Tommy Dorsey

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出版者:Perseus Books Group
作者:Levinson, Peter J.
出品人:
页数:354
译者:
出版时间:
价格:27.5
装帧:HRD
isbn号码:9780306811111
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 摇摆乐
  • 乐队领队
  • 小号手
  • 音乐家
  • 20世纪音乐
  • 美国音乐
  • 经典爵士
  • Tommy Dorsey
  • 音乐史
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具体描述

爵士时代的回响:一部聚焦二十世纪中叶美国音乐图景的史诗 本书并未触及汤米·多尔西(Tommy Dorsey)的音乐生涯或任何与其直接相关的内容。 本书是一部跨越时空的音乐社会学研究,深入剖析了二十世纪三四十年代美国音乐景观的复杂肌理、社会动荡背景下的文化转型,以及流行音乐如何成为时代精神的载体和反射镜。 这部作品以严谨的学术态度和生动的叙事笔触,构建了一个宏大而细腻的叙事框架。它不是一部名人传记,也不是一部流派史的简单罗列,而是一幅由无数社会、经济、技术和艺术元素交织而成的,关于“美国声音”如何被塑造与定义的全景图。 第一部分:失落的一代与收音机的崛起 本书伊始,我们将时间回溯到大萧条的阴影尚未完全散去,二战的硝烟即将燃起的年代。 1920年代末兴起的录音技术革命,如同按下了一个文化加速器,使得音乐的传播速度和覆盖范围达到了前所未有的程度。然而,这种普及性也带来了深刻的文化焦虑。 我们详细考察了美国中西部和南部乡村音乐(Country Music)在地方电台中的早期萌芽。与当时主流的、城市化的“大乐队”文化形成鲜明对比的是,这些朴素的音乐形式,植根于工薪阶层和农业社区的日常挣扎、信仰与家庭观念。书中通过分析早期乡村音乐的歌词主题——失业、迁徙、铁路的意象——揭示了经济衰退对美国社会底层的心理冲击。我们利用未曾公开的早期电台节目单和听众来信,重构了这些音乐在听众生活中扮演的“情感避难所”的角色。 紧接着,本书深入探讨了收音机作为核心媒介的统治地位。在那个没有电视的时代,电波成为了连接全国不同文化孤岛的唯一桥梁。我们分析了联邦通信委员会(FCC)在音乐内容审查上的暧昧态度,以及广告商如何开始影响音乐的制作和推广方向。关键在于,音乐不再仅仅是表演艺术,它被嵌入到了商业运作的齿轮之中。我们对“一曲成名”(One-Hit Wonder)现象的早期形态进行了社会学考察,探讨了这种易逝性如何反映了听众注意力的碎片化趋势。 第二部分:城市节奏与技术革新下的舞蹈文化 本书的第二部分将焦点转向了城市中心——芝加哥、纽约和堪萨斯城——这些地方孕育了当时最前卫的音乐形式。这里的核心议题是“节奏的进化”。我们细致地追踪了受非洲裔美国人音乐传统深刻影响的爵士乐(Jazz)是如何从早期的迪克西兰风格(Dixieland)演变为更具结构化和复杂性的摇摆乐(Swing)前夜的过渡状态。 我们拒绝将这一时期的音乐视为单一的“摇摆时代”,而是将其视为一场关于即兴创作(Improvisation)与编排(Arrangement)之间张力的实验场。书中详细描绘了录音室技术(例如对麦克风位置的微调、混音平衡的初步尝试)如何改变了音乐家对音色的追求。我们引用了当时工程师的内部备忘录,揭示了技术限制如何意外地催生了新的艺术表达方式,例如刻意追求的“暖音”效果或对人声的“亲密感”处理。 一个重要的章节专门讨论了舞蹈厅文化和青年亚文化。舞蹈不再只是社交礼仪的展现,而是对既有社会规范的无声反抗。我们利用社会人类学的视角,分析了林迪舞(Lindy Hop)等新型舞蹈的爆发性普及,如何标志着种族融合的复杂开端——尽管这种融合往往发生在光线昏暗的舞池深处,而非公开的政治宣言中。 第三部分:音乐与战争经济:从娱乐到士气支撑 随着美国卷入第二次世界大战,音乐的社会功能发生了根本性的转变。本书的第三部分聚焦于“必需品”概念下的音乐生产。 我们研究了“原材料短缺”对音乐制作的具体影响。例如,1942-1944年的录音禁令(Recording Ban)如何迫使音乐家将精力转向现场演出和广播,从而加剧了对“现场体验”价值的重视。此外,铜、镍等关键金属的短缺,直接影响了唱片质量和厚度,也间接影响了唱片公司的市场策略。 我们对“爱国歌曲”的歌词进行了内容分析,揭示了这些作品如何巧妙地将个人情感叙事(思乡、等待爱人)与国家使命紧密结合。这些歌曲成为了连接前线士兵与后方家人的情感纽带。我们探讨了美国政府信息局(OWI)对音乐内容的非正式审查机制,以及音乐家如何在满足官方宣传需求的同时,努力保留一丝艺术的独立性。这部分内容通过对当时巡演日志的交叉比对,展现了音乐家们在战时巡演中的后勤挑战与精神压力。 结语:技术迭代与艺术的回响 全书的尾声将视野拉回到战后初期的技术转折点——微型唱片(45 RPM)和高保真(Hi-Fi)技术的出现。这些技术变革不仅改变了听众的消费习惯,更重要的是,它们为下一波音乐革命(如节奏布鲁斯和早期摇滚乐的孕育)准备了技术基础。 本书总结道,二十世纪中叶的美国音乐图景是一个充满矛盾的熔炉:它既是商业化最彻底的产物,也是草根文化最坚韧的表达。它在种族隔离的社会结构中找到了微妙的交汇点,并在技术革新的狂潮中不断重塑自身。它不是关于某一个伟大乐团的故事,而是关于数百万听众、无数技术工人、以及那些在收音机前等待黎明的普通美国人,共同谱写的一部宏大而无声的史诗。本书旨在揭示音乐作为社会记忆载体,其不可磨灭的历史价值。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这本书给我最大的感受是其强大的情感穿透力。作者仿佛是一位时间的摆渡人,将我们带回那个热情洋溢、节奏感十足的年代。他没有使用华丽空洞的辞藻,而是通过精确的场景描绘和对音乐家内心世界的细腻捕捉,构建了一个真实可感的艺术世界。我尤其被书中对那些在聚光灯下光芒万丈的演奏家们,在幕后的挣扎、对技艺的痴迷以及对完美音色的不懈追求所打动。这种对艺术“匠人精神”的刻画,超越了单纯的音乐范畴,触及了所有创造者都在面对的孤独与坚持。书中对“黄金时代”的怀旧情愫处理得非常高级,它既赞美了那个时代的辉煌,也毫不避讳地揭示了其背后的浮躁与短暂。阅读过程是一种沉浸式的体验,仿佛能闻到舞台地板上留下的汗水气味,听到那些因过度演奏而略显沙哑的嗓音。对于想了解那个时代爵士乐是如何从一种地方性娱乐,蜕变为具有全球影响力的文化现象的读者来说,这本书提供了极其丰富且富有温度的视角。

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我本以为这是一本严肃的音乐史著作,但读完后发现它更像是一本社会文化观察笔记。作者的笔触极其细腻,他没有将焦点仅仅放在音乐本身的技术层面,而是巧妙地将爵士乐的兴盛与二十世纪上半叶美国社会,尤其是经济大萧条和战后繁荣的脉络紧密地结合起来。他笔下的那个时代充满了矛盾和张力:一方面是追求极致的享乐主义和奢靡的夜生活,另一方面则是底层音乐家为了生存而进行的艰苦卓绝的艺术探索。书中对“摇摆”这种音乐形态的社会学解读非常到位,它如何成为大众逃避现实、寻求集体狂欢的出口,这一点让我深思。我特别欣赏作者对不同地域爵士乐风格流变的分析,比如从新奥尔良的蓝调根源,到芝加哥的快速发展,再到纽约的鼎盛,每一种迁移都伴随着人群、资本和思想的流动。文字行文流畅,虽然涉及理论分析,但绝不晦涩,反而充满了一种老派的叙事魅力,让人忍不住一页接一页地读下去,仿佛自己也置身于那些烟雾缭绕的舞厅之中,感受着每一个节拍带来的冲击与慰藉。

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这是一本关于时代精神的教科书,而非单纯的音乐传记。作者似乎在探讨一个核心问题:在高度工业化和大众媒体兴起的背景下,如何保持艺术的纯粹性和即兴精神?书中对乐团管理、商业运作与艺术追求之间永恒拉锯战的探讨,触及了艺术生产的本质困境。我特别关注到其中关于版权和录音技术对爵士乐发展影响的部分,作者的分析颇具洞察力,指出了技术进步在普及音乐的同时,也无意中固化了某些风格,限制了现场演出的自然演变。这本书的结构非常巧妙,它不以时间为唯一轴线,而是围绕几个核心的音乐概念——如即兴、对话、和声织体——来组织材料,这使得全书的逻辑层次非常清晰,即便是复杂的音乐现象也能被拆解得一目了然。它不是那种读完就束之高阁的书籍,反而会促使读者立刻去寻找那些被提及的经典录音,进行二次印证和体验。这种互动性,是它作为一本优秀乐评读物最宝贵的地方。

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这本关于爵士乐黄金时代的小册子,简直像一盒从阁楼里翻出来的老唱片,带着温暖的尘埃味和熟悉的旋律。我一直对那个年代的音乐家充满好奇,他们如何在那样一个变革的时代,用萨克斯风和铜管乐器描绘出光怪陆离的都市夜景。这本书没有陷入枯燥的年表叙述,反而非常巧妙地通过一些精彩的轶事串联起了一个个鲜活的人物群像。作者对Big Band的编曲结构有着非常独到的见解,他没有简单地罗列那些著名的曲目,而是深入挖掘了每一次音符的停顿、每一次铜管齐奏时的微妙张力是如何烘托出那种既奢华又略带忧郁的氛围的。特别是他对“摇摆乐”那种律动感的文字描绘,简直让我仿佛能听到现场乐队的呼吸声。书中的插图,那些黑白照片,定格的瞬间充满了戏剧张力,乐手们在舞台上挥汗如雨的激情,被镜头捕捉得淋漓尽致。我尤其喜欢其中关于乐队成员之间复杂人际关系的描述,那些音乐上的竞争与友谊交织在一起,才造就了那些不朽的杰作。这本书更像是一封写给那个逝去时代的深情情书,而不是一份严肃的学术报告,读起来酣畅淋漓,让人对那个充满活力的年代心生向往。

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这本书的排版和装帧实在称得上艺术品,拿到手里就有一种厚重感,但内容却出乎意料地轻盈且引人入胜。作者显然是一位深谙“讲故事”艺术的高手。他避开了许多音乐评论中常见的术语堆砌,而是采用了一种非常个人化、近乎口述史的叙事方式。读起来感觉就像是坐在一位资深乐迷的对面,听他娓娓道来那些尘封的秘闻和那些被时间冲刷得模糊的细节。我特别欣赏他对乐器音色的独特描述,比如如何用文字捕捉到长号的“温暖的呜咽”或是单簧管的“锐利的穿透力”。这种感官的调动能力极强,使得即使是对于不那么熟悉爵士乐结构的外行读者,也能直观地感受到音乐的魅力。书中对一些关键转折点的处理尤为精彩,比如某个乐队的突然解散,或者某位天才乐手早逝带来的音乐版图的重塑,这些情节的描写充满了宿命般的悲剧美感。它没有刻意拔高音乐家的地位,而是将他们置于时代洪流之中,展现出人性的复杂和艺术创造力的伟大,是一本非常耐人寻味的读物。

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