To Be a Playwright

出版者:Routledge

作者:Neipris, Janet

页数:264

出版时间:2005-9

价格:$ 32.71

装帧:Pap

isbn号码:9780878301881

具体描述

Chair of the New York University's Tisch School of the Arts, Dramatic Writing Program and mentor to such theatre figures as Neil LaBute, Kenneth Lonergan, Doug Wright, and George Wolfe, Janet Neipris distills a career's worth of wisdom, advice, and encouragement in these collected lectures and essays for every playwriting student and practicing playwright. With her gift for succinct and practical instruction, she lays out the questions (and answers) that face every dramatic writer. Chapters like "Fifty Questions to Ask About Your Play" illuminate the concrete work of writing dialogue, plot, scene, and act. Through it all, Neipris never forgets the joy of writing. This is an essential book that will coach and inspire anyone writing a play or a script.

用户评价

这部书简直是为那些内心深处渴望讲述故事的人准备的终极指南。从翻开第一页开始，我就被那种扑面而来的创作激情所感染。作者似乎能洞察每一个初稿写作者的挣扎——那些关于如何将脑海中模糊的灵感固化成舞台上可以被看见、被听到的实在艺术形式的困惑。书中对“角色动机”的探讨深入骨髓，它不仅仅是告诉你“角色想要什么”，而是引导你挖掘角色“为什么想要”的那个深层、甚至自相矛盾的内核。我特别欣赏作者在结构分析上展现出的那种外科手术般的精准，剖析经典剧作的骨架时，既保留了对艺术性的尊重，又清晰地展示了支撑起一部优秀戏剧的工程学原理。读完之后，我感觉自己对戏剧的理解不再停留在表面欣赏，而是上升到了可以主动构建和拆解的层面。那种感觉就像突然获得了进入剧作殿堂的钥匙，知道门后的世界是如何运转的。对于那些被“灵感枯竭”困扰的人来说，这本书提供了稳定可靠的“燃料库”，让你知道即便是最枯燥的日常，也能提炼出具有戏剧张力的素材。它真正做到了将晦涩的理论转化为可操作的实践步骤，让人迫不及待地想回到自己的写作台前，用全新的视角打磨那些搁置已久的想法。

如果你已经写了三五部作品，但总感觉自己的剧本“差点意思”，那么这本书或许就是你需要的“催化剂”。它没有过多纠缠于基础的“三幕式结构”，而是直接跳跃到了如何处理那些难以捉摸的“主题贯穿性”和“象征意义”。作者对“舞台意象”的运用有着近乎诗意的描绘，他讲解了如何将抽象的概念（比如“失落”、“救赎”）转化为舞台上具体可感的视觉符号。我特别喜欢其中关于“留白”艺术的讨论，即在不把话说透的情况下，如何最大限度地激发观众的想象力，让他们成为故事的共同创作者。这本书的语言风格非常具有启发性，充满了有力的动词和精确的形容词，本身就像是一篇优秀的剧本节选。它挑战了我固有的观念，让我开始审视那些我一直认为理所当然的戏剧惯例，并尝试用更具个人印记的方式去解构它们。它不是教你如何写出“卖座的”剧本，而是教你如何写出“值得被铭记的”剧本。

从一个完全不同的角度来看，这本书在我理解戏剧在当代语境下的作用时起到了关键作用。它超越了传统文本分析的范畴，触及了剧作与空间、与技术，乃至与当下社会思潮之间的复杂互动关系。作者对“打破第四面墙”和“元戏剧”手法的讨论非常精辟，他并没有将这些视为炫技的工具，而是探讨了在信息爆炸的时代，如何通过解构叙事本身来强迫观众重新审视他们所接收到的信息。书中对“剧本的可塑性”的强调，让我意识到，文本在被搬上舞台的那一刻，才真正获得了生命力，而剧作者的责任是提供尽可能丰富、有层次的“起点材料”。它鼓励我们不仅要关注文字本身，还要提前设想灯光、音效和演员肢体语言如何与文字共舞。总而言之，这本书提供的视角是宏观的、前瞻性的，它让我意识到，一个成功的剧本不仅仅是文字的排列组合，更是一个关于如何构建“体验”的蓝图。

这本书的版式设计和信息密度都非常适合专业人士。我发现它不像许多入门读物那样试图面面俱到，而是将重点放在了“打磨阶段”的关键技术上。特别引人注目的是关于“场景节奏控制”的讨论。作者用非常量化的方式解释了如何通过场景长度、信息释放的速度以及舞台调度来精确控制观众的情绪起伏。这对于我这种习惯于在脑中构建完整场景的人来说，提供了极其实用的工具箱。我过去常常觉得某些场景的力度不够，但读完后才意识到，那不是内容的问题，而是节奏的失衡。书中对“冲突的递进层次”的划分细致入微，从人际的小摩擦到形而上的存在主义危机，每一步都规划得井井有条。此外，书中对后期修改的重视程度也让我印象深刻，它强调了“写完”只是开始，“重写”才是真正的创作。这种对细节的执着，体现了作者对戏剧艺术的深刻敬畏。读完它，我感觉自己对如何将一个平淡的事件提升到具有史诗感或深刻洞察力的层面，有了更清晰的路径规划。

老实说，我一开始抱着一种怀疑的态度拿起这本书，毕竟市面上关于“如何写作”的书籍汗牛充栋，大多是陈词滥调的堆砌。然而，这本书的叙事方式着实令人耳目一新。它没有采取那种居高临下的说教姿态，反而更像是一位经验丰富的前辈，在深夜的咖啡馆里，与你推心置腹地聊着关于“声音”和“真实性”的哲学命题。其中关于“对话的潜文本”的章节，简直是醍醐灌顶。作者非常强调角色在说什么和他们*真正*想表达的之间的鸿沟，这一点在很多初级剧本中是被忽略的。那种微妙的张力，那种言不由衷下的暗流涌动，才是让观众沉浸其中的关键。书中穿插的那些充满个性的轶事和对不同流派风格的微妙比较，使得阅读过程充满了乐趣，而不是枯燥的学习。它教会我，最好的剧作往往不是最复杂的，而是最诚实的。它鼓励你去拥抱自己的独特视角，去质疑既定的戏剧规范，而不是盲目地模仿成功者的轨迹。这本书更像是一本“心法秘籍”，关注的是如何锤炼作家的内在感知力，让你的作品从模仿走向创造。