具体描述
作为《有生之年非看不可的1001幅绘画》的姊妹篇，《501位艺术大师》深入介绍有史以来世界各地的501位艺术大师，其中有画家、雕塑家，还有混合媒材、摄影和装置领域的艺术家。有关这些艺术家的生平小传简明扼要，事实丰富，集中起来就构成一部非正式的插图版艺术史。每篇紧凑的传记中都对传主的艺术创新成就和文化影响力作出评价。
此书对入选人物研究透彻，同时兼顾阅读趣味，信息量充沛，全面涵盖人类艺术史。从文艺复兴时期的壁画大师到印象派画家，从使用混合媒材的立体派大家到后现代的录像艺术家，无不兼收并录。文字传记的配图中有传主肖像，另有作品概目提示读者可去哪些画廊和博物馆观赏该艺术家的重要代表作。大多数条目中还附有艺术家本人或评论家的名言警句，精辟而富于启发，让我们对艺术家及其创作的内在精神与外在形态有更进一步的理解。
本书主编史蒂芬•法辛为英国知名的艺术史著作人和艺术教授，撰稿者团队由评论家、艺术史学者以及艺术家构成，堪称国际阵容。他们的评介体现了真正兼容并包的导引功能，让读者去接近艺术世界中那些最重要的男女成员。书中论及的很多大师杰作以高品质的精美插图呈现，此外还有艺术家在工作状态时的留影。艺术爱好者及喜欢逛博物馆的读者，如欲寻得一份可靠的艺术鉴赏参考资源，不妨时常翻阅本书，获取资讯，从而更好地了解这些奉献出传世杰作的艺术大家。
作者简介
史蒂芬•法辛，画家，伦敦艺术大学鲁特斯坦•霍普金斯基金绘画研究教授。1990年当选为牛津大学拉斯金绘画学院院长兼牛津圣•埃德蒙学院高级研究员。1998年当选为伦敦皇家艺术学会成员。他最初求学于伦敦圣•马丁艺术学院，于伦敦皇家艺术学院完成绘画硕士学位，自1977年一直从事美术教育。法辛的画作在全球各地都有展出，尤其是在英国、日本和南美洲的画廊。
目录信息
引言
艺术家索引
16世纪前
16世纪
17世纪
18世纪
19世纪
1900年代
1910年代
1920年代
1930年代
1940年代
1950年代
1960年代
1970年代
术语
索引
撰稿人
图片来源
致谢
艺术史的三联画（代译后弁言）
· · · · · · (收起)
读后感
艺术史的三联画（代译后记） 机缘巧合，接连翻译了法辛主编的两本艺术史图书，分别是手头的这本《艺术巨匠501人》与2012年初印行上市的《艺术通史》；再加上同属图文馆书系的那本《有生之年非看不可的1001幅绘画》（另有译者，出版于2013年），中央编译出版社将法辛的这“...
评分这里没有梵高？也没有达•芬奇？更没有尼古拉•普桑（Nicolas Poussin）？简直让人难以相信！ 当然了，只是玩笑而已。这些显赫“大腕”都被收录在册，同时还有另外498位艺术世界的名家得以携手入围。 不仅在本书伊始，而且也可能是在即便读完此书之际，读者必然会产生如此...
评分旧体例，新篇章 ——二十一世纪的“艺苑名人传” 论及以大腕巨匠为文本叙述核心的艺术史专著，我们在第一时间想到的，自然会是《艺苑名人传》。乔尔乔·瓦萨里（Giorgio Vasari,1511—1574）的这本书，初版于1550年，扩编修订之后，于1586年再版...
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用户评价
在我看来，这本书最大的价值之一，在于它能够帮助读者建立起一个清晰而完整的艺术史框架。尽管它介绍的是“501位艺术大师”，但通过这些大师的作品和生平，我仿佛看到了整个人类艺术发展史的缩影。它并没有像教科书那样枯燥地罗列信息，而是通过生动的故事和深入的解读，将抽象的艺术史变得鲜活起来。我能够清晰地了解到，从古希腊罗马的古典主义，到中世纪的宗教艺术，再到文艺复兴的繁荣，以及之后巴洛克、洛可可、浪漫主义、现实主义、印象派、野兽派、立体派等等一系列流派的演变，每一个时代都有其独特的艺术风格和精神内核。这种宏观的视角，让我能够将零散的艺术知识串联起来，形成一个有机的整体。我不再仅仅是认识一些孤立的艺术家和作品，而是能够理解它们在历史长河中的位置和意义。这种梳理和整合，对我来说是极其宝贵的，它让艺术史的学习不再是碎片化的记忆，而是一种系统性的理解。
评分在阅读这本书的过程中，我最大的收获之一，就是它让我开始学会“看”画，而不是仅仅“欣赏”画。在此之前，我对绘画的理解可能更多地停留在表面的色彩和构图，而这本书则教会我如何去解读画中的细节，如何去理解艺术家选择某种色彩、某种线条、某种构图背后的深层含义。例如，书中对印象派绘画的讲解，让我明白了为什么莫奈会选择描绘瞬间的光影变化，以及这种变化如何能够传递出艺术家对自然界最直接的感受。我也开始注意到，画面中那些看似不经意的笔触，其实都蕴含着艺术家的情感和思考。对于一些抽象表现主义的作品，虽然一开始觉得难以理解，但在作者的引导下，我逐渐开始体会到那些色彩和线条背后所蕴含的强烈情感和内在力量。我发现，艺术家的创作不仅仅是对现实的模仿，更是对内心世界的探索和表达。这种“看”画的能力，极大地丰富了我的视觉体验，让我能够从艺术作品中获得更深层次的感悟和启迪，也让我对艺术的理解不再流于表面，而是能够触及到更深的精神层面。
评分我一直认为，艺术是人类情感最直接、最纯粹的载体，而这本书正是将这一点体现得淋漓尽致。它不仅介绍了艺术家的创作技法和艺术流派，更深入地剖析了他们作品中所蕴含的情感力量。我尤其喜欢书中关于那些描绘战争、苦难、爱情、亲情的作品的解读，那些艺术家如何用画笔记录历史的创伤，如何用色彩表达内心的悲伤与希望，都让我深受感动。例如，当我读到关于表现主义艺术家们如何用扭曲的线条和强烈的色彩来展现战争的残酷和人性的扭曲时，我仿佛能够感受到他们内心的绝望和愤怒。而当我看到一些描绘家庭温馨场景的作品时，我又能从中感受到艺术家对生活的热爱和对亲情的珍视。这本书让我明白，艺术不仅仅是视觉的享受，更是心灵的共鸣。它能够跨越时空的界限，连接不同的人们，传递共同的情感。每次阅读，我都感觉自己的心灵得到了洗涤和升华，对生活有了更深刻的体悟。
评分一直以来，艺术对我来说都带着一层神秘的面纱，那些博物馆里的展品、画册里精美的图像，总让我觉得遥不可及，像是某种只有少数人才能理解的语言。直到我偶然翻开了这本书，仿佛有一扇通往艺术殿堂的大门在我面前徐徐展开。它没有一开始就用晦涩的术语或者复杂的理论去轰炸我的大脑，而是用一种循序渐进、娓娓道来的方式，将那些曾经让我望而却步的名字和作品，一个个地鲜活起来。我开始理解，原来艺术并非是空中楼阁，它深深植根于人类的情感、历史的变迁和社会的生活之中。书里对每一位艺术家生平的介绍，都像是为我打开了一个个小小的窗口，让我窥见他们创作背后的故事，那些不为人知的挣扎、灵感的闪现、对美的极致追求，甚至是对社会现实的批判与反思。当我了解到伦勃朗如何运用光影来捕捉人物灵魂的细微之处，梵高如何用奔放的色彩宣泄内心的激情，达利如何用超现实的手法挑战我们的视觉常识时，我不再仅仅是看着一幅幅画，而是开始“听”它们在诉说。这种全新的视角让我感到无比的惊喜和震撼，也激发了我深入探索艺术世界的强烈愿望。它让我明白，艺术从来都不是孤立存在的，它与我们的生活息息相关，是人类文明不可分割的一部分，是情感最直接、最纯粹的表达。我常常会因为书中某个故事而感动，因为某个观点而陷入沉思，仿佛我不是在阅读一本关于艺术的书，而是在与这些伟大的灵魂进行一场跨越时空的对话。
评分我是一个对色彩特别敏感的人，而这本书在这方面的内容，简直让我欣喜若狂。它不仅仅是描述颜色，更重要的是，它解读了艺术家如何运用色彩来表达情感、营造氛围、甚至传递哲学思想。例如，关于文艺复兴时期艺术家对光影和色彩的精妙运用，以及他们如何通过色彩来展现人物的立体感和空间的深度，都让我大开眼界。而对于后印象派画家如梵高，他如何用大胆而饱和的色彩来宣泄内心的激情，用黄色来象征生命，用蓝色来表达忧郁，都让我对色彩的理解上升到了一个新的高度。书中还提及了一些关于色彩心理学的探讨，让我明白了不同颜色对人的情绪和心理可能产生的影响。这种对色彩的深入挖掘，让我不仅仅是在欣赏画作的美感，更是开始理解色彩背后所蕴含的语言和情感。每次翻阅，我都仿佛能够看到一个由色彩构成的奇妙世界，而艺术家们则是这个世界的魔法师，用他们的画笔，赋予了色彩无尽的生命力和表现力。
评分这本书的编排方式，也是我非常欣赏的一点。它并没有将所有内容都堆砌在一起，而是分门别类，有条理地进行介绍。每一位艺术家的介绍都包含了他们的代表作品、创作风格、艺术成就以及简要的生平经历。这种结构化的呈现方式，使得我在阅读时能够更加轻松自如，也能够根据自己的兴趣进行选择性阅读。我特别喜欢书中的“大师之路”或者“艺术变革者”这类小标题，它们往往概括了艺术家在艺术史上的关键贡献，能够迅速吸引我的注意力。而且，在描述每一位艺术家时，作者都会巧妙地引用一些当时的名家评论或者艺术家的自述，这些一手资料的加入，让内容的真实性和说服力大大增强，也让我仿佛置身于那个艺术的时代，亲身感受艺术家的创作氛围。这种精心设计的排版和内容组织，使得这本书不仅具有很高的学术价值，也具备了极强的可读性和收藏价值，让我愿意反复翻阅，每次都能有新的发现。
评分这本书给我带来的不仅仅是知识的增长，更是一种思维方式的启发。它让我意识到，艺术家的创造力并非凭空而来，而是建立在对前人作品的继承、对当下现实的观察、以及对未来的大胆想象之上。我特别喜欢书中对不同艺术流派之间相互影响的描述，比如洛可可风格如何受到巴洛克风格的影响，又如何为新古典主义的诞生埋下伏笔。这种对艺术演进脉络的梳理，让我看到了历史的连续性和艺术的传承性。同时，书中也强调了艺术家个人的独特性和反叛精神，他们如何在既有的框架内寻求突破，如何用自己的方式去挑战权威、颠覆传统。这种对艺术家独立思考和创新精神的赞颂，也深深地触动了我。我开始反思，在我们的生活中，是否也应该更多地鼓励和培养这种创造性的思维，勇于质疑，敢于尝试，不被固有的模式所束缚。这本书让我明白，艺术史本身就是一个不断推陈出新、不断突破自我的过程，而这种精神，也同样适用于我们生活的方方面面。
评分坦白说，我曾经对一些现代艺术和当代艺术作品感到困惑，觉得它们过于抽象，难以理解其价值所在。这本书在这方面的内容，恰恰满足了我的需求。它并没有回避那些争议性的作品，而是试图去解释它们背后的创作理念和时代背景。例如，对于波普艺术的介绍，让我理解了安迪·沃霍尔如何将大众文化和商业符号融入艺术创作，以及这种尝试所带来的社会意义。我也开始意识到，艺术的定义本身就在不断地拓展和演变，我们不能用传统的眼光去衡量所有的新鲜事物。书中对于一些概念艺术的解读，也让我对“作品”的定义有了新的认识，明白艺术不仅仅是具象的物体，更可以是观念、是行为、是体验。这种开放的视角，让我能够以更包容的心态去接纳和理解不同形式的艺术，也让我对艺术的边界有了更深的思考。它打破了我固有的思维定势，让我看到了艺术的多元化和可能性，也让我开始欣赏那些挑战常规、引发思考的作品。
评分我一直对雕塑艺术情有独钟，尤其是那些宏伟的、充满力量感的作品。这本书在这方面的内容，简直是为我量身定做的。它不仅介绍了那些耳熟能详的雕塑大师，例如米开朗琪罗的《大卫》，还深入挖掘了一些鲜为人知的雕塑家的创作理念和技法。让我印象最深刻的是关于贝尔尼尼的描述，他如何能够将冰冷的石头赋予生命，让人物在瞬间凝固的姿态中展现出动人的情感和戏剧张力。书里对《阿波罗与达芙妮》的解读，让我重新审视了作品中人物的神态和动作，细致入微地分析了每一个肌肉线条的走向，每一缕衣角的飘动，是如何共同营造出那种惊心动魄的瞬间。这种深入的剖析，让我看到了雕塑艺术的精妙之处，也让我对材料的运用、空间的构筑有了更深的理解。我开始明白，雕塑不仅仅是静态的造型，更是对生命力的捕捉，是对瞬间的永恒定格。它让我看到了艺术家如何运用双手和工具，将无形的情感和思想，转化为有形的美丽，并在三维空间中展现出强大的生命力。每次读到这部分内容，我都会忍不住拿起身边的任何可塑材料，尝试去模仿，去感受那种创造的乐趣。
评分这本书最让我着迷的一点，在于它并没有将艺术史简化为一系列的年代和风格的罗列，而是通过一个个鲜活的个体，展现了艺术是如何在历史的长河中不断演进、碰撞、融合的。我尤其欣赏作者在描述每一位艺术家时，那种细腻入微的笔触，仿佛能够捕捉到他们指尖流淌出的色彩和情感。例如，在讲述莫奈的光影探索时，我仿佛看到了他站在塞纳河畔，顶着烈日，一遍遍地捕捉光线在水面上跳跃的瞬息万变；在介绍波洛克滴洒画法时，我仿佛能感受到颜料在画布上飞溅时，他内心澎湃的激情和自由的灵魂。这些生动的描绘，让我不再仅仅是被动地接受信息，而是主动地去想象、去感受、去代入。书中的许多细节都让我印象深刻，比如那些关于艺术家创作习惯的小故事，关于他们与同代人之间的艺术理念辩论，甚至是一些鲜为人知的私人生活片段，都为这些伟大的作品注入了人性化的温度，也让我对他们产生了更深的理解和同情。我开始意识到，艺术创作并非神来之笔，它离不开艺术家艰辛的付出、不断的尝试和对生活敏锐的洞察。每一次翻阅，都能从中汲取新的养分，每一次阅读，都仿佛是一次心灵的洗礼。它让我看到了艺术的无限可能性，也让我更加珍视那些能够触动心灵的作品。
评分图片太少！作为小白入门的话，不配图很难明白文字表述的美容。
评分这个系列的一大通病就是图片太少。然后这本的文字的精炼度和深度明显不如1001座建筑
评分501只母鸡和他们下的蛋
评分又厚又重 全是作品展示
评分于我是非常好的扫盲书 孤陋寡闻 好多大师第一次知道 有作品看 多了感性认识 有分析艺术大师的特性 人生经历 同时代的评价和对后世的深远影响等等
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