水彩的诀窍

出版者:中国水利水电出版社

作者:[美] Terry Harrison

页数:192

译者:姜晓林

出版时间:2016-11-1

价格:69.00元

装帧:平装

isbn号码:9787517047506

具体描述

想要成为水彩风景牛人，不必四处寻书、到处求教，这本书会帮你解决各个阶段的绘画问题，让你知道风景大师是怎样炼成的！

1、了解色彩的特性和画笔的运法，让你提笔就画不必瞻前顾后！

2、纸板、磁卡等样样都是宝，不用画笔也能创造出惟妙惟肖的风景！

3、照片是绘画创作好帮手，让你不再与灵感失之交臂！

4、风景写生干扰元素太多？教你用减法公式去作画！

5、偷偷告诉你，用“影灰色”画投影绝配！（“影灰色”是作者独创调色法，书中有教哦。）

让你打开美术国际视野，改变老旧的绘画方法和思路，不局限于枯燥的技法学习，学画画就能事半功倍！

作者简介

泰瑞·哈里森（Terry Harrison），现居英国科兹沃尔德，少年时受到一位杰出的美术老师影响，立志学习绘画，16岁考入法纳姆美术学校，1984年成为专职画家。哈里森长年致力于水彩画的创作和教学工作，在教授大众绘画课程的同时，研发了一系列适用于水彩画的画笔和颜料。他编撰的绘画技法书籍畅销海外，深受水彩爱好者的追捧和喜爱。

目录信息

前言3
绘画材料6
颜料6
画笔6
画纸6
其他材料7
树木水彩画8
我的调色板10
树叶和草10
秋天的颜色11
阴影的颜色11
照片的运用12
结合多张照片13
技巧14
画笔的用法14
不同的效果16
塑料卡片的使用16
海绵的使用16
留白液的使用17
纸板的使用19
树干和树枝的画法20
树叶的画法21
（案例）简单的树22
天空的画法22
湿画法22
没有树干24
简单的树的画法25
浓密的树叶26
先画树叶27
春天的树28
夏天的树29
秋天的树30
冬天的树31
冬天里爬满常春藤的树32
冬天的灌木林33
（案例）进阶34
快速画柏树34
随意的云杉35
孤独的松树36
哭泣的柳树37
受欢迎的白杨38
简单的棕榈树38
完美的棕榈树39
鲜花盛开的苹果树40
橡树42
白桦树44
七叶树46
橄榄树48
花卉水彩画50
我的调色板52
我常用的颜色52
实用的混色53
关于调色板的说明53
冷色系54
暖色系55
照片的使用56
技法58
画笔的使用58
其他技法61
（案例）去除留白液62
（案例）玫瑰门庭68
（案例）花溪74
（案例）农庄罂粟花80
（案例）风铃草树林86
山脉、山谷和溪流水彩画92
我的调色板94
实用的混色95
暖色系96
冷色系97
照片的使用98
技法100
画笔的使用100
平涂法102
塑料卡片刮擦法104
笔杆刮擦法105
留白液的用法106
纸板的使用108
（案例）天空的画法110
（案例）山脉的画法112
（案例）山谷的画法116
（案例）水的画法120
（案例）山间湖泊122
（案例）山谷景观130
（案例）磨坊小溪140
海洋和天空水彩画150
我的调色板152
实用的调色153
技法154
画笔的使用154
湿画法156
干画法157
吸色法158
留白液的用法159
（案例）海洋的画法160
平静的海面160
起伏的海面161
汹涌的波涛161
拍岸的惊涛162
海岸线163
色带164
天际线165
（案例）天空的画法166
晴朗的天空166
乌云密布的天空167
另一种多云的天空168
落日余晖169
（案例）倒影的画法170
（案例）其他元素172
岩石172
海滩172
沙丘173
峭壁173
灯塔174
船只175
（案例）拍岸惊涛176
（案例）海边小路180
（案例）海边落日186
索引192
· · · · · · (收起)

用户评价

《水彩的诀窍》，这本书，给我一种“回归本源”的感觉。我本以为会找到一些关于如何调出最鲜艳的颜料，或是如何画出最逼真的质感的“秘方”。然而，作者并没有急于展示他的“绝技”，而是花了很多时间，去讲述他对“自然”的敬畏，以及他对“光影”的理解。他并没有教你如何精确地模仿，而是引导你去感受，去体会，去捕捉那个瞬间的光影变化。我记得书中有一个章节，详细描述了作者如何观察一片落叶，如何感受它在阳光下呈现出的斑驳色彩和微妙纹理。这些细致入微的观察，让我不禁放下了画笔，走到窗边，也开始尝试着去“看”我平时司空见惯的景物。我发现，原来我一直以来，都只是在“看”而没有“观察”。这本书，像一位循循善诱的老师，让我学会了用一种全新的视角去审视世界。它还强调了“留白”的重要性，将其比喻成音乐中的休止符，是不可或缺的元素，能够让画面拥有呼吸的空间，也更能引发观者的联想。这个比喻让我茅塞顿开。我过去常常觉得留白是一种“偷懒”，是画面没画完的表现。但现在，我开始尝试着用留白来营造氛围，来引导视线，来表达一种宁静致远的感觉。这本书，让我明白，真正的“诀窍”，或许并不在于画得多像，而在于画出了多少“灵魂”。

《水彩的诀窍》，这本书，真的给我一种“惊喜”的感觉，而且不是那种立竿见影的“哇塞”效果，而是一种润物细无声的改变。我一开始拿到这本书，以为它会教我如何调出最鲜艳的蓝，如何画出最逼真的绿叶。但读着读着，我发现，它更多的是在谈论“观察”这件事。作者花了大量的篇幅，去描绘他如何观察一朵花，如何捕捉光线在水珠上的反射，如何感受风吹过树叶的声音。这些描述，让我不禁停下笔，走到窗边，也开始尝试着去“看”我平时司空见惯的景象。我发现，原来我平时看得太“快”了，太“表面”了。这本书，就像一个温柔的提醒者，让我放慢脚步，去发现生活中那些被我忽略的美好细节。书中有一个关于“晕染”的论述，作者将其描述成水彩的“灵魂”。他并没有教你具体的晕染技巧，而是让你去感受水和颜料在纸上融合的那种“不可控”的美。这让我明白，很多时候，我们追求的完美，反而会扼杀艺术的生命力。我开始尝试着让颜色更自由地流动，让笔触更加随性。虽然我的画依然不够“专业”，但我却从中获得了一种前所未有的自由感。这本书，与其说是教我绘画技巧，不如说是教我如何“看”世界，如何“感受”世界。它让我明白，真正的诀窍，或许并不在于画得多像，而在于画出了多少“感觉”。

这本书，怎么说呢，它给我一种“禅意”的感觉。初拿到《水彩的诀窍》，我以为会看到一些非常具体、可操作的技法讲解，比如如何调出“高级灰”，如何画出丝绸的质感。但读着读着，我发现它更像是在引导我进入一种“心流”状态。作者反复强调“慢下来”和“感受”。他并没有给出明确的步骤，而是通过一些诗意的语言，描绘他创作时的心境和对自然的感悟。我记得书中有一个关于“空”的论述，作者将其比喻成水彩画中的留白，是重要的组成部分，能够让画面拥有呼吸的空间，也能引发观者的想象。这个观点，对我来说，绝对是颠覆性的。我过去画画，总想着要把画面填满，把细节画到极致，生怕留下任何“空隙”。但这本书，让我开始重新审视“空”的价值。它让我明白，有时候，少即是多。我开始尝试着在我的画中，刻意地留下一些空白，让观者有更多的思考和联想的空间。这本书，并非一本“速成教程”，而更像是一本“心法秘籍”。它教我如何与水彩对话，如何与自然对话，如何与自己的内心对话。我还没有完全掌握其中的“诀窍”，但我已经能感受到，我的创作，正在朝着一种更加从容、更加有深度的方向发展。

这本书，怎么形容呢？它更像是一位智者，并非直接给你答案，而是通过提问，引导你走向自己的答案。初读《水彩的诀窍》，我确实希望能找到一些具体的“诀窍”——比如如何调出某个颜色，如何绘制某个物体。但随着阅读的深入，我发现这本书的重点，并非在于“如何做”，而在于“为何做”以及“如何感受”。作者在书中反复探讨了“意境”的营造。他并没有教你如何画出逼真的水果，而是引导你去思考，如何通过色彩的搭配，去传达水果的那种新鲜、饱满、或是带点成熟的韵味。我尤其喜欢书中关于“情绪色彩”的讨论。作者举了很多例子，说明同一个景物，用不同的色彩去表现，所传递出的情绪是完全不同的。这让我开始反思自己过去绘画的局限性。我往往只关注物体的形和色，而忽略了色彩背后所蕴含的情感力量。这本书，让我开始尝试着在我的画作中注入更多个人的情感。我不再只是客观地描绘，而是试图通过色彩，去表达我的喜悦，我的忧伤，我的思考。虽然这对我来说是一个巨大的挑战，但我从中获得了一种全新的创作体验。它让我明白，水彩的“诀窍”，或许就在于将个人的情感，通过色彩，淋漓尽致地表达出来，让观者能够与之产生共鸣。

《水彩的诀窍》这本书，给我带来的最深刻印象，便是其对于“过程”的强调。我原以为这是一本能够直接教授我如何快速画出精美水彩画的“秘籍”，但读下来才发现，它的核心在于引导读者去理解并享受水彩创作的整个过程。作者并没有直接给出“照着这个做就能画好”的模板，而是通过一些看似琐碎的描述，一点点地揭示水彩的独特魅力。例如，书中对不同纸张的吸水性、不同颜料在湿润度和扩散性上的细微差异的讲解，就足以让人花费大量时间去一一试验和体会。我记得书中有一个章节，详细描述了如何通过“等待”来让颜色自然晕染，形成意想不到的效果。这让我恍然大悟，原来在水彩的世界里，急躁是最大的敌人。很多时候，我过去画画的习惯就是太想快速完成，忽略了颜料和水相互作用时发生的奇妙变化。这本书教会我，要学会放慢脚步，去观察，去感受，去倾听水彩在纸上“呼吸”的声音。它还提到了在调色时，不要害怕“弄脏”颜料，有时候，意外的灰调和暗部，反而是作品灵魂所在。这些观点，对于我这样习惯于追求“干净”和“鲜艳”的初学者来说，无疑是一种颠覆。我开始尝试着不那么小心翼翼，让色彩之间有更多交融和碰撞。虽然我的画技并未因此突飞猛进，但我的创作心态却发生了巨大的改变，更加从容，也更加享受。

这本书，怎么说呢，让我有点百感交集。初拿到《水彩的诀窍》，被它那诗意的名字所吸引，脑海里勾勒出一幅幅色彩斑斓的画面，想象着翻开书页，就能瞬间掌握那些令人惊叹的水彩技法。然而，实际阅读体验却是一场意料之外的旅程。我尤其欣赏作者在处理光影方面所下的功夫，那些细腻的笔触，如何将阳光穿透树叶的斑驳，或是月光洒在静谧湖面上的柔美，都描绘得栩栩如生。有时候，我会反复翻看某个插图，试图从那些颜色的堆叠和晕染中，解读出作者的“秘密”。但渐渐地，我发现这本书似乎更侧重于某种“意境”的营造，而非单纯的技巧罗列。它像是一位饱经风霜的艺术家，在用最朴素的语言，讲述着他对色彩、对生命的感悟。书中穿插的一些人生哲理，虽然与水彩本身关系不大，却意外地触动了我内心深处的情感。我开始思考，或许水彩的“诀窍”并不仅仅在于颜料的混合和笔触的运用，更在于观者内心的感受和表达。它教会我，艺术不仅仅是眼睛看到的，更是心灵感受到的。尽管我至今仍未完全领悟作者所提及的“诀窍”的全部含义，但这本书已经在我心中种下了一颗种子，让我开始用一种全新的视角去观察这个世界，去感受那些被忽略的美好。我喜欢书中那种淡淡的忧伤与宁静交织的氛围，仿佛在讲述一个关于时间流逝和生命轮回的故事。

《水彩的诀窍》，这本书，给我的感觉就像是在一次意想不到的“旅行”。我原本以为会是一次关于绘画技巧的“短途旅行”，结果却变成了一场关于“观察”和“感受”的“深度探索”。作者并没有直接教我如何画出逼真的花瓣，或是如何渲染出流畅的背景。而是花费了大量的篇幅，去描述他如何观察一滴水，如何感受风的流动，如何体会光影的变化。这些描述，让我不禁放下了手中的画笔，开始重新审视我周围的世界。我发现，我平时看得太“快”了，太“表面”了。这本书，像一个温柔的向导，引导我放慢脚步，去发现生活中那些被我忽略的美好细节。我记得书中有一个关于“色彩的温度”的讨论，作者用非常生动的语言，描绘了冷色调的宁静与忧伤，以及暖色调的活力与温暖。这让我开始重新思考，色彩不仅仅是物理上的颜色，更是情感的载体。我开始尝试着在我的画作中，有意识地运用色彩来表达我的情绪。虽然我的技法还不够成熟，但我却从中获得了一种前所未有的创作乐趣。它让我明白，水彩的“诀窍”，或许并不在于画得多像，而在于画出了多少“感觉”。

这本书，怎么说呢，它让我体验到了一种“惊喜”。但这种惊喜，并非是那种瞬间让你“哇塞”的技巧，而是那种在你反复品味后，才慢慢涌上心头的“顿悟”。初读《水彩的诀窍》，我确实抱着找到一些“干货”的心态，希望能学到一些能让我的画立刻提升一个档次的技巧。然而，作者并没有直接给出“秘籍”，而是通过一些看似零散的思考和感悟，一点点地渗透到读者的脑海里。我尤其欣赏书中关于“耐心”的论述。作者反复强调，水彩的魅力在于它“不可逆”的过程，在于颜料和水相互作用时发生的“偶然”的美。这让我意识到，我过去在绘画中过于追求“完美”和“控制”，反而扼杀了水彩的生命力。我开始尝试着不再那么“纠结”，让颜色有更多的自由度去晕染和渗透。虽然我还没有完全掌握这种“随性”的心态，但我的创作过程，已经变得更加轻松和愉快。这本书，与其说是一本绘画教程，不如说是一本关于“生活态度”的启示录。它教我如何去观察，如何去感受，如何去拥抱生活中的不完美，并从中发现美。

《水彩的诀窍》，这本书，给我的感觉就像是在探索一个古老的宝藏。我本以为会找到一些关于颜料、笔触、调色的“公式”，但实际上，它更像是在讲述一种“哲学”。作者并没有直接告诉你，你需要用多少水，多少颜料，来画出一片叶子。而是让你去感受，去体会，去理解水彩与纸张、与空气、与你自己的内心之间的互动。书中有一个章节，探讨了“偶然性”在水彩中的作用。作者将一些不经意的晕染，视为是水彩的“魔法”，是艺术家与大自然共同创作的结果。这让我一度非常困惑，因为我一直追求的是精准和可控。但通过反复阅读，我渐渐理解了作者的意图。他并非鼓励我们放弃技巧，而是希望我们能够拥抱水彩的“不确定性”，并从中发现意想不到的美。我开始尝试着不再那么“小心翼翼”，让颜料在纸上自由地流淌，去看看会发生什么。虽然我还没有完全掌握这种“拥抱不确定性”的心态，但这本书无疑为我打开了一个新的视角。它让我明白，艺术创作并非是一场严格的“考试”，而是一次充满惊喜的“冒险”。它还强调了“留白”的重要性，将其视为画面“呼吸”的空间，这对我过去总是填满画面的习惯，是一种极大的启发。

我最近刚刚读完《水彩的诀窍》，这本书，嗯，怎么说呢，它就像一个经验丰富的老友，在你迷茫的时候，并非直接给你答案，而是递上一杯热茶，与你促膝长谈。作者在书中反复强调的一个概念是“情绪与色彩的连接”。我以前画画，总想着如何精准地描绘物体，如何让色彩的饱和度达到最佳。但这本书让我意识到，水彩的魅力远不止于此。它更像是一种情绪的载体，通过不同的色彩搭配和笔触，能够传递出画者内心最真实的情感。书中有一个章节，探讨了如何用冷色调表达孤独，如何用暖色调唤起温暖。这让我开始重新审视自己的作品，发现很多时候，我并非在画景物，而是在画一种感觉。我记得书中有一个关于“留白”的论述，作者将其比喻成音乐中的休止符，是不可或缺的元素，能够让画面拥有呼吸的空间，也更能引发观者的联想。这个比喻让我茅塞顿开。我过去常常觉得留白是一种“偷懒”，是画面没画完的表现。但现在，我开始尝试着用留白来营造氛围，来引导视线，来表达一种宁静致远的感觉。这本书并没有提供大量的“教程”式的步骤，更多的是一种“启发”和“引导”。它鼓励我去探索，去尝试，去犯错误，并从中学习。这让我感觉，与其说我在学画画，不如说我在进行一场与自己内心的对话。

一本极好的自学水彩风景画的教材。书中详细介绍了各种绘画材料和技法，并且提供了许多精妙的风景画范例。我运用书中讲解的技法，临摹了一幅《朦胧的峡谷》，很开心。

感觉是一本大触想教新手怎么偷懒，但新手并没有能偷懒的手的书……

书非常的不错，教了很多技法，也讲解了很多的知识，非常棒的一本书！当然也种了不少的草～

翻了一遍，但没照着练习，细节太多太多了。但通过作者对于树、花草、山、海天等进行总结性的提炼，一边翻下来有个大致的印象。附原照片对于构图设计也能学到不少。 本书的内页示范图步骤很详细、具体到了放大描绘的细节部分图片，强调步骤的特点。 在看到倒数几个画面的时候我突然领悟到、画这么一张充满细节的作品，与其跟着步骤一步步往下探索。不如先看成品画面、脑内思考还原一下作者的步骤，在跟着作者的步骤深入学习。加入自己的思考后、再去看作者的步骤相信会留下更深刻的印象。

完整的例子大概只有五六个，100多页十分短小精悍。不过分解后感觉事情变得十分简单--用棕蓝混色铺一些底色，然后修改混色比例，多渲染几次让需要的地方变得斑驳。用更深的棕蓝混色画阴影。铁锈的画法，草丛的画法，用卡片、笔头刮出芦苇等等。