艺术社会史

出版者:商务印书馆

作者:[匈] 阿诺尔德·豪泽尔

页数:565

译者:黄燎宇

出版时间:2015-4

价格:168.00

装帧:精装

isbn号码:9787100106740

具体描述

阿诺尔德•豪泽尔是匈牙利艺术史家，艺术社会学家的创始人之一，与卢卡奇、阿多诺并称为“20世纪最重要的文化社会学家”。《艺术社会史》在豪泽尔的著述中享有核心地位，它是豪泽尔的第一部著作，此后的四本著作都是对这部著作的补充、总结和提炼。1979年，该书被收录于《艺术社会学经典》中。社会学家克里斯蒂安•格诺伊斯（Christian Gneuss）把《艺术社会史》比作“启示录”，称赞该书促使人们再度关注“宏观历史问题”。

本书不仅对从石器时代到20世纪初的欧洲艺术发展史进行了笔酣墨饱的勾勒和阐释，讨论了包括造型艺术、文学、音乐、建筑、戏剧、电影、综艺演出在内的形形色色的艺术现象，更为重要的是，系统地将跨学科方法应用于艺术史研究，对各种艺术现象进行跨学科的考察和分析，在哲学、美学、宗教学、经济学、社会学、思想史、文化史、心理分析、电影理论等十来个领域纵横捭阖、来回穿梭，为艺术史研究开辟了前所未有的广阔视野。

作者简介

阿诺尔德•豪泽尔 (1892-1978) 匈牙利艺术史家，艺术社会学家的创始人之一，与卢卡奇、阿多诺并称为“20世纪最重要的文化社会学家”。自50年代起担任英美多所高校的教授；1954年，先于阿多诺、君特•格拉斯和埃利亚斯•卡内蒂获得了德国最重要的文学批评奖；1977年回到祖国匈牙利，并成为匈牙利科学院荣誉院士，翌年去世。主要著作有《艺术社会史》（1951）、《艺术史的哲学》（1958）、《风格主义：文艺复兴的危机与现代艺术的起源》（1964）、《艺术社会学》（1974）、《卢卡奇的“第三道路”的各种变体》（1978），均为艺术史经典之作。

黄燎宇：北京大学外国语学院德语系教授，博士生导师，北京大学德国研究中心主任，中国德语文学研究会副会长。主要从事德国文学尤其是德国现当代文学的研究、翻译及教学工作，同时致力于促进中德文化交流。著有《托马斯•曼》；译作有《批评家之死》、《恋爱中的男人》、《雷曼先生》和《死于威尼斯》等。先后荣获冯至德语文学研究奖（1992）及第三届鲁迅文学翻译奖（2005）。

目录信息

译者序
第一章 史前时代
第二章 古代东方的城市文化
第三章 古希腊罗马
第四章 中世纪
第五章 文艺复兴、风格主义和巴洛克
第六章 洛可可、古典主义和浪漫主义
第七章 自然主义和印象主义
第八章 电影的影响
注释
人名对照
概念和术语对照
· · · · · · (收起)

用户评价

我一直在寻找一本能够解释“为什么”艺术会那样呈现的书，而《艺术社会史》正是满足了我的这一需求。这本书并非简单地罗列艺术家的生平或作品的风格演变，而是致力于挖掘隐藏在艺术形式背后的社会动因。作者巧妙地将艺术作品视为一种社会文本，通过解读这些文本，我们可以窥见当时的社会结构、价值观念、伦理规范乃至日常生活的方方面面。例如，我从未想过，建筑风格的变化竟然与城市规划、公共卫生以及社会阶层隔离有着如此紧密的联系。书中对不同时期艺术展览的描述也极具启发性，展览的策划、展品的选择、观众的构成，无不折射出当时的社会文化氛围和权力关系。作者的笔触细致入微，能够从宏观的历史进程中捕捉到微观的社会细节，并将它们与艺术作品的产生和传播紧密联系起来。这让我觉得，阅读这本书不仅仅是在学习艺术史，更是在学习如何理解一个时代。它教会了我用更广阔的视角去审视艺术，不仅仅关注“美”本身，更关注“美”是如何被创造、被接受、被传播，以及在社会中发挥着怎样的作用。

这本《艺术社会史》让我认识到，艺术的传播和接受方式与社会结构、技术发展以及文化政策紧密相关。我一直对艺术作品是如何从艺术家手中传播到公众手中的过程感到好奇，而这本书则详细阐述了不同历史时期艺术传播的渠道和机制。作者对展览、出版、教育、旅游以及大众传媒等艺术传播媒介的分析，让我了解到艺术的普及化和大众化是社会文化发展的必然结果。我特别关注书中关于技术进步（如摄影、电影、互联网）如何颠覆了传统的艺术传播模式，以及新的传播技术如何塑造了艺术的生产、接受和解读方式。这本书让我意识到，艺术的价值和意义不仅仅在于其创作本身，还在于其如何被传播、被接受，以及在社会中产生怎样的影响。它让我对艺术的社会化过程有了更全面的认识，也让我开始反思当下艺术传播面临的挑战和机遇。

这本《艺术社会史》如同一扇通往过去的大门，让我得以窥见艺术与社会生活千丝万缕的联系。我一直对艺术的起源和发展充满好奇，但市面上很多书籍要么过于学术化，要么流于表面，无法满足我深入了解的愿望。直到我翻开这本书，我才找到了那种“拨云见日”的感觉。作者并非孤立地看待艺术品，而是将其置于具体的历史、经济、政治和文化语境中进行考察。例如，在中世纪，艺术的宗教功能如何塑造了其形式和主题？文艺复兴时期，赞助人制度的兴起又如何影响了艺术家的创作方向和地位？这些问题都在书中得到了细致的解答。我尤其喜欢作者对不同社会阶层在艺术消费和创作中所扮演角色的探讨。不仅仅是贵族和教会，平民百姓的艺术实践和审美趣味也得到了充分的展现，这让历史的画卷更加生动和立体。每一次阅读都像是在与历史对话，艺术品不再是冰冷的展品，而是承载着时代精神和生活温度的活生生证据。这本书不仅提升了我对艺术史的认知，更让我对人类社会的演变有了更深的理解。我常常会带着书中读到的知识，重新审视那些曾经看过的艺术作品，仿佛第一次真正“看见”它们一样。

《艺术社会史》所展现的艺术与社会习俗、宗教信仰和哲学思想之间的互动，是我之前阅读的艺术史著作中所未曾深入涉及的。作者并没有将艺术作品视为孤立的创造物，而是将其置于更广阔的文化和社会体系中进行考察。我特别欣赏作者在分析不同时期艺术风格的演变时，能够追溯到其背后所根植的社会思潮和精神追求。例如，为何某个时期的艺术倾向于宏大叙事和宗教主题？为何另一个时期的艺术又转向个人情感和日常生活？这些问题的答案，往往隐藏在当时的社会政治结构、宗教改革、科学发现以及哲学辩论之中。这本书让我明白，艺术的风格和内容并非凭空而来，而是对时代精神和社会需求的积极或消极回应。作者在探讨艺术在塑造和传播集体记忆、国家认同以及宗教教义方面所起的作用时，更是展现了艺术的强大社会力量。读完这本书，我对艺术的理解不再停留在形式和技巧层面，而是上升到了对其社会功能和文化意义的深度认知。

这本书最令我着迷的是其对艺术在社会变革中所扮演角色的细致描绘。我一直对艺术如何能够引发或反映社会运动、政治革命以及思想解放充满兴趣，而《艺术社会史》提供了丰富的案例和深刻的分析。作者通过考察不同时期的政治宣传艺术、革命歌曲、讽刺漫画以及纪实摄影等，展现了艺术作为一种强大的社会动员和意识形态工具的功能。我特别关注书中关于艺术如何挑战传统观念、推动社会进步，以及在特定历史时期如何成为反抗和觉醒的标志。这本书让我明白，艺术并非仅仅是时代的旁观者，它也可以是时代的积极参与者和塑造者。它揭示了艺术如何通过其独特的表现力和感染力，影响公众的情感、认知和行为，从而在社会变革中发挥至关重要的作用。每次阅读，都让我对艺术的力量有了更深层次的敬畏。

《艺术社会史》在探讨艺术与性别、家庭观念以及日常生活方式之间的关联方面，为我提供了前所未有的洞见。我一直觉得艺术作品背后隐藏着许多关于当时社会性别角色、家庭结构以及日常生活习惯的信息，而这本书则将这些联系清晰地呈现出来。作者对家庭肖像画、室内装饰、女性艺术家创作的题材以及女性在艺术史中的定位等方面的分析，让我对艺术与个人生活和社会规范之间的互动有了更深刻的理解。我特别欣赏作者在考察不同时期艺术风格的变化时，能够追溯到其背后所反映的家庭观念和性别权力关系的演变。这本书让我意识到，艺术不仅仅是关于宏大的历史事件或政治斗争，它也深深地根植于普通人的日常生活和社会习俗之中，折射出当时社会对性别、家庭和个人生活的态度和想象。

一直以来，我都对艺术的“大众化”与“精英化”之间的张力感到好奇，而《艺术社会史》在这方面提供了深刻的见解。作者并没有将艺术史简单地描绘成一部由少数天才艺术家谱写的史诗，而是强调了不同社会群体在艺术发展中所扮演的角色，包括那些被主流叙事所忽略的声音。例如，关于民间艺术、手工艺传统以及女性艺术家在不同历史时期的边缘化状况，都得到了有力的论述。这本书让我意识到，艺术的进步并非总是线性的，而是充满了曲折和妥协，并且常常受到社会经济条件的制约。我对作者在探讨艺术与技术进步的关系时，特别关注技术复制手段（如印刷术、摄影术）如何改变了艺术的生产、传播和接受方式，这一点印象尤为深刻。这直接影响了艺术的市场和价值观念，也为更广泛的社会群体接触艺术提供了可能。书中对于艺术教育和社会化过程的讨论，也让我了解到，审美能力的培养并非天生，而是与社会环境和文化熏陶息息相关。这本书让我从一个更全面、更具批判性的角度去理解艺术的社会属性。

这本《艺术社会史》为我理解艺术的商业化和市场运作提供了全新的视角。我一直对艺术品的价格、拍卖市场以及画廊制度的形成感到困惑，而这本书则详细阐述了这些经济因素如何塑造了艺术的生产、流通和接受。作者并没有回避艺术作为一种商品的属性，而是深入分析了不同历史时期艺术市场的发展规律，以及赞助人、收藏家、经纪人等关键角色的作用。我尤其关注书中关于资本主义兴起对艺术创作和市场带来的影响，以及艺术家如何在这种新的经济环境中定位自己。这本书让我意识到，艺术的价值不仅仅在于其艺术性，还在于其经济属性和社会流通性。它揭示了艺术市场中存在的权力运作和意识形态构建，以及艺术品如何成为资本增值和身份象征的工具。通过这本书，我不仅能更理解艺术市场的运作机制，更能洞察艺术背后复杂的经济和社会关系，对那些价格不菲的艺术品有了更深刻的理性认识。

《艺术社会史》的出现，填补了我对艺术与权力关系这一敏感话题探索的空白。长期以来，我总觉得艺术创作似乎是一种纯粹的精神活动，然而这本书让我意识到，艺术从来都不是脱离于社会而存在的。从古代王权的象征性艺术，到近代民族主义在艺术中的体现，作者都进行了鞭辟入里的分析。我印象最深刻的是关于工业革命对艺术市场和艺术家职业生涯带来的颠覆性变革。当大量生产的复制品出现时，艺术的独特性和价值如何被重新定义？新兴的中产阶级又如何成为新的艺术消费者和批评者？这些问题触及了艺术的本质，也反映了社会结构的变迁。作者并没有回避艺术与政治、经济之间的复杂纠葛，而是以一种客观而深入的方式呈现了它们之间的相互影响。这种对权力结构如何塑造艺术表达的剖析，让我对艺术的社会功能有了更深刻的认识。它不再仅仅是装饰或娱乐，更是权力传播、意识形态塑造以及社会共识构建的重要媒介。这本书的论述逻辑清晰，史料翔实，读来令人信服，也促使我开始反思当下社会中的艺术现象，思考艺术在其中扮演的角色。

《艺术社会史》关于艺术与社会群体互动，尤其是“边缘群体”的艺术实践，给我的触动尤为深刻。我一直觉得历史上的艺术史叙事往往是围绕着男性、贵族和主流文化展开的，而这本书则努力发掘那些被遮蔽的声音和经验。作者对工人阶级、妇女、少数民族等群体在艺术创作和消费中所扮演角色的探讨，让我看到了一个更加多元和真实的艺术史图景。我非常欣赏作者对民间艺术、地方特色艺术以及非学院派艺术的重视，这些常常被主流艺术史所忽略的领域，在这本书中得到了应有的关注和分析。它让我意识到，艺术的生命力并非仅仅存在于精英的殿堂，更蕴藏在广袤的社会土壤之中。这本书也让我开始反思，在当前的艺术语境中，我们是否仍然存在着类似的“边缘化”现象，以及如何才能构建一个更加包容和多元的艺术生态。

一块钱买的德语版的

作者除了点评传统的艺术门类，也分析了同时代的文学、哲学思想，详尽地描绘了历代艺术的特点和风潮，不过他也强调“艺术价值没有简单的社会学等价物。”非常有深度。

补标记

弃

豪泽尔的这本大部头论著，基于对大量原始资料和专业文献的梳理，为读者从艺术社会学的视角，描绘出一条清晰的艺术史发展变迁的图景。作者眼中的艺术，不只包括狭义上的造型艺术，也将音乐、电影、文学等囊括在内。其分析方法，则是注重艺术作品里的意识形态，及其内容与社会氛围和社会生态之间的关系。正基于此，他在书中跟包括韦伯、马克思、桑巴特、凡勃伦等在内的经典社会学家的理论，展开了广泛而深入的对话。当然也有两点遗憾。一是文学在其中占据了相当多的比重，相比之下，造型艺术作品的分析比重略显不足；二是作者的社会学分析以宏观分析和意识形态分析为主，而在受众分析、传播分析等方面涉及不多。这也为后人写一部更出色的艺术社会史著作，创造了机会。