Writing Back to Modern Art

出版者:Routledge

作者:Jonathan Harris

页数:192

出版时间:2005-08-08

价格:USD 39.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415324298

具体描述

Here for the first time is a full-length study of the 'critical modernisms' of the three leading art writers of the second half of the twentieth century, which helps us build a better understanding of the development of modern art writing and its relation to the 'post-modern' in art and society since the 1970s. Focusing on canonical modern artists such as Manet, Cezanne, Picasso, and Pollock, this book provides the important understanding of writing and criticism in modern art for all students and scholars of art theory and art history. Mainstay issues discussed include aesthetic evaluation, subjectivity and meaning in art and art writing, and Harris examines key discourses and identifies points of significant overlap as well as sharp disjunction between these critics. Developing the notions of 'good' and 'bad' complexity in modernist criticism, "Writing Back to Modern Art" creates ways for us to think outside of these discourses of value and meaning and helps us to look at the place that art writing holds in the latter twentieth century and beyond.

用户评价

我本来以为这本书会过于关注绘画和雕塑，但让我惊喜的是，它对媒体艺术和装置艺术的探讨占据了相当大的篇幅，并且处理得非常深入老到。作者似乎对新媒介的特性有着敏锐的洞察力，他没有将这些新兴艺术形式简单地视为对传统艺术的颠覆或补充，而是认真分析了它们如何从根本上改变了“观看”和“体验”艺术的方式。在分析过程中，作者巧妙地引入了现象学和符号学的概念框架，使得对那些非物质性艺术品的解读不再是空中楼阁。特别是关于空间感知和时间流逝在装置艺术中的作用那几章，论述得极为精彩，我能清晰地想象出那些作品在特定环境下的现场效果。这本书的价值就在于，它能够将那些看似抽象、难以捉摸的新兴艺术形式，通过严谨的理论工具，梳理出清晰的逻辑线索，为我们理解二十世纪下半叶的艺术发展提供了坚实的理论支撑。

这本书的装帧设计真是太棒了，封面那种哑光处理的质感，搭配上抽象的色彩搭配，一下子就把我吸引住了。我原以为这会是一本枯燥的艺术理论读物，但翻开内页才发现，排版布局极其用心，文字和图片的穿插设计得非常流畅，阅读体验简直是一种享受。特别是那些高清的艺术作品插图，色彩还原度高，细节清晰可见，让我仿佛能透过纸面感受到艺术家的笔触和心境。作者在介绍艺术史脉络时，没有采用那种平铺直叙的教科书式写法，而是融入了大量的个人观察和细腻的描述，读起来丝毫不费力，反而像是在听一位资深策展人娓娓道来。这本书的视野也很开阔，它不仅仅局限于西方现代艺术的经典叙事，似乎还微妙地触及了一些非主流艺术流派的边缘声音，虽然不是重点，但这种包容性让人耳目一新。我尤其欣赏它在讨论某些争议性艺术品时的那种审慎和多角度的分析，避免了简单的好坏评判，而是引导读者进行更深层次的思考。对于一个刚开始接触现代艺术的门外汉来说，这本书无疑是一扇极佳的引导之门，它既有学术的深度，又不失亲和力，让人有兴趣一页一页地探索下去。

这本书最让我感到震撼的是其内在的批判精神和对“创新”定义的反思。作者似乎在不断地追问：现代艺术中的“进步”和“突破”究竟意味着什么？它是不是仅仅是形式上的翻新，还是真正在触及人类经验的更深层次？书中对某些被奉为圭臬的艺术运动提出了尖锐的质疑，这些质疑不是出于恶意，而是源于对艺术本体论的深切关怀。这种敢于挑战既定权威的勇气，使得全书充满了活力。阅读过程中，我感觉自己仿佛在参与一场思想上的辩论，作者不断抛出论据，邀请我去检验和反驳。这种动态的阅读体验，远胜于被动接受信息。它促使我走出舒适区，重新审视那些被过度美化或简化了的艺术概念。对于任何渴望真正理解现代艺术背后的驱动力，而非仅仅停留在表面符号鉴赏的人来说，这本书无疑是一份极具挑战性却又无比丰厚的思想馈赠。

坦白说，这本书的切入点相当新颖，它没有直接去解读那些耳熟能详的“名作”，反而专注于对现代艺术运动背后那些被忽略的“声音”进行挖掘和重构。作者似乎对传统艺术史叙事中的权力结构抱持着一种批判性的审视，这使得全书的论述充满了张力和思辨性。我感觉自己像是被带着走入了一个迷宫，每走一步，都有新的视角被打开。比如，书中对特定时期社会思潮与艺术表达之间相互作用的分析，非常精妙，它不仅仅是简单地将艺术作品视为社会背景的反映，而是探讨了艺术家如何在既定的社会框架内进行反抗或迂回的实践。这种层层剥茧的分析方式，让原本显得有些晦涩的艺术理论变得触手可及。尤其是当作者援引一些不太为人注意的文献资料和艺术家访谈时，那种“揭秘”的感觉非常强烈。这本书不提供标准答案，它更像是一个充满挑战性的对话，它要求读者主动参与到对“现代性”的理解和再定义中去。读完后，我发现自己看待那些经典作品的眼光都变得不一样了，多了一层对时代精神和潜在意识形态的警觉。

这本书的语言风格非常独特，有一种古典的韵味与现代的犀利感完美结合的味道。它不是那种冷冰冰的学术论文腔调，而是充满了强烈的个人色彩和文学性的表达，读起来有种沉浸式的体验。作者在构建论点时，擅长使用精巧的比喻和长句的排比结构，逻辑严密却又不失文学美感，这对于提升阅读的愉悦度实在太重要了。我发现自己经常需要停下来，反复品味某些句子，思考其中蕴含的多重含义。它在处理宏大叙事时，能够保持高度的专注力，而在描述具体艺术家的创作心路时，又能够展现出令人动容的共情。这种平衡掌握得极好，使得本书既能满足专业研究者的需求，也足够吸引非专业但有思考深度的读者。尤其是在探讨艺术的“本质”与“功用”时，作者的表达充满了哲思的光芒，让人不禁联想到二十世纪早期那些思想大家们的论述，但又紧密贴合当代语境。