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出版者:人民文学出版社

作者:[法] 西尔维•德尔佩奇著

出品人:99读书人

页数:0

译者:吴冰

出版时间:2016-5

价格:38.00元

装帧:平装

isbn号码:9787020113668

丛书系列:

图书标签:

non
Picasso,Pablo
*北京·人民文学出版社*
***99***
【可信/不可信】
@译本
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毕加索
现代艺术
立体主义
绘画
艺术史
西班牙艺术
艺术家
传记
艺术作品
20世纪艺术

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具体描述

本书以有趣的贴纸游戏方式，引导孩子进入绘画大师的艺术世界。开篇介绍艺术大师的艺术风格及其在艺术史上地位，让孩子对大师作品特点有个大概的了解，并选择其最具代表性的部分作品供孩子欣赏，然后再将这些作品分割设计成若干小块的贴纸拼图，引导孩子拼贴复原大师作品。孩子们通过贴纸游戏，孩子们可以对大师名画进行复原，也可以对大师名画进行再创作，重新拼贴出属于自己的作品，从而在有趣的游戏中让孩子加深对大师艺术作品的了解、提高孩子的艺术感知力。

毕加索是个绘画天才，他4岁时的剪纸就能抓住并夸张周围人的特征，8岁时的油画就已相当惊人。他说：“我很小就能画得像拉斐尔一样，但我用一辈子时间向孩子学习。”他一生保持着超凡的创造力，留下作品近5万件，他先后经历了蓝色时期、玫瑰色时期、历史主义时期、新古典主义时期、超现实主义时期……20世纪美术史上各个重大流派几乎都被他预见性地尝试着。毕加索究竟是怎样一个人？他一语道破了自己：“重要的不在于一个艺术家做了什么，而在于他是什么人。”

塞尚的遗产与现代视角的碰撞：一部关于“形体”的深度探究书名：形塑的界限：从印象派的消融到立体主义的重构作者：埃利亚斯·凡尔纳出版日期：2024年秋季页数：680页（含大量高清图版及艺术史文献节选） --- 本书简介《形塑的界限》并非一部聚焦于某位特定艺术巨匠的传记，而是一部雄心勃勃的艺术史论著，旨在剖析十九世纪末至二十世纪初，西方视觉艺术领域内，关于“形体”（Form）这一核心概念的深刻演变与哲学转向。本书以一种宏大而又细腻的笔触，追溯了从传统透视体系的瓦解，到诸如后印象派、野兽派等先驱运动如何为二十世纪的艺术革命奠定基础的过程。第一部分：光影的悖论与物质的觉醒（1870-1900）本书的开篇，将艺术史的焦点从对外部光影的瞬间捕捉，转向对物体内在结构和情感承载力的探寻。我们深入考察了塞尚晚期对“圆柱体、球体、圆锥体”的执着，以及他如何试图以几何的严谨性来对抗印象派的瞬时感。凡尔纳认为，塞尚的努力不仅仅是风格上的探索，更是一场关于“视觉真实性”的哲学辩论——即，一幅画作的真实性，是否应该建立在经验观察之上，还是应该服从于艺术家对结构稳定性的内部建构需求。我们详尽分析了塞尚如何通过多重视角的并置，初步打破了文艺复兴以来占主导地位的单点透视法。这一章着重于他晚期对静物画和圣维克多山的反复描绘，揭示了色彩如何被用作构建体积和深度的独立元素，而非仅仅是描绘光照的工具。第二部分：原始的呼唤与精神的回归（1900-1907）进入新世纪，艺术家的目光开始转向欧洲以外的文化——非洲部落艺术、大洋洲面具，以及早期凯尔特艺术的粗犷力量。本部分探讨了这种“原始主义”（Primitivism）的浪潮，它并非简单的模仿，而是对西方文明过度理性和精致化的反叛。艺术家们渴望从这些被“文明”尚未完全侵蚀的艺术形态中，汲取更直接、更具生命力的表现力。本书着重分析了这种对非西方艺术的吸收如何影响了早期立体主义的萌芽阶段。我们认为，原始雕塑的平面化处理、对人体比例的象征性而非写实性描绘，为艺术家们提供了摆脱学院派束缚的有效路径。特别是对马蒂斯的早期探索（如《生命的喜悦》的草图阶段）和德兰（Derain）在科利尤尔（Collioure）时期的色彩爆发，被视为从对光线的忠诚转向对内在情感和形式纯粹性的回归。第三部分：视角的分解与时空的多维性（1907-1914）本书的核心篇章，聚焦于立体主义革命的爆发及其对传统再现方式的颠覆。凡尔纳提出，立体主义（尤其是在其分析和综合阶段）并非仅仅是一种“绘画风格”，而是一种新的“认知模式”在二维平面上的实现。 “分析立体主义”部分，深入剖析了艺术家如何将物体分解成无数细小的、多角度的几何切片，并将其重新组合在画面上。这使得观者不再是被动地接收一个固定的景象，而必须主动参与到图像的“重建”过程中。我们详尽考察了这一时期作品中高度晦涩的色调，论证了这种去色彩化的目的：是为了将观众的注意力完全集中于“结构”和“空间关系”的智力挑战上，而非被色彩的感性所分心。随后的“综合立体主义”部分，探讨了拼贴（Collage）和拼贴画（Papier Collé）的出现如何彻底改变了艺术的物质基础。通过引入报纸、壁纸等日常材料，艺术家不仅在视觉上打破了“幻觉空间”，更在本体论上质疑了“艺术品”的纯粹性。本书强调，拼贴的引入，是首次将外部的、不可分割的现实碎片，合法地引入到艺术的构图中，预示着后世达达主义和观念艺术的出现。第四部分：超越框架：结构美学在其他领域的渗透在立体主义的结构性探索达到顶峰后，本书的视野进一步拓宽，考察了这种对形式、结构和多维视角的关注如何影响了同期其他艺术流派以及更广阔的文化领域。我们考察了二十世纪初的建筑设计如何受到对简洁几何形体的偏爱，以及“功能主义”思潮中对结构清晰度的追求。在文学领域，我们对比了意识流叙事中对时间与记忆多重交织的尝试，与立体主义视觉上对同一对象不同时间点的并置，论证了这是一个跨媒介的、对单一线性叙事结构的集体反抗。结语：从“看”到“知” 《形塑的界限》最终结论是，十九世纪末的艺术革命，本质上是一场从“观看经验”（Seeing）向“认知理解”（Knowing）的艰难过渡。艺术家们不再满足于记录他们“眼睛”所见的表象，而是致力于表达他们“头脑”所理解的对象的复杂性、内在结构以及它们在空间中的多重可能性。本书通过详尽的文献考证、深入的图像分析，并结合艺术哲学的基础理论，为读者提供了一把钥匙，用以理解那段充满暴力美学和智力激情的岁月，如何从根本上重塑了我们感知和表达世界的方式。它将带领读者穿越迷雾，直达现代艺术语言诞生的核心驱动力。 --- 读者对象：艺术史专业学生、现当代艺术爱好者、对视觉哲学与结构理论感兴趣的跨学科研究者。特别收录：附录包含瓦莱里、洛特、阿波利奈尔等关键评论家的早期论述节选（中英对照）。