Russian Decorative Painting

出版者:Sterling Pub Co Inc

作者:Hauser, Priscilla/ Grafov, Boris

页数:128

出版时间:2007-2

价格:$ 16.89

装帧:Pap

isbn号码:9781402714740

具体描述

Priscilla Hauser, the queen of decorative painting, and Boris Grafov, a Russian-born painter whose native village is world-renowned for its art, have produced a luminous volume featuring bright arrangements of flowers, fruits and leaves, bordered in gold or silver filigre, and set off by a black lacquered surface. It's a style with a timeless appeal and Hauser and Grafov provide comprehensive instructions for creating ten beautiful patterns on furniture and other objects. All the necessary skills are explained, with plenty of advice on preparing the surface, wielding the brush and mixing colours.

用户评价

我原本以为这本关于装饰艺术的著作会是一本枯燥的技法大全，但事实证明我的预判完全是多余的。作者的叙事方式极其流畅自然，仿佛一位经验丰富的老匠人在你耳边娓娓道来，分享着他对民间手工艺那种近乎痴迷的热爱。书中并未将艺术流派进行僵硬的划分，而是巧妙地通过“地域的变迁”和“材料的革新”两条主线，串联起不同时期、不同风格的装饰母题。阅读过程中，我时常被那些被历史尘封的古老图案所震撼，它们不仅仅是简单的花纹，更是凝结了特定时代社会风貌、信仰体系和生活哲学的密码。作者对于纹样背后象征意义的解读深入浅出，避免了晦涩难懂的学术术语，使得即便是初学者也能迅速领悟其精髓。例如，他对特定动物形象在不同省份的含义差异的对比分析，细致入微，令人拍案叫绝。这本书的价值在于它成功地搭建了一座连接过去与现在的桥梁，让古老的艺术语言重新焕发出鲜活的生命力。

从学术研究的角度来看，这本书的文献综述部分处理得相当克制且精准。它没有陷入无休止的引文堆砌，而是将重点放在了对装饰艺术发展脉络的宏观把握上。我注意到作者在引用西方艺术史理论时，总能精准地找到其与本土审美体系的交叉点，这使得整本书的理论框架既有国际视野，又不失本土特色。尤其是在探讨工业革命对传统手工艺冲击的那一章，作者没有采取批判或美化的单一视角，而是冷静地分析了机械化生产与手工精细化之间的张力，并探讨了两者如何相互渗透、最终形成新的艺术形态的过程。这种辩证的分析视角，对于我们理解当代设计语境下的“传统回归”现象非常有启发性。书中穿插的几篇关于材料科学的简短附录也十分专业，它解释了天然矿物颜料的制备过程及其对最终视觉效果的微妙影响，这对于深入研究艺术史的学者来说，是非常有价值的补充信息。

坦白讲，这本书的定价不菲，刚开始入手时还有些犹豫。然而，在通读了三分之二的内容之后，我完全理解了其定价背后的价值所在。它不仅仅是一本印刷品，更像是一份经过数十年田野调查和案头整理的精炼资料集。书中收录的许多纹样，据作者后记所言，有些是首次通过高精度摄影技术记录并公开展示的，很多是来自于偏远地区、鲜少被主流艺术界关注的民间珍品。这种“抢救式”的记录，本身就具有极高的文化抢救意义。我感受到了作者对保护和传承这份文化遗产的强烈使命感。翻阅全书，几乎感觉不到任何一处是凑数的或重复的，每一页都承载着厚重的信息量和艺术感染力。它超越了简单的图册范畴，成为了一部兼具审美享受、设计指导和历史考察价值的立体化著作。对于任何对视觉文化、传统工艺乃至民族审美有深入探究兴趣的人来说，这笔投入绝对是物超所值的。

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，初拿到手就被那沉甸甸的质感和封面烫金工艺所吸引。内页的纸张选择上乘，细腻光滑，即便是长期翻阅，也不会轻易出现磨损或泛黄的现象，这对于一本艺术类书籍来说至关重要。更值得称赞的是，书中对色彩的还原度极高，那些精美的图案和纹饰，无论是在复杂的背景中还是在特写镜头下，都保持着惊人的准确性与饱和度，这无疑为读者提供了最直观、最真实的视觉体验。排版布局也十分考究，每一幅作品都被赋予了足够的“呼吸空间”，既不会因为拥挤而显得杂乱，也不会因为过于疏松而显得单调，图文的配合恰到好处，让人在欣赏艺术的同时，也享受着阅读的愉悦。我特别喜欢它在章节过渡时采用的抽象几何色块设计，虽然没有文字说明，但却巧妙地预示了下一部分内容的基调，体现了编辑团队深厚的审美功底和对细节的执着追求。这本书本身就是一件值得收藏的艺术品，即便是放在书架上作为陈设，也能瞬间提升整个空间的格调。

这本书的实用性远远超出了我最初的预期。作为一名独立设计师，我常常为寻找新鲜的灵感源泉而感到困扰，而这本书简直就是一座取之不尽的宝库。它不满足于仅仅展示成品图，更难得的是，在一些关键的示范章节中，作者详细拆解了核心装饰元素的构成原理、色彩搭配的黄金比例以及不同笔触的运用技巧。尽管文字描述不多，但大量的分解图和步骤示意图（甚至是早期的草图残留痕迹）的加入，极大地弥补了纯文字教学的局限性。我尤其关注了其中关于“对称与非对称平衡”的应用案例，书中通过对不同形式的边框和中央主题的对比，清晰地展示了如何在保持整体和谐感的同时，注入动态的美感。我甚至已经开始尝试将书中提及的一些传统色彩组合应用到我目前正在进行的项目中，效果立竿见影。这本书的价值在于它提供了“方法论”而非仅仅是“成品集”，是那种真正能指导实践的工具书。