A History of Asian American Theatre

出版者:Cambridge Univ Pr

作者:Lee, Esther Kim

页数:282

出版时间:2006-9

价格:$ 144.64

装帧:HRD

isbn号码:9780521850513

具体描述

In 1965, the first Asian American theatre company, the East West players, was founded by a group of actors who wanted to find better opportunities in the acting industry. Forty years later, Asian American theatre is one of the fastest-growing theatre sectors with over thirty active theatre companies and numerous award-winning artists such as Frank Chin, Jessica Hagedorn, Ping Chong, David Henry Hwang, Philip Kan Gotanda, Velina Hasu, and B. D. Wong. Based on over seventy interviews, this 2006 book surveys the history of Asian American theatre from 1965 to 2005 with focus on actors, playwrights, companies, audiences, and communities. Emphasizing historical contexts, Esther Kim Lee examines how issues of cultural nationalism, interculturalism, and identity politics affect a racially defined theatre. Addressing issues ranging from actor's activism to Asian Diaspora, the book documents how Asian American theatre has become an indispensable part of American culture.

用户评价

这本书的阅读体验非常具有穿透力，它没有采用那种平铺直叙的编年史写法，反而更像是一系列精心设计的、互相映照的文化碎片组合而成的一面棱镜。我感觉作者是一位极富洞察力的策展人，他将不同年代、不同族裔背景的戏剧实践巧妙地并置在一起，让那些看似孤立的艺术表达，在交叉对比中爆发出新的意义。行文间那种克制而又充满情感的笔触，尤其触动我。它没有过度渲染苦难，而是专注于艺术形式本身如何成为抵抗和传承的载体。书中对舞台设计、灯光运用等技术层面的讨论，虽然是严肃的学术分析，但行文的节奏感极强，仿佛能感受到剧场内那种强烈的舞台电流。特别是一处关于“缺席与在场”的论述，深刻地揭示了在主流话语权中，亚裔身份如何在被忽视的同时又以更具颠覆性的方式存在于舞台空间。这种对“如何被观看”和“如何观看自身”的探讨，超越了单纯的族裔议题，触及了所有边缘化群体在艺术表达中的困境与策略。这本书读起来，既是知识的累积，更是一种审美上的震撼。

坦率地说，我原本以为这会是一本沉闷的、充满术语的学术专著，但这本书的结构设计彻底颠覆了我的预期。它更像是一部精心编排的文献剧，充满了戏剧性的转折和清晰的论点冲突。作者在每一章节的过渡处理得非常自然流畅，总能将前一个案例的研究发现，巧妙地引向下一个更深层次的问题。我特别留意到作者对“媒介转换”的分析，即亚裔戏剧如何从舞台走向电影、电视，以及这种转换过程中，哪些核心的艺术特质被保留，哪些又因迎合市场而被稀释。这种对艺术生命力在不同载体中的演变过程的追踪，极具启发性。书中对那些“失落的剧本”和“未被记录的表演”的追溯工作，更体现了研究者的匠人精神，仿佛在抢救被时间遗忘的文化记忆。这种对“不可见历史”的挖掘，赋予了这部作品强烈的历史责任感。

这部作品的叙事张力十足，作者在梳理亚洲美国戏剧发展脉络时，展现出一种近乎史诗般的宏大视角。它不仅仅是对舞台演变的时间记录，更深层次地挖掘了身份认同在特定历史语境下的复杂建构过程。我尤其欣赏作者对早期移民剧团与后来的“亚裔觉醒”运动之间微妙张力的捕捉。那种在主流文化边缘挣扎、寻求声音出口的集体焦虑与抗争，被细腻地铺陈开来，仿佛能让人闻到舞台幕布背后汗水与灰尘混合的气味。书中的案例分析详实而有力，它将抽象的理论探讨落地于具体的剧本、导演手法和演员表演之上，使得原本可能枯燥的学术讨论变得鲜活可感。例如，对于某位特定时期剧作家的作品深度剖析，那种对潜台词和文化符号的解读，让人不得不重新审视我们对“美国戏剧”这一概念的传统认知。它挑战了既有的戏剧范式，揭示了在主流叙事之外，那股持续涌动、充满生命力的亚裔戏剧能量。全书的论证逻辑严密，引人入胜，读完后对整个议题的理解达到了一个新的高度，感觉自己像是参与了一场跨越世纪的文化对话。

这本书最让我感到振奋的一点，是它对未来戏剧形态的开放性展望。它并没有将亚洲美国戏剧的历史定格在某个“成就”的高峰，而是将其视为一个持续演化、充满不确定性的前沿阵地。作者巧妙地将当代剧场的新技术应用——比如沉浸式戏剧、数字媒体介入——与传统的表演美学进行对话，探讨这些新工具如何为亚裔身份的表达提供新的语汇和空间。行文风格上，这次的作者似乎更倾向于一种富有哲思和诗意的表达，少了一些直白的学术断言，多了一些对艺术本质的叩问。他成功地将对历史的梳理，转化成了一种对当下艺术实践的深刻反思。读这本书，我感受到的不是一份完结的报告，而是一份邀请函，邀请读者继续参与到这场关于身份、关于舞台、关于“我们是谁”的永恒追问之中。它令人深思，并且鼓舞人心。

我必须说，这本书的广度与深度令人印象深刻。它成功地搭建起了一座跨学科的桥梁，将戏剧史、族裔研究、表演理论乃至社会学观察熔于一炉。作者的学术功底毋庸置疑，引用的一手资料丰富得惊人，仿佛能从中窥见历次演出后台的真实场景和幕后的争论。不同于一些仅侧重特定族群的文化研究，这本书展现了对整个“亚洲裔”这一宏大集合体的复杂性的包容与细致区分。无论是探讨早期日裔美国人剧团的集体主义倾向，还是后来的菲律宾裔或华裔剧作家在身份政治高峰期的激进探索，作者都保持了一种审慎而尊重的态度，避免了简单化或标签化的倾向。书中对“跨文化挪用”和“自我叙事权”的辩论分析得尤为精彩，它不再将文化交流视为单向的索取或移植，而是将其视为一个充满张力和谈判的动态过程。读完全书，你会明白，这里的“戏剧”远不止是幕布拉开后的表演，它是一场持续不断的、关于谁有资格讲述自己故事的权力博弈。