藝術的法則

出版者:木馬

作者:基特.懷特(Kit White)

页数:224

译者:林容年

出版时间:2014-11

价格:0

装帧:平裝

isbn号码:9789863590705

具体描述

這本書，濃縮精簡所有藝術的過程。

好的藝術，怎麼看？

好的作品，如何賞析？

什麼是好的繪畫？創作？

學習大師的好作品！

最簡單深刻的話語，呈現最精采的精神，

藝術、設計界一致推薦！

◎從藝術看生活的一切事物，啟蒙所有人對藝術美感的認識

◎從大師的作品帶你如何看，揭露101個藝術的黃金法則

◎以最淺顯的文字、圖，表現基礎的概念，勾起最深刻的啟發

◎榮獲國內外藝術、設計業界學者一致好評

追求藝術所學到的經驗幾乎就如同我們生活中所經歷的；藝術和生活密不可分，藝術正是我們對自己生活的描述。因此，這本書的讀者是那些喜歡、關心藝術，以及認為藝術能豐富人生的人。

這本精彩的書以簡潔的方式提供了關於藝術近乎意義深遠的觀點。推薦給所有創作藝術或熱愛藝術的人。有些內容為藝術愛好者提供了深刻的見解，有些內容則能廣泛地適用於任何一種與創意有關的創作。

同時身為藝術家和老師的作者基特‧懷特提出和闡釋了在藝術學校應該要學的事，並在對技法的建議及具人文思考的引導中取得良好的平衡。這101則格言(or準則)、深刻的思考及論證不僅能提供修習藝術的學生一個想法、觀點的工具箱，也能給藝術家一些引導思考的原則。

而與101則簡潔的文字互相搭配的是和文字內容同樣意味深長、由作者所繪的插圖。

這些圖像通常是依據過去和當代的藝術作品所繪製而成，提供與文字相輔相成的視覺連結。舉例來說，「藝術可以是任何事物」配合的插圖是杜像有名的小便池之作〈噴泉〉，另一則關於明暗對比法的論述則是搭配一幅題為「卡拉瓦喬之後」的圖畫；一則有關時間及媒體的觀點使用珍妮‧霍爾澤投影作品其中一景的描繪；而與如何面對批評的論點搭配、欲引起共鳴的圖像則是根據皮耶羅‧德拉‧法蘭西斯卡所繪之被箭刺穿的聖賽巴斯汀像作為插圖。

親近藝術、瞭解藝術，生活的一切都是藝術。這是一本使人瞭解藝術是一種對於我們所在世界的描述，以及如何運用藝術作為想法傳達媒介的指南。

【學會素描】

素描並不只是表現和捕捉形體相似的工具，它是一種語言，有著自己的句法、語法和重要性。學習素描就是學習去觀看，就這樣的意義來說，所有藝術活動就如同素描。不管形式為何，素描會將感知和想法轉化成圖像，教導我們學習如何用眼睛去思考。

【花一個小時創作，就要花一個小時來觀察和思考】

好的作品會慢慢地展現自己。不要在還未花一段時間觀察作品前，就去評斷作品全面的影響。在觀察或是創作的過程中，每隔一段時間就將自己抽離原本的環境不失為一個好的方法，再次回來後，看到作品的當下反應是很重要的。好的作品不管是第一次看或是經過一段時間的觀看，所帶來的影響都會令人有充實的反映。倘若一個作品無法在兩種觀看時刻都讓人有充分的感受，那就持續努力嘗試，直到作品在兩種情況下都能讓你滿意為止。

【藝術創作是一種探索的行為】

若你只專注於處理和探討你已知的領域，那你可能沒有做好身為創作者的本分。當你有了新發現，或使自己感到驚奇時，你才真正處於探索及發現的過程中。

名人推薦

Vita Yang 插畫家

吳東龍 東喜設計總監

席時斌 當代藝術家

許尹齡 藝術創作者

這本書教會我如何尋找那第102條屬於自己的藝術法則，再次回到開始創作的起點並意識到面對的不再是一幅幅空白的畫布，而是那累積著量變終會質變的信念，讓我再次瘋狂愛上這樣的藝術過程。

「這本長寬皆只有六英吋的小書，極為出色地談論了藝術家和設計師在創作生涯的各個階段都應該要謹記在心的觀點與想法。」—Interior Design— (《室內設計雜誌》)

「基特‧懷特的《藝術的法則》令人驚喜。任何一個曾經去過美術館、創作過作品或是讀過藝術相關的人，都能從這本小書裡學到一些東西。」 —Beth Williamson, Cassone"— (貝絲‧威廉森，《Cassone線上雜誌》)

「對那些熱情地想要成為視覺藝術家的人，或是你愛的人想要成為視覺藝術家，不論你想要鼓舞他或者想要使他困惑，都沒有比這本書更好、更有力的指南了！」—Kurt Anderson, Studio 360 Blog— (柯特‧安德森，Studio 360 Blog)

「每個人都在追求有用的智慧，對吧？這本製作精美、具思想性且清晰易懂的啟蒙書，對任何年輕(或年長)、欲成為創作藝術者是再適合不過的書！」—Kurt Andersen, novelist (Heyday, Turn of the Century) and public radio host (Studio 360)"—(柯特‧安德森, 小說家 (Heyday, Turn of the Century) 及廣播節目主持人 (Studio 360))

「基特‧懷特寫的這本書是一不折不扣的『指南』，藝術創作的所有過程都濃縮精簡在這本大小適中，能讓胸懷抱負的藝術家掌握在手的101則格言(or準則)裡。」—Wendy Steiner , author of The Real Real Thing: The Model in the Mirror of Art"—(溫蒂‧史黛娜 , The Real Real Thing: The Model in the Mirror of Art的作者)

「不知道為什麼，規則的存在普遍被認為是對創造力發展的限制。有著豐富涵養又機智的作者基特‧懷特，破除了這個被廣為接受的想法，而在書中，他也論述了許多被普遍認定卻非如此的其他觀點。如果寫作最基本的原則是『用呈現的，而不是用直接描述的 (or用演的，不要用說的)！』，那麼本書作者正是這麼做的──他在這本精闢的書裡，以例子及豐富的內容展示了藝術創作究竟是什麼。」—Polly Apfelbaum, artist"— (波莉‧愛菲包姆，藝術家)

作者简介

基特‧懷特 Kit White

他是畫家、評論家，同時也是一名老師，目前於紐約布魯克林的普拉特藝術學院教授MFA的學程。成長於西維吉尼亞州，之後進入哈佛大學修讀美術。三十多年來，懷特以紐約為根據地，持續地從事藝術創作。1977年，懷特在紐約的Parsons Dreyfuss Gallery舉辦了首次個展，之後在紐約以及其他地方也一直有作品的展出。他於1979年時獲得「路易．康福．蒂芙尼基金會獎（繪畫類）」（Louis Comfort Tiffany Foundation Award），也曾入圍國家藝術獎；他曾擔任美國文理科學院駐羅馬的訪問藝術家，也是義大利溫貝爾蒂德（Umbertide）的Civtella Ranieri基金會的客座講者。懷特的作品被古根漢美術館、詹森美術館、杭亭頓美術館等許多美術館及國家單位收藏。 他所撰寫的文章可見於Art News、Review Magazine等出版物。懷特與作家安卓亞‧巴奈特結婚，目前定居紐約。

用户评价

在我收到《藝術的法則》这本书之前，我曾有过一段“迷茫期”，对艺术创作的理解停留在了一些肤浅的层面。我尝试过各种方法，但总感觉自己的作品缺乏一种“生命力”。这本书的出现，可以说是我艺术探索道路上的一个重要里程碑。它并没有给我具体的“创作秘籍”，而是从更宏观、更根本的层面，去探讨艺术之所以为艺术的“内在逻辑”。书中关于“象征与隐喻”的章节，给我留下了极其深刻的印象。作者深入分析了艺术家如何通过运用象征和隐喻，来传达更深层次的思想和情感，例如一朵花可以象征爱情，一轮明月可以象征思乡。他举例分析了不同文化背景下的艺术家，是如何运用相似的象征符号，来表达相似的情感，从而引发观众的共鸣。这种对“看不见的语言”的解读，让我对艺术作品的理解不再仅仅停留在视觉层面，而是能够触及到更深层次的精神内涵。我尤其喜欢作者对于“留白”的阐述，他将其视为一种“含蓄”的力量，认为恰到好处的空白，能够引发观众更多的想象，使得作品的意境更加深远。这本书的语言也相当考究，充满了哲思，读起来仿佛是在与一位智者对话。它教会我，艺术的魅力，往往就隐藏在那些不易察觉的细节之中，需要我们用心去体会。

《藝術的法則》这本书，可以说是为我打开了一扇通往艺术更深层理解的大门。我一直认为，艺术的魅力在于其“情感的共鸣”，而这本书，则为我们揭示了这种共鸣的“实现路径”。作者并没有回避一些相对复杂的艺术理论，但他能够用极其生动、形象的语言将其阐释清楚，并且通过大量的历史和文化实例来支撑自己的观点。我特别喜欢书中关于“情感的表达与控制”的论述。作者认为，伟大的艺术作品，不仅仅是艺术家情感的宣泄，更是艺术家对情感的深刻理解和巧妙控制。他举例分析了许多经典艺术作品，展示了艺术家是如何通过运用色彩、线条、构图等“形式法则”，来调动观众的情感，并最终将情感引导向一个既定的方向，从而达到一种深刻的情感共鸣。这种对“情感与形式”之间关系的深刻洞察，让我对自己的创作有了全新的认识。我开始更加注重作品的情感表达，并且尝试去思考如何通过更巧妙的形式来传达这些情感。这本书的行文风格也相当流畅，没有生硬的理论说教，更多的是一种引人入胜的叙事。它让我明白了，艺术不仅仅是技巧的展示，更是对人类情感世界的深刻探索和表达。

在我收到《藝術的法則》这本书之前，我曾对艺术创作有过一种“凭感觉”的理解。我总觉得艺术是一种难以言传、难以名状的神秘力量。这本书的出现，彻底改变了我的看法。它并没有否定艺术的神秘感，而是从更根本的层面，去探讨艺术创作的“规律性”。书中关于“节奏与平衡”的章节，对我启发尤为巨大。作者将音乐中的节奏和平衡概念，巧妙地运用到了视觉艺术的分析中，阐述了色彩、线条、形状的排列组合所产生的视觉“节奏”，以及画面构图的“平衡”如何影响观众的感知和情绪。他通过对不同艺术家作品的分析，展示了艺术家如何运用这些“节奏与平衡”的法则，来引导观众的视线，制造情绪的起伏，最终达到一种和谐统一的艺术效果。我尤其喜欢作者对于“重复与变化”的阐述，他认为恰到好处的重复能够形成一种韵律感，而适度的变化则能够避免单调，使得作品更加富有生命力。这种对视觉语言基本元素的深刻洞察，让我对自己的创作有了全新的认识。我开始尝试在作品中运用更多的“重复与变化”，让画面不再那么死板，而是充满了灵动和活力。这本书的语言也相当精炼，字字珠玑，每一句话都充满了智慧。它就像一位经验丰富的大师，在默默地指导你，让你在不知不觉中不断进步。

在我收到《藝術的法則》这本书之前，我曾广泛阅读过许多关于艺术的书籍，但大多数都让我感觉有些“飘忽”，缺乏实在的指导意义。而这本书，则给了我一种前所未有的“脚踏实地”的感觉。它并非一味地鼓吹某种风格或者流派，而是从艺术创作的根源出发，探讨那些普适性的、能够指导一切艺术形式的“法则”。我特别喜欢书中关于“情感的传达”那一章节的论述。作者并没有将情感简单地归结为“抒发”，而是深入分析了艺术家如何通过形式、色彩、线条乃至材质，巧妙地将复杂的情感转化为观众能够直接感知、并且产生共鸣的体验。他举例分析了不同时代、不同文化背景下的艺术家，是如何运用相似的“法则”，来表达相似的情感，例如对孤独、对爱、对失落的描绘。这种跨越时空的对比和分析，让我深刻地体会到艺术的共通性，以及人类情感的普世价值。这本书的结构也非常清晰，逻辑严谨，每一章都像是在为下一章打下坚实的基础，层层递进，引人入胜。我甚至觉得，这本书不仅仅是为艺术家而写的，也同样适合那些对艺术抱有好奇心，想要更深入理解艺术的普通读者。它能够帮助我们打破对艺术的刻板印象，发现艺术中那些隐藏的、令人惊叹的规律。

《藝術的法則》这本书，说实话，我拿到手的时候，并没有抱太大的期望。市面上关于艺术的书籍太多了，大多数无非是些画廊游记、艺术家传记，或者一些理论堆砌，读起来枯燥乏味，对实际的艺术创作指导意义不大。然而，当我翻开《藝術的法則》的扉页，立刻被它独特的视角所吸引。这本书并没有直接告诉你“如何画出大师级的作品”这种令人望而生畏的目标，而是从一个更加宏观、更加根本的角度，探讨了艺术之所以为艺术的内在逻辑。它不是一本教学手册，更像是一次深入的哲学思辨，带领读者去理解那些支撑着伟大艺术作品诞生的底层规则。我特别欣赏作者对于“法则”这个词的定义，它不是僵化的教条，而是如同自然规律一般，潜藏在艺术的血脉之中，等待着被发现和理解。读这本书的过程，就像是在解开一个古老的谜语，每一次的领悟都带来一种豁然开朗的惊喜。它让我重新审视了我过往对艺术的认知，仿佛打开了一扇通往更深层次理解的大门。这本书的语言也相当考究，没有故弄玄虚的术语，更多的是用精准且富有诗意的语言，将抽象的艺术概念具象化。我至今还记得其中关于“留白”的论述，作者并非简单地将其视为一种技法，而是上升到了“意境”的层面，阐述了空白如何承载着比实体更丰富的情感和思想。这种对细节的深刻挖掘，让我对这本书的喜爱程度日益加深。它不仅仅是一本书，更像是一位无声的引路人，陪伴我在艺术的海洋中探索，每一次阅读都带来新的感悟和力量。

坦白说，《藝術的法則》这本书，是我在众多的艺术理论书籍中，少有的能够让我反复阅读、并且每次都能从中获得新启发的。它并非那种“速成”的教材，更像是一本值得“细品”的哲学读物。我特别欣赏作者在书中对于“情感的逻辑”的探讨。他认为，艺术的本质在于情感的传递，而这种传递并非是随意的，而是遵循着一定的“法则”。他分析了艺术家如何通过对色彩、形状、线条的运用，来调动观众的情感，例如红色代表热情，蓝色代表忧郁，而这些情感的调动，背后都有着深刻的心理学和文化根源。他举例分析了那些伟大的肖像画，不仅仅是描绘了人物的外貌，更是捕捉到了人物内心的情感，以及这种情感是如何通过笔触和色彩的运用而得以传达的。这种对情感与形式之间关系的深入剖析，让我对艺术的理解上升到了一个新的高度。我开始不再仅仅关注作品的“美”与“丑”，而是去感受作品所传达出的情感，去理解艺术家创作时的心境。这本书的语言也相当优美，充满了诗意，读起来就像是在欣赏一首动人的乐章。它让我明白了，艺术不仅仅是技巧的展现，更是情感的交流，是灵魂的共鸣。

拿到《藝術的法則》这本书时，我正处于一个创作的瓶颈期。我尝试过各种方法，阅读过无数的教程，但总感觉自己的作品缺乏一种“灵魂”。这本书的出现，可以说是我创作生涯中的一个重要转折点。它并没有直接给我“如何突破瓶颈”的答案，而是从更根本的层面，去探讨艺术创作的“底层逻辑”。书中关于“节奏与韵律”的分析，对我启发尤为巨大。作者将音乐中的节奏和韵律概念，巧妙地运用到了视觉艺术的分析中，阐述了色彩、线条、形状的排列组合所产生的视觉“韵律”，以及这种韵律如何影响观众的情感和感知。他通过对不同艺术家作品的分析，展示了艺术家如何运用这种“视觉韵律”来引导观众的视线，制造情绪的起伏，最终达到一种和谐统一的艺术效果。我尤其喜欢书中关于“留白”的阐述，作者将其提升到了“意境”的高度，解释了空白并非是“缺失”，而是“存在”，是承载情感和思想的容器。这种对细节的深刻洞察，让我对自己的创作有了全新的认识。我开始尝试在作品中运用更多的“留白”，让画面不再那么拥挤，而是留给观众更多的想象空间。这本书的语言也相当精炼，字字珠玑，每一句话都充满了智慧。它就像一位经验丰富的大师，在默默地指导你，让你在不知不觉中不断进步。

《藝術的法則》这本书，是我在阅读了无数艺术书籍后，少有的能够让我感到“豁然开朗”的作品。我一直认为，艺术的魅力在于其“变化万千”，而这本书，则为我们揭示了这些变化万千背后的“共通法则”。作者并没有回避一些相对深奥的艺术理论，但他能够用极其生动、形象的语言将其阐释清楚，并且通过大量的历史和文化实例来支撑自己的观点。我特别喜欢书中关于“对比与统一”的论述。作者认为，艺术的生命力恰恰在于对立元素的巧妙结合，例如明暗的对比、冷暖的对比、动静的对比，而这些对比最终又服务于整体的统一，使得作品既富有张力，又和谐统一。他举例分析了许多经典艺术作品，展示了艺术家是如何通过运用这些“对比与统一”的法则，来达到令人震撼的艺术效果。这种对艺术基本构成要素的深刻洞察，让我对自己的创作有了全新的认识。我开始更加注重画面中不同元素之间的相互关系，努力在多样性中寻求统一，在对比中体现和谐。这本书的行文风格也相当流畅，没有生硬的理论说教，更多的是一种引人入胜的叙事。它让我明白了，艺术不仅仅是技巧的堆砌，更是对世界万象的深刻理解和巧妙运用。

我一直认为，艺术的学习过程，往往被过分强调了技巧的训练，而忽略了更深层的精神内核。《藝術的法則》这本书，恰恰弥补了这一点。它不是那种告诉你如何调色、如何构图的书，它的出发点更加高远，更像是在探讨艺术创作的“哲学”。书中关于“模仿与创新”的章节，给我留下了极其深刻的印象。作者并没有简单地否定模仿，而是阐述了模仿在艺术发展中的必要性，以及如何通过对经典的致敬，最终找到属于自己的独特声音。这种辩证的思考方式，让我不再对“原创”这两个字感到过分焦虑。它告诉我，真正的艺术，是建立在对前人经验的深刻理解之上，然后在此基础上进行突破和升华。我尤其欣赏作者分析那些经典作品时，并非仅仅罗列其技法上的精妙，而是深入挖掘其背后所蕴含的时代精神、艺术家个人的情感波动，以及这些因素如何共同作用，造就了作品的永恒魅力。这种“宏大叙事”与“个体情感”的结合，让艺术作品的理解不再是冰冷的分析，而是一种生动的对话。读完这本书，我感觉自己对待艺术的态度发生了一百八十度的转变，从一个被动接受者，变成了一个主动的思考者。我开始主动去探寻作品背后隐藏的故事，去理解艺术家创作时的心境，而不是仅仅停留在表面的视觉享受。这本书的价值，远不止于提升艺术鉴赏能力，更在于重塑我们对艺术的理解方式，以及对生活本身的观察角度。

《藝術的法則》这本书，可以说是我近几年来读到的最让我感到“耳目一新”的艺术类读物。我一直认为，艺术的魅力在于其无限的可能性，而这本书，则为我们揭示了这些无限可能性的背后，其实存在着一些共通的、能够触类旁通的“法则”。作者在书中并没有回避那些相对复杂的艺术理论，但他能够用极其生动、浅显的语言将其阐释清楚，并且通过大量的实例来支撑自己的观点。我印象最深刻的是关于“形式与内容的关系”的讨论。作者并没有将形式视为内容的附属，而是强调了形式本身所具有的强大力量，以及形式如何能够塑造、甚至改变内容。他分析了不同形式的艺术作品，例如雕塑、绘画、音乐、文学，是如何通过各自独特的“形式法则”，来传达出截然不同的美感和意境。这种对形式内在价值的深入挖掘，让我重新认识了艺术的本质。这本书的行文风格也非常流畅，仿佛作者在娓娓道来，而不是在进行学术讲座，这使得阅读过程非常轻松愉快。我甚至觉得，这本书的某些观点，不仅适用于艺术创作，也同样能够指导我们在生活中如何更好地去观察、去思考、去表达。它教会我，不仅仅要看到事物的表面，更要理解其内在的结构和运作规律。

讲的都是陈词滥调，插画的选择倒是质量蛮高

上一句评论不确实，并没有写错，写的是毕卡索之后

连管窥都不合格 仅仅是小资气息浓厚的隔靴搔痒

艺术口袋书系列，图文匹配度不高

竟然把賈科梅蒂寫成畢加索，不能原諒。。。