作曲与分析

出版者:上海音乐出版社

作者:贾达群

页数:0

出版时间:2016-12-1

价格:CNY 118.00

装帧:平装

isbn号码:9787552312782

用户评价

我不得不说，《作曲与分析》这本书的视角非常独特，它并没有将作曲和分析割裂开来，而是巧妙地将两者融为一体，强调了分析对于作曲的重要性。作者认为，只有深刻理解了经典作品的结构和创作手法，才能更好地指导自己的创作。这一点我深有体会，我之前也尝试过自己写一些旋律，但总是觉得缺乏生命力，听起来像是东拼西凑的片段。看了这本书，我才明白，很多时候不是我们没有灵感，而是我们没有掌握分析的方法，没有从大师的作品中汲取养分。书中对不同时期、不同风格的作品分析得非常透彻，从巴洛克时期的复调织体，到古典时期的奏鸣曲式，再到浪漫主义时期的主题发展，作者都一一进行了梳理和讲解。我尤其对书中关于“曲式结构”的讲解印象深刻，详细阐述了什么是呈示部、展开部、再现部，以及它们在整个作品中所扮演的角色。通过对比不同作曲家对同一曲式的处理方式，我得以窥见作曲家们在遵循规则的同时，如何注入自己的个性。读这本书，就像是在与一位资深的音乐史学家和作曲家对话，每一次翻页，都能获得新的启发。它不仅仅是一本技术手册，更是一本关于如何“思考”音乐的书。

《作曲与分析》这本书给我最大的感受是，它打破了我对“作曲”的固有印象。我曾经以为作曲是一件极其神秘的事情，只有天赋异禀的少数人才能做到。但这本书告诉我，作曲更是一门需要学习、需要实践的技艺，并且有其内在的规律和方法。作者在书中详细介绍了“旋律创作”的各种技巧，比如如何运用音程关系、旋律曲线、节奏变化来塑造一个富有感染力的旋律。他不仅仅是列举了技巧，更重要的是，他通过分析许多耳熟能详的旋律，如《欢乐颂》、《摇篮曲》等，让我们看到这些技巧是如何在实际创作中发挥作用的。我特别喜欢书中关于“主题的连续性”的讨论，以及如何通过“模进”和“变奏”来保持旋律的吸引力。这本书让我明白，好的旋律并非是凭空出现的，而是经过精心的构思和打磨。它也鼓励我去尝试创作，即使是简单的几句旋律，只要运用得当，也能表达出丰富的情感。这本书让我对自己的创作潜力有了新的认识，也更加期待去探索音乐创作的无限可能。

《作曲与分析》这本书不仅仅是关于音乐的“技法”，更是关于音乐的“情感”。作者在书中花了大量篇幅探讨“音乐如何表达情感”，以及作曲家如何通过运用不同的音乐元素来传递情绪。他不仅仅是罗列了各种情感的音乐表现手法，而是通过分析一些著名乐曲，如肖邦的夜曲、柴可夫斯基的芭蕾舞剧音乐等，让我们看到作曲家是如何将内心的情感转化为动人的旋律和和声的。我尤其对书中关于“速度与情绪”的讨论印象深刻，作者解释了为什么慢速的音乐通常会让人感到忧伤或宁静，而快速的音乐则可能带来激动或欢乐。这本书让我更加关注音乐中的“表情”，也让我能够更深入地理解作曲家想要通过音乐表达的思想和情感。

我一直对音乐的“形式”感到好奇，为什么一首曲子会有“快板”、“慢板”，会有“赋格”、“奏鸣曲”这样的结构。这本书《作曲与分析》恰好解答了我多年的疑惑。作者以非常清晰的逻辑，介绍了音乐的各种“曲式”，从简单的二部曲式、三部曲式，到更复杂的奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等。他对每一种曲式的特点、结构和功能都进行了详细的阐述，并且都配有大量的音乐实例。我最欣赏的是书中对于“奏鸣曲式”的讲解，作者详细分析了呈示部、展开部、再现部各自的特点，以及主题之间如何发展和对比。通过阅读这些分析，我仿佛能看到音乐在进行中的“骨架”，理解作曲家是如何组织材料，构建出宏大的音乐篇章的。这本书让我从一个只能“听”音乐的听众，变成了一个能够“读”懂音乐的读者。它就像一本音乐的“说明书”，让我能够更深入地理解音乐作品的内在逻辑和艺术魅力。

这本书的语言风格非常亲切，让我感觉像是和一个多年的老友在交流音乐。作者并没有使用过于学术化的语言，而是用一种平实易懂的方式，将复杂的音乐理论化繁为简。即使是对音乐理论知之甚少的我，也能轻松地跟上作者的思路。我最喜欢的部分是书中关于“配器”的章节，作者详细介绍了不同乐器的音色特点、演奏技巧，以及它们在乐队中的组合方式。他通过分析一些经典的交响乐片段，如贝多芬的《第五交响曲》和德沃夏克的《新世界交响曲》，生动地展现了配器如何影响音乐的色彩和情感。我过去对乐器了解不多，只知道小提琴、钢琴、大提琴这些，但这本书让我认识了更多种类的乐器，比如圆号、双簧管、巴松管等等，以及它们各自独特的魅力。作者还强调了配器中的“平衡”和“层次”的重要性，如何让不同的声部既能独立存在，又能和谐地融为一体。读完这一章，我仿佛能够“听见”不同乐器的声音，并在脑海中构建出丰富的音响画面。这本书让我对音乐的感知更加立体，也更加享受听音乐的过程。

《作曲与分析》这本书的书写方式非常吸引人，它不像一般的音乐理论书籍那样枯燥乏味，而是充满了生动的故事和鲜活的例子。作者在讲解“节奏”的时候，不仅仅是告诉我们什么是切分音、什么是附点音符，而是通过分析一些非洲鼓乐、爵士乐以及不同民族音乐中的节奏特点，让我们感受到节奏的丰富性和多样性。他甚至还讨论了节奏与情感之间的关系，比如欢快的音乐通常使用活泼的节奏，而忧伤的音乐则可能使用舒缓的节奏。我最喜欢的部分是书中关于“节奏型”的讨论，作者分析了不同作曲家如何将一个简单的节奏型，通过变形、重组等方式，贯穿于整个作品之中，形成一种内在的统一性。这本书让我对节奏有了全新的认识，也让我更加重视自己在音乐创作中对节奏的处理。

这本《作曲与分析》真是出乎我的意料，我原本以为会是一本枯燥的理论书籍，充斥着各种晦涩难懂的术语和复杂的图表，但事实证明我错了。作者的笔触非常生动，仿佛一位经验丰富的作曲家在娓娓道来他的创作心路历程。书中对于和声、旋律、节奏等基本要素的阐述，并非是干巴巴的定义，而是通过大量的音乐实例，结合实际的作曲技巧，循序渐进地引导读者去理解。我尤其喜欢其中关于“动机发展”的部分，作者不仅仅列举了巴赫和莫扎特的天才之处，还深入剖析了他们如何将一个微小的音乐动机，通过变奏、模仿、移位等手法，延展成宏大的乐章。这让我对音乐的结构有了全新的认识，原来那些听起来浑然天成的乐曲，背后竟有如此精妙的设计。更让我惊喜的是，书中还涉及了一些现代作曲技法，比如序列音乐和十二音技法，并且以一种相对易懂的方式进行解释，虽然我不是专业音乐人，但也能从中窥见音乐发展的脉络。这本书不仅仅是写给作曲家看的，更是写给所有热爱音乐、想要深入了解音乐的人。它让我从一个被动的听众，变成了一个能够主动去聆听、去品味、去理解的“有心人”。那种发现音乐中隐藏的奥秘的乐趣，是任何其他形式的娱乐都无法比拟的。我迫不及待地想将书中的一些技巧运用到自己的创作中，即使只是简单的旋律，也能因为有了这些理论的支持，变得更加有深度和表现力。

我一直认为“对位法”是一个非常高深的音乐技法，是作曲家才能掌握的“绝技”。但是，《作曲与分析》这本书却以一种非常易懂的方式，将对位法的奥秘展现在我的面前。作者从最简单的平行四度、平行五度讲起，然后逐步深入到卡农、赋格等复杂的对位形式。他通过分析巴赫的《平均律钢琴曲集》和《音乐的奉献》等经典作品，让我们看到对位法是如何构建出精妙的音乐织体的。我尤其对书中关于“模仿”的讲解印象深刻，作者解释了如何通过模仿主旋律来创造出丰富而又统一的音乐。读完这一章，我仿佛能够“听到”音乐中的各个声部是如何相互交织、相互呼应的，那种精密的逻辑和严谨的结构，让我叹为观止。这本书让我对音乐的“复调”有了更深的理解，也更加欣赏巴赫在对位法上的非凡造诣。

这本书给我最大的惊喜在于，它不仅仅局限于古典音乐的分析，还触及了一些现代音乐的概念。作者对于“和声”的讲解，从最基础的音程、和弦，一直讲到复杂的转调、离调，再到一些现代的和声进行方式，都进行了深入浅出的介绍。我尤其喜欢书中关于“色彩和声”的部分，作者解释了如何通过运用不协和音程、增减和弦等来丰富音乐的色彩，创造出更具表现力的和声。他通过分析德彪西、拉威尔等印象派作曲家的作品，让我们看到和声是如何成为表达情感和描绘意境的重要手段的。读完这一章节，我感觉自己对和声的理解上了一个新的台阶，过去那些听起来“怪怪的”和声，现在我能从中找到其存在的理由和艺术价值。这本书让我意识到，音乐的创作是不断发展和创新的，它也鼓励我去拥抱新的音乐语言和可能性。

我特别喜欢这本书中关于“音乐的即兴”的讨论。在我看来，即兴创作是作曲的最高境界之一，是作曲家将瞬间的灵感转化为音乐的艺术。作者在书中详细介绍了不同风格的即兴创作，从巴洛克时期的数字低音即兴，到爵士乐的即兴演奏，再到一些现代音乐的即兴手法。他通过分析一些即兴作品的片段，让我们看到即兴创作并非是随意而为，而是建立在深厚的音乐理论和技巧基础之上的。我最欣赏的是书中关于“旋律即兴”的讲解，作者不仅提供了很多实用的即兴技巧，还鼓励读者通过不断的练习来提升自己的即兴能力。读完这一章，我感觉自己对即兴创作有了更清晰的认识，也激发了我尝试即兴创作的兴趣。这本书让我相信，即使不是顶级的音乐家，也能通过学习和实践，掌握一些即兴的技巧，为自己的音乐创作增添更多色彩。

非专业的别浪费时间了

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几十块钱买了一本大书，没啥新东西，聊胜于无

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织体，结构。