音楽

出版者:新潮社

作者:三島 由紀夫

页数:263

出版时间:1970-2-20

价格:JPY 529

装帧:文庫

isbn号码:9784101050171

用户评价

这本《音楽》简直是音乐爱好者的福音，里面的内容深度和广度都远超我的预期。我本来以为它会是一本比较枯燥的乐理教科书，但翻开后才发现，作者以一种极其生动和富有洞察力的方式，将复杂的音乐理论融入到对历史、文化背景的剖析之中。举个例子，它对巴洛克时期复调音乐的解析，不仅仅停留在声部交织的技术层面，更深入探讨了当时的宗教和社会结构是如何催生出这种精妙的音乐形式的。阅读时，我仿佛能跟随作者的笔触，穿越时空，亲身感受那些伟大作曲家在创作时的心境和灵感来源。书中的配图和乐谱示例都经过精心挑选，即便是对专业知识了解不深的读者，也能通过视觉辅助理解抽象的概念。尤其欣赏作者在阐述“和声”这一核心概念时，采用的类比手法，将枯燥的音程关系转化为生活中的色彩或建筑结构，极大地降低了学习门槛，使得整个阅读过程充满了发现的乐趣和持续的思考。

这本书最让我感到惊喜，也是最让我感到“头疼”的一点，是它对听众主体性的探讨。作者似乎并不满足于仅仅教授“如何听”，而是不断抛出问题：“我们听到的‘美’，真的是音乐本身具有的属性，还是我们大脑根据既有文化模板建构出来的幻觉？”这种不断的反思和解构，使得阅读体验充满了辩证的张力。书中有大量的篇幅专门讨论“失真”和“噪音”在现代音乐中的合法性，以及这种对传统“和谐”的颠覆，对我们感知世界的方式产生了何种深远影响。它的结尾部分尤其发人深省，没有给出任何固定的答案，而是留下了一个开放的邀请，鼓励读者带着批判性的耳朵继续探索未被定义的音乐疆域。读完之后，我发现自己再听任何音乐时，都会不自觉地带着一种更深层次的审视和质疑，这种思维上的“后遗症”，恰恰证明了这本书非凡的穿透力。

我必须承认，这本书的编排结构有点挑战性，但一旦适应了作者独特的叙事节奏，你会发现其中蕴含着惊人的逻辑性。它不是按照时间线或流派来简单罗列的，而是围绕几个核心的“音乐本体论”问题展开讨论，比如“什么是旋律的本质？”或者“节奏如何塑造情感？”这种跳跃性的结构，迫使我不断地将前面读到的概念与后面出现的新观点进行交叉比对和整合。这就像解开一个复杂的迷宫，初读时可能会感到迷失方向，但每当我找到一个关键的节点——比如关于“空间感”在室内乐中的体现那一章——之前所有零散的知识点就会瞬间串联起来，形成一个宏大的图景。我特别喜欢它在探讨二十世纪实验音乐的部分，作者并没有简单地批判其“晦涩难懂”，而是细致地分析了技术发展（如录音和合成器）是如何从根本上改变了作曲家的工具箱和听众的听觉习惯。这本书要求读者投入大量精力去思辨，但回报是思想上的极大拓展，远非市面上那些浅尝辄止的音乐普及读物可比拟。

坦白说，这本书的份量和厚度初看是有些吓人的，但它真正的价值在于其广博的引用和跨学科的视野。它不把自己局限在纯粹的音乐领域内，而是频繁地引入哲学、心理学，甚至是人类学中的洞见来佐证其论点。比如，探讨“即兴演奏”时，作者将它与东方禅宗的顿悟、或者西方的自由联想精神进行了对比分析，这极大地拓宽了我的理解维度。我发现，许多我原本以为是“天赋”或“灵感”的东西，在这本书的梳理下，逐渐显露出其背后深刻的文化和社会结构根源。书中引用了许多罕见的文献和一手资料，使得整本书的论证都显得扎实可信，而不是空穴来风的个人臆测。对于那些渴望从更宏大的视角理解艺术的读者来说，这本书提供了一个极佳的平台，让你从“听音乐”的个体体验，上升到“理解音乐在人类文明中扮演的角色”的哲学高度。

这本书的语言风格带着一种古典学者的严谨，但又时不时闪烁出文人特有的灵气和幽默感。它在描述那些动人心魄的音乐瞬间时，文字本身就带有了音乐性，句子长短错落有致，如同优美的乐句在行进。我记得有一段文字描写贝多芬晚期弦乐四重奏的“疏离感”，作者使用了大量感官交叉的描述词——“冰冷的透明度”、“被风化的纹理”——这些词汇直接击中了我的内心深处，让我重新审视那些我听了无数遍的作品。更让我惊喜的是，它没有陷入过度学院化的术语泥潭，即使面对复杂的对位法或十二音体系，作者也总能找到一种既能保持学术准确性，又能让非专业人士感同身受的表达方式。它像是一位经验丰富的向导，带着你攀登知识的高峰，既指引方向，又适时在你体力不支时递上一杯清茶，让你得以喘息并欣赏沿途的风景。

当我终于知道音乐到底是指什么的时候我又倒回去把书重看了一遍????????

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