樂走嚮公共劇院的轉摺點。本書詳細考察瞭濛特威爾第如何平衡敘事驅動的宣敘調（Recitative）與抒情性的詠嘆調（Aria），以及他如何利用樂隊色彩來烘托情感深度。 3. 拿波裏樂派的興盛與“正歌劇”（Opera Seria）的定型： 介紹亞曆桑德羅·斯卡拉蒂及其後繼者。正歌劇的固定結構——嚴格區分宣敘調與詠嘆調、強調炫技的“Da Capo”詠嘆調格式（ABA），以及對美聲技巧的極緻追求——成為十八世紀歐洲歌劇的主導範式。本書會深入解析歌劇“閹伶”（Castrati）在這一時期扮演的復雜社會與藝術角色。 4. 巴洛剋晚期的巨匠——亨德爾的貢獻： 盡管亨德爾主要在倫敦發展，他的意大利歌劇風格卻代錶瞭巴洛剋美學的巔峰。我們分析亨德爾如何將意大利的結構與英國觀眾對宏大閤唱的偏愛相結閤，塑造齣具有史詩氣質的英雄敘事。 --- 第二部：啓濛與革新（1750-1820）：理性與情感的交鋒 本部分探討歌劇如何迴應啓濛運動的思想，挑戰僵化的“正歌劇”傳統，並誕生瞭更富人情味的“喜歌劇”。 1. 格魯剋改革的哲學基礎： 剋裏斯托弗·維利巴爾德·格魯剋力圖“迴歸簡單與自然”，反對正歌劇中對炫技的過度強調。本書細緻分析瞭他在《奧爾費奧與歐律狄刻》等作品中如何實現“音樂服務於劇情”的改革目標，並闡述瞭他在維也納和巴黎的藝術鬥爭。 2. 喜歌劇的繁榮與莫紮特的融閤： 喜歌劇（Opera Buffa）在意大利的流行，如皮奇尼尼和薩蒂裏的作品，為歌劇注入瞭日常生活的幽默與諷刺。本書將重點剖析沃爾夫岡·阿瑪德烏斯·莫紮特。他不僅精通喜歌劇的機智對話（如《費加羅的婚禮》），更在“抒情正歌劇”（Opera Semiseria）中達到瞭人性的深刻洞察，尤其是在《唐璜》中，將喜劇與悲劇元素完美地交織在一起。 3. 早期德語歌劇的發展： 考察約翰·亞當·鬍默爾和對德國“歌唱劇”（Singspiel）傳統的探索，為未來瓦格納的“音樂戲劇”奠定語言和主題上的基礎。 --- 第三部：浪漫主義的輝煌（1820-1900）：激情、民族性與宏大敘事 浪漫主義時期是歌劇的“黃金二十年”，它成為民族認同的載體，音樂語言空前豐富，戲劇張力達到頂峰。 1. 意大利的“美聲”時代——羅西尼、多尼采蒂與貝利尼： 探討以高難度聲樂技巧著稱的“美聲劇”（Bel Canto）的鼎盛。本書將分析羅西尼的機敏、多尼采蒂的戲劇感染力，以及貝利尼對鏇律綫條的極緻追求（如《諾爾瑪》）。 2. 威爾第的民族史詩： 硃塞佩·威爾第是意大利統一的象徵。我們詳細考察他如何從早期的政治主題（如《納布科多諾索》）發展到後期的心理深度（如《奧賽羅》和《福斯塔夫》），以及他對閤唱和“場景發展”的革命性處理。 3. 法國的“大歌劇”（Grand Opéra）與“抒情歌劇”（Opéra Lyrique）： 分析巴黎對歌劇的嚴格要求——宏大的曆史題材、芭蕾的加入和五幕結構（如邁耶貝爾的作品）。隨後，轉嚮更注重私人情感和細膩配器的“抒情歌劇”的興起，如古諾的《浮士德》。 4. 德語浪漫主義的巔峰——韋伯與瓦格納的革命： 卡爾·馮·韋伯的《自由射手》開創瞭德語浪漫歌劇的民族主義色彩。隨後，本書將用大量篇幅解析理查德·瓦格納的“音樂戲劇”哲學。我們將深入研究他的“主導動機”（Leitmotif）係統、對“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及《尼伯龍根的指環》在敘事和音樂結構上的顛覆性成就。 5. 現實主義的暗流——“真實主義”（Verismo）： 探究在十九世紀末，隨著社會現實主義的興起，普契尼、馬斯卡尼和萊翁卡瓦洛如何將目光投嚮普通人的悲劇命運和強烈的感官體驗（如《卡門》、《蝴蝶夫人》、《醜角》）。 --- 第四部：二十世紀的破碎與重生：多元化的探索 進入新世紀，歌劇麵對攝影、電影的競爭，以及音樂思潮的劇變，走嚮瞭前所未有的多元化和實驗性。 1. 德彪西與印象主義的革新： 剋勞德·德彪西在《佩利亞斯與梅麗桑德》中，用極其微妙的管弦樂色彩和近乎口語化的鏇律，挑戰瞭瓦格納式的宏大敘事，開啓瞭印象派的聽覺體驗。 2. 錶現主義的心理風暴： 深入分析理查德·施特勞斯在《莎樂美》和《埃勒剋特拉》中對極端情感的描繪，以及阿諾德·勛伯格在十二音體係確立過程中對傳統調性的徹底顛覆。 3. 蘇聯與美國的歌劇實踐： 考察沙斯塔科維奇在蘇聯體製下的創新嘗試，以及喬治·格什溫等美國作麯傢如何試圖將爵士樂和美國本土敘事融入歌劇的努力（如《波吉與貝絲》）。 4. 當代實驗與後現代語境： 探討戰後歌劇的流派分裂，從布列茲等前衛派的電子與空間運用，到約翰·亞當斯等在曆史事件（如《尼剋鬆在中國》）中尋找新敘事可能性的嘗試。 --- 本書通過對這些裏程碑式作品的深入分析、對時代背景的細緻梳理，以及對主要歌唱傢和製作理念的探討，為讀者提供瞭一幅清晰、全麵且充滿洞察力的世界歌劇藝術發展地圖。它不僅是歌劇愛好者案頭的必備參考，也是音樂史研究者探究人聲藝術發展軌跡的重要文獻。 全書特色： 詳盡的術語解析： 對宣敘調、詠嘆調、歌劇結構、調式係統等關鍵音樂術語進行清晰解釋。 跨學科視角： 將歌劇置於其政治、社會、文學背景下進行解讀。 詳盡的劇目索引： 涵蓋瞭從早期巴洛剋到當代各個流派的代錶性劇目分析。

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這本關於歌劇的“林中之書”——哦，抱歉，我記錯瞭書名，它叫《The Grove Book of Operas》。這本書的厚重感和內容密度簡直讓人望而生畏，我花瞭整整一個周末纔啃完前三分之一。首先要贊揚的是它那近乎百科全書式的詳盡程度。對於每一部被收錄的歌劇，從首演的日期、地點，到具體的幕次結構、主要角色的聲樂要求，乃至於那些常常被忽略的，比如當時的政治氣候如何影響瞭劇本的創作，它都有所涉及。尤其讓我印象深刻的是，作者沒有滿足於簡單的羅列，而是深入挖掘瞭那些經典作品背後的“為什麼”。比如，他們對威爾第的某幾部作品的分析，不是簡單地復述情節，而是將其置於意大利統一運動的大背景下考察，分析瞭那些看似傢國情懷的詠嘆調是如何在民間層麵引起共鳴的。這種深挖曆史語境的做法，讓原本可能略顯枯燥的文本分析變得鮮活起來，仿佛能聽到百年前劇院裏觀眾的呼吸聲。對於初學者來說，它可能過於龐雜，像一座需要專業嚮導纔能穿越的迷宮；但對於資深樂迷而言，它無疑是一座等待你去探索的知識寶藏，每一次翻閱都能帶來新的發現和頓悟。那種沉浸在十九世紀歐洲歌劇黃金時代的體驗，是其他任何導覽手冊都無法比擬的。

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這本書的視角是極其國際化的，這讓我這個常年被德奧體係“洗腦”的聽眾大開眼界。以往閱讀歌劇資料，總會不自覺地被德語或意大利語的語境所主導，但《The Grove Book of Operas》成功地打破瞭這種地域偏見。它對俄國“五人組”的歌劇，如穆索爾斯基的《鮑裏斯·戈都諾夫》，其文本分析的細緻入微，簡直達到瞭語言學研究的水平，深入探討瞭斯拉夫民族敘事腔調在音樂中的體現。更讓我驚訝的是，它對東歐和北歐一些極具地方色彩的歌劇（比如捷剋作麯傢的作品）的收錄和介紹，詳略得當，既沒有敷衍瞭事，也沒有喧賓奪主。這種全球性的視野，讓我意識到歌劇這門藝術形式從誕生之初就帶有強烈的地域烙印，它不僅僅是音樂的結閤，更是特定文化語境下的戲劇錶達。閱讀時，我仿佛在進行一場跨越大陸的文化旅行，從米蘭的斯卡拉歌劇院到聖彼得堡的馬林斯基劇院，每翻過一頁，聽到的音樂色彩和戲劇張力都在發生奇妙的轉變。對於希望構建一個全麵、非中心化歌劇知識體係的讀者來說，這本書是不可或缺的指南針。

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如果讓我用一個詞來形容《The Grove Book of Operas》帶給我的感受，那將是“敬畏”。這種敬畏感源於作者們對知識的絕對掌控和對藝術的深刻理解。它不是那種輕鬆愉快的咖啡桌讀物，你不能指望在睡前隨便翻兩頁就能獲得片刻的安寜。相反，它要求你全神貫注，因為它所提供的細節密度極高，任何一次走神都可能讓你錯過一個關鍵的術語解釋或是曆史典故的串聯。在介紹那些復雜的“改革歌劇”時，作者們引經據典，將劇本的哲學基礎、巴洛剋時期的美學觀念、以及當時的宮廷政治糾葛，全部熔鑄在一兩段精煉的文字中。這種高度濃縮的學術錶達，初次接觸時會讓人感到認知負荷過大，仿佛在試圖一次性喝下一整瓶高度蒸餾的烈酒。但一旦你適應瞭它的節奏，你會發現這種嚴謹性是構建穩固知識體係的基石。它強迫你去思考，去查閱更多的背景資料，最終的結果是，你對歌劇藝術的理解深度得到瞭質的飛躍。這本書，是獻給那些願意為藝術深入泥濘的探險傢的。

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說實話，這本參考書的閱讀體驗更像是“使用”而非“閱讀”。我很少會從頭到尾通讀它，而是把它當作一個工具箱，需要時立刻找到對應的那把扳手。它的索引係統做得極為齣色，無論你想查找某個特定的作麯傢、某部作品的首次演齣年份，還是某位特定的配角，都能迅速定位。不過，這本書也展示齣一種“時間感”上的局限性。鑒於歌劇藝術的不斷發展和新作品的湧現，任何“大全集”都不可避免地會在某些前沿領域顯得有些滯後。比如，對於近二十年來的新歌劇實踐，它的記錄和分析自然無法跟上最新的動態，這也很正常。但我發現作者在處理那些仍在世的作麯傢作品時，其筆調顯得格外謹慎和保守，似乎總是在權衡其曆史地位與當下影響。這種平衡感是值得稱道的，它確保瞭書的嚴肅性，但偶爾也讓人覺得，它更像是一部梳理曆史的權威之作，而非擁抱未來的先鋒宣言。它教會我尊重曆史的沉澱，但也同時提醒我，歌劇的“林子”還在不斷生長。

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我必須承認，我拿到這本書時，是帶著一種“希望它能解決我所有歌劇睏惑”的期待的。但看完之後，我發現它更像是一個極其專業且略帶學術腔調的夥伴，它不會輕易地給你“標準答案”，而是提供給你足夠多的綫索讓你自己去構建認知地圖。它的排版設計是那種典型的學術參考書風格，密密麻麻的文字，小小的字體，似乎在暗示著“你得為此付齣努力”。我特彆喜歡它對那些早期、相對不那麼主流的歌劇的處理方式。市麵上很多歌劇指南往往隻關注莫紮特、瓦格納和普契尼，但這本書卻給瞭大量篇幅給像格魯剋早期的改革歌劇，甚至是某些被遺忘的法國大歌劇。作者對這些“冷門”作品的論述，其嚴謹程度絲毫不遜於對《尼伯龍根的指環》。這讓我體會到歌劇史的廣闊與深邃，不再局限於那幾部經常上演的作品。唯一讓我感到挫敗的是，由於篇幅的限製，一些復雜的樂劇分析不得不戛然而止，留下瞭太多的懸念，讓人意猶未盡，恨不得作者能再寫上三倍的篇幅來詳細闡述其中的對位法和和聲創新。這是一種幸福的煩惱，一本讓人渴望知識卻又因其浩瀚而感到無力的好書。

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