香港电影艺术史

出版者:文化艺术出版社

作者:赵卫防

页数:475

出版时间:2017-10

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787503961922

丛书系列:中国电影艺术史研究丛书

具体描述

《香港电影艺术史/中国电影艺术史研究丛书》按照传统编年史方法，力求通过对香港电影各个历史时期的特征展现，来描绘出百年来香港电影的流变过程，以及对当下整个华语电影的借鉴意义。引用了文化学理论、后现代主义理论、类型理论、变异理论、作者论及工业分析理论等作为框架，试图更深刻地阐释香港电影的发展轨迹。《香港电影艺术史/中国电影艺术史研究丛书》多维度、多类别地搜集、呈现和书写，努力把香港电影生产处境和历史评价勾连起来，重视史料，获取、探得香港电影史布局与深度的完整性。

作者简介

赵卫防，1993一1996年师从邢祖文、李小蒸先生，攻读电影学硕士研究生。现任中国艺术研究院影视所副所长，研究员，博士生导师；学术丛刊《影视文化》执行主编；多年来从事港台电影特别是华语电影互动的研究与教学工作。出版《香港电影史（1897—2006）》《香港电影产业流变》《华语电影：历史、现状及互动》等个人专著，主编《华语电影新视野》等著述；发表学术文章近二百篇。曾获得中国电影金鸡奖理论评论奖论文一等奖、中国台港电影研究会优秀著作奖及中国艺术研究院优秀科研成果论文奖等奖项。

目录信息

序 香港电影的本土特色和历史价值
第一章 香江映画·拓荒演进——香港电影的初创时期（1897-1945）
第一节 启蒙：电影发行放映业的缘起
一、香港最早的电影活动
二、香港电影产业的起步
三、香港电影发行放映业的蓬勃发展
第二节 萌芽电影制作的起步
一、《庄子试妻》等：香港电影制片业的萌芽
二、《庄子试妻》的主创及美学贡献
三、香港电影文化和电影产业的新发展
第三节 草创：“香港民新”及其他制片公司的电影拍摄活动
一、香港民新制造影画片有限公司的成立
二、香港“民新”的拍摄活动
三、“民新”的衰亡和启示
四、其他制片活动
五、电影文化的新景观
六、香港电影业遭遇第一个停滞时期
第四节 香港电影业的重兴和发展
一、香港电影工业的重兴
二、联华影业制片印刷有限公司的成立及活动
三、“联华港厂”等在港电影企业的电影活动
四、从无声到有声
第五节 香港电影的第一次勃兴
一、电影工业的规模发展
二、第一次繁荣时期的电影主题和类型
三、特有的表现形式
第六节 香港电影的第二个停滞朝
一、香港影人的反控制斗争
二、沦陷期间的香港电影业
第二章 文化传承·左右角逐——香港电影的延续时期（1945-1955）
第一节 战后电影工业的恢复和发展
一、战后电影业的复兴与左右势力的对峙
二、产业模式及其新突破
第二节 延续与创新的国语片
一、1946-1949年的圉语片：传承中的创新
二、1950-1955年的国语片：传承中的分化
第三节 粤语片及其他方言语种的影片
一、1946-1949年的粤语片：现实表达与类型书写
二、1950-1955年的粤语片：传统主题与商业表达
三、其他方言语种影片
第三章 打造东方影都·磨砺经典影像——香港电影的黄金时期（1956-1966）
第一节 现代化和全球化：香港电影工业大厂体制的创新
一、大型工业化制片企业的崛起
二、产业模式中的现代化创新
三、产业模式中的全球化创新
四、大厂体制下独立制片体制的发展
第二节 时装文艺片
一、国语时装文艺片
二、粤语时装文艺片
第三节 以戏益电影为主的古装文艺片
一、粤剧片：吟唱经典
二、黄梅调电影：戏曲电影视听化的典范
三、其他种类戏曲片：戏曲程式与电影化的配比探索
四、非戏曲类古装文艺片
第四节 喜剧、武侠、歌舞等类型片
一、多种样式的喜剧片
二、武侠片的延续
三、突破记录样式的歌舞片
第四章 呼唤本土意识·重塑传统类型——香港电影的过渡转型时期（1967-1979）
第一节 电影工业格局的变化及发展
一、香港电影工业格局的变化
二、电影工业体制的演进：从大厂体制到“卫星制”
三、过渡转型时期的全球化模式
第二节 动作类型的新发展
一、新武侠片的崛起
二、奔涌的功夫片浪潮
三、刀剑武侠片的再度复兴
第三节 其他类型的本土化转型
一、文艺片的本土转型
二、喜剧类型的本土化转型
三、其他类型片及其转型
第五章 香江影都·再续神话——香港电影的繁荣时期（1979-1993）
第一节 香港电影工业的巨变
一、电影工业的重新整合
二、院线制营销体制的基本要素
第二节 锋芒尽显的“新浪潮”电影
一、“新浪潮”电影的美学特色
二、“新浪潮”电影对香港电影的影响
三、香港“新浪潮”、台湾“新电影”和内地“第五代”
第三节 商业类型电影的整合与变异
一、以喜剧为主的复合类型片
二、以动作为主的复合类型片
三、其他复合类型片
第四节 文艺片新景观
一、社会写实与心理写实
二、言情片：真情的书写
三、诠释人文情怀的伦理片
四、以清官戏为主的历史片
第六章 体制趋个性·光影现沧桑——香港电影的风格化时期（1994-2006）
第一节 香港电影工业的低迷与调整
一、香港电影工业的低迷
二、个性特色显著的电影工业模式
三、全球化大片路线
第二节 商业类型及创作者的个性化特色
一、动作类型的个性特色
二、喜剧类型的个性特色
三、凸显的黑帮类型
四、其他商业类型及导演的个性特色
第三节 文艺片“作者”的个性特征
一、后现代意识的滥觞
二、愈强的人文关注意识
三、再现情感
四、艺术与商业的互文
五、麦兜系列：美术片奇观
六、其他文艺片导演
第七章 低迷中延续·融合中发展——香港电影的分众化时期（2007-）
第一节 CEPA后香港电影的产业态势
一、“北上”语境下香港制片业的分化
二、香港院线业的分众发展
第二节 香港本土电影：“港味”的延续与发展
一、商业类型片中的经典类型回归及新类型的拓展
二、商业类型片中的极致化
三、现实题材文艺片中的本土情怀
四、港式人文理念的刻意放大
第三节 两地台拍电影：从互融互汇到后融合
一、两地合拍电影投资环境的改善和美学力量的分化
二、从水土不服到互融互汇
三、后融合：CEPA后两地电影合拍在第二阶段的变化
附录一：香港电影工业年表（1913-2015）
附录二：香港电影影人在内地、台湾及海外地区获奖一览表
主要参考文献
后记
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的魅力还在于，它不仅仅停留在对电影作品本身的分析，而是将视角延伸到了电影背后的制作团队和产业生态。我过去看港片，更多的是关注导演和演员，但《香港电影艺术史》让我看到了摄影师、剪辑师、美术指导、编剧等幕后英雄的辛勤付出，以及他们是如何共同协作，才最终成就了一部部经典之作。书中对这些幕后工作者的工作方法、艺术追求以及他们所面临的挑战都进行了细致的描绘，让我对香港电影的制作流程有了更全面的了解。例如，书中在介绍香港电影的动作设计时，不仅提到了袁和平、成龙等著名武术指导，还分析了他们如何将中国传统武术与电影表演相结合，创造出独具特色的功夫片动作风格。此外，书中还探讨了香港电影产业的整体运作模式，包括电影公司的投资策略、发行渠道、明星制度等等，这些都让我对香港电影的商业运作有了更深入的认识。这种对产业全景式的描绘，让我明白了香港电影之所以能够成为一种文化现象，是背后无数人的努力和整个产业体系的共同支撑。

读完《香港电影艺术史》，我最大的感受是，香港电影的魅力远不止于那些耳熟能详的经典。这本书像一位经验丰富的向导，带领我深入香港电影的“腹地”，去探索那些被我们忽略的角落，去发现那些潜藏的价值。书中不仅详尽地介绍了那些名扬海内外的巨作，还挖掘了不少在当时颇有影响力，但如今可能鲜为人知的影片。作者对这些影片的介绍，不仅仅是简单地陈述剧情，而是深入分析了它们在艺术手法、叙事结构、主题表达上的独特之处，以及它们对香港电影史所产生的深远影响。例如，书中对一些早期的文艺片、社会写实片，以及一些实验性的独立电影的介绍，都让我大开眼界，让我看到了香港电影多元化的艺术追求和前卫的探索精神。这本书让我意识到，香港电影的艺术史并非只有高潮，也充满了各种尝试和探索，正是这些尝试和探索，才使得香港电影能够不断丰富和发展。它让我对香港电影的认识更加立体和全面，也让我对那些为香港电影贡献过力量的“无名英雄”们充满了敬意。

不得不说，这本书在分析香港电影的“类型片”发展上做得尤为出色。我一直觉得，香港电影最吸引人的地方之一就在于其类型片的成熟与多样化，而《香港电影艺术史》这本书则将这一点剖析得淋漓尽致。从早期的功夫片，到后来的武侠片、警匪片、喜剧片、鬼片，再到后来融合了各种元素的“新浪潮”电影，书中对每一个类型片的演变过程都进行了详尽的梳理。我特别喜欢其中关于七八十年代警匪片的部分，作者不仅分析了吴宇森的暴力美学如何开创了一个新纪元，也探讨了林岭东、麦当雄等导演的独特风格，以及许冠文如何用喜剧的方式反映社会现实。书中对“英雄片”的解读也让我茅塞顿开，过去我只觉得它们是酣畅淋漓的动作片，但作者通过对人物塑造、叙事节奏、镜头语言的分析，让我看到了其中蕴含的更为深刻的文化内涵和时代精神。而且，书中还提到了不同类型片之间的相互影响和融合，比如将功夫元素融入警匪片，或者将喜剧元素加入鬼片，这种创新和突破正是香港电影生命力的体现。读到这里，我不禁想起《英雄本色》的响起，《喋血双雄》的枪火，还有《警察故事》的搏命演出，这些经典之作在书中得到了详尽的解读，让我对它们有了更深层次的理解。作者的分析并非枯燥的理论堆砌，而是通过对具体影片的深入剖析，让读者能够清晰地看到香港电影是如何在不同类型片中进行探索与创新的，这种学术性和可读性并存的写作风格，着实让人眼前一亮。

《香港电影艺术史》给我最大的启发之一，便是它对香港电影“类型化”和“市场化”之间的辩证关系的深入探讨。我一直认为，香港电影之所以能够取得巨大的商业成功，很大程度上得益于其对类型片的精准把握和快速反应。这本书详细梳理了香港电影在不同时期是如何根据市场需求，不断开发和创新各种电影类型，从早期的武侠片、功夫片，到后来的警匪片、喜剧片，再到融合了科幻、奇幻元素的商业大片，书中都进行了详尽的分析。作者认为，这种对类型的聚焦，使得香港电影能够迅速抓住观众的喜好，形成自己的市场特色。但同时，书中也强调了，香港电影并非一味地迎合市场，而是在类型化的框架内，不断注入新的艺术元素和思想内涵，才使得这些类型片既有商业吸引力，又不失艺术价值。例如，书中对周星驰的喜剧电影的分析，既肯定了其颠覆性的表演和对草根文化的挖掘，也探讨了其背后所蕴含的社会讽刺和人生哲学。这种在商业和艺术之间的平衡，正是香港电影的独到之处，也是它能够长久不衰的重要原因。这本书让我对香港电影的商业成功有了更深层次的理解，不再仅仅是简单的“港片好看”，而是认识到其背后精密的产业运作和艺术创新。

最近偶然翻到一本《香港电影艺术史》，虽然我并非专业影评人，也算是个多年的港片爱好者了，所以就随手拿来翻翻，没想到竟是越看越有滋味。这本书不像市面上很多泛泛而谈的电影史，它深入到香港电影的肌理之中，从上世纪初的默片时代讲起，一直讲到如今新媒体时代的各种挑战与机遇。印象最深刻的是其中关于五六十年代粤语片黄金时代的那一部分，作者细致地描绘了当时百花齐放的景象，从黄飞鸿系列的风靡，到秦剑、李翰祥等导演的风格探索，再到邵氏兄弟和嘉禾两大电影公司的崛起，仿佛把我带回了那个充满活力的年代。尤其对那些早期影星的描述，无论是石坚的奸人形象深入人心，还是芳艳芬的“眼泪皇后”称号，抑或是曹达华的侠义风骨，都让我对他们有了更深的认识。作者不仅仅是罗列事实，而是通过一个个鲜活的例子，展现了那个时代电影人是如何在时代的洪流中摸索前行，如何将本地文化与电影艺术相结合，创造出独具魅力的香港电影。翻阅到这一部分的时候，我常常会想起童年时期在家里的老电视上看到的那些黑白老电影，那时候虽然不懂什么艺术价值，但那种朴实的情感，那种浓郁的市井气息，至今仍令我回味无穷。这本书让我意识到，这些我曾经看过的、甚至有些被遗忘的电影，都承载着一段不可磨灭的历史，都为香港电影艺术的繁荣奠定了基础。它让我重新审视了那些看似陈旧的影片，发现了它们在艺术表达、叙事手法上超越时代的闪光点，也让我对香港电影这块金字招牌有了更深的敬意。

这本书让我印象深刻的一点是，它并没有将香港电影艺术的发展视为一条直线式的进步，而是展现了其过程中跌宕起伏、充满挑战的复杂性。《香港电影艺术史》一书，非常坦诚地揭示了香港电影在不同时期所面临的困境与危机，比如在盗版盛行、盗播泛滥的年代，电影产业如何艰难维系；在电视行业的冲击下，电影院线如何寻求出路；在内地电影市场崛起后，香港电影又如何调整策略，寻求新的合作与发展。书中对这些挑战的分析，不仅仅是客观的陈述，还深入探讨了香港电影人是如何在逆境中不断创新，如何寻找新的生存空间和发展模式。我尤其对书中关于“粤语片”在特定历史时期一度面临的生存危机，以及后来如何通过类型片的创新重新焕发生机的论述，印象深刻。它让我看到，香港电影的辉煌并非一蹴而就，而是经历了一次又一次的考验和磨砺。这种对复杂性的呈现，让我对香港电影的韧性和生命力有了更深的理解，也让我看到了它在风雨中依然能够屹立不倒的强大力量。这本书让我认识到，任何一个伟大的艺术门类，其发展都并非一帆风顺，而香港电影正是这样一个在挑战中不断成长的典范。

这本书最让我惊喜的，莫过于它对香港电影“新浪潮”时期导演群体的细致描绘。我一直对徐克、许鞍华、谭家明、严浩等导演情有独钟，认为他们是香港电影迈向艺术化的重要推手。《香港电影艺术史》这本书花了大量篇幅来介绍这些导演的成长经历、创作理念以及他们如何突破旧有模式，为香港电影注入了新的活力。书中对徐克《蝶变》的解构，对许鞍华《疯劫》的女性视角，对谭家明《父子情》的诗意表达，都进行了非常深入的分析，让我看到了他们是如何在有限的资源下，通过创新的叙事手法和视觉语言，创作出具有高度艺术价值的作品。而且，书中还强调了“新浪潮”不仅仅是少数几个导演的个人表演，更是一种集体性的思潮，它影响了整个香港电影界的创作风貌，为后来的电影发展奠定了基础。读到这里，我仿佛能看到那个时代香港电影人燃烧的激情和不屈的探索精神，他们不畏艰难，勇于尝试，才有了后来百花齐放的局面。这本书让我意识到，“新浪潮”并非是简单的一次电影革新，而是香港电影走向成熟和国际化的重要转折点。作者对这些导演作品的解读，不仅仅是停留在对剧情的复述，而是深入挖掘了其背后的艺术追求和时代背景，让我对这些电影大师有了更全面的认识，也对香港电影的艺术成就有了更深的敬意。

不得不说，《香港电影艺术史》在叙述方式上非常讲究，虽然是学术性的著作，但读起来却一点也不枯燥，反而充满了戏剧性和画面感。书中的文字如同镜头语言一样流畅，作者善于运用生动形象的比喻和恰当的史料，将一个个事件、一个个人物鲜活地呈现在读者面前。我尤其喜欢书中对一些经典电影片段的描写，仿佛身临其境，能够感受到当时的情感张力，体会到导演的匠心独运。比如，在描述《英雄本色》中周润发那个经典的“擦枪”场景时，作者不仅仅是简单地陈述，而是通过对人物心理、镜头调度、音乐烘托的细致刻画，将那个瞬间的爆发力淋漓尽致地展现出来，读完之后，我仿佛又重温了一遍那段令人热血沸腾的片段。此外，书中还穿插了不少珍贵的历史图片和影评，这使得阅读体验更加丰富立体。它让我觉得，作者并非是坐在书斋里凭空想象，而是真正走进过电影的世界，与那些电影人有过深入的交流，对香港电影有着深厚的感情。这种写法的确能够抓住读者的眼球，让本来可能有些枯燥的历史文献，变得如此生动有趣，也让我对书中的内容更加信服。

《香港电影艺术史》这本书的一个突出优点在于，它没有将目光局限于香港本土，而是将香港电影放在了更广阔的国际语境中进行考察。我过去看港片，更多的是从娱乐性或者本土文化角度去理解，而这本书让我看到了香港电影如何吸收借鉴国际电影的先进经验，同时又如何将自身的特色融入其中，最终形成独树一帜的风格。书中提到，早期香港电影受到好莱坞和欧洲艺术电影的影响，学习了它们的叙事技巧和镜头运用，但又结合了中国传统文化中的戏剧元素和审美情趣，创造出了既有东方韵味又不失现代感的作品。尤其是在探讨香港电影如何走向国际市场时，作者分析了那些成功的商业片是如何通过类型化的叙事和具有普遍吸引力的主题来打动不同文化背景的观众，同时也探讨了那些更具艺术探索性的影片是如何在国际电影节上赢得赞誉。读到这一部分，我脑海中浮现出《卧虎藏龙》在奥斯卡颁奖典礼上大放异彩的场景，以及王家卫的电影在西方影坛引起的轰动。这本书让我意识到，香港电影的成功并非偶然，而是其在不断学习、吸收、融合中取得的成就，它是一种开放包容的文化产物，也是一种充满活力的艺术形式。作者对这些国际交流与影响的梳理，让我对香港电影的地位和影响力有了更清晰的认识，也更加理解了它为何能成为世界电影版图上不可忽视的一股力量。

这本书最令我动容的，是它对香港电影在特定历史时期所扮演的社会文化角色的深刻剖析。我一直觉得，香港电影不仅仅是娱乐产品，它更是香港社会变迁、民众情绪的晴雨表。《香港电影艺术史》在这方面做得非常到位，它不仅仅关注电影本身的艺术创作，更深入地探讨了电影如何反映当时的社会现实，如何承载民众的情感，如何在历史进程中发挥作用。例如，书中在讲述六七十年代的社会动荡时，分析了当时的电影如何通过各种形式来表达民众的忧虑、希望和反思，无论是写实的社会写实电影，还是带有浪漫主义色彩的爱情片，都折射出那个时代的复杂情感。再比如，书中对九七回归前后香港电影的变化进行了细致的分析，探讨了当时社会氛围对电影创作的影响，以及电影人如何在这种变动中寻找新的创作方向。读到这里，我深切地感受到香港电影与香港这座城市是血脉相连的，它的每一次起伏，都与香港的命运息息相关。这本书让我不仅仅是在读电影史，更是在读香港的历史，读香港人的集体记忆。作者的这种宏观视角，让我对香港电影的理解上升到了一个新的高度，也让我更加珍惜那些在银幕上定格的时代印记。

很有价值的资料，特别是七十年代之前的很多空白，六十年代之后的国泰邵氏的类型发展较为详细，在这之前的国语电影粤语片虽然整理了历史格局电影公司跟很多人物作品，却没有相关的评价，看来作者本人也没有看过多少六十年代之前的作品

还行，各种总结到位，但是缺乏特点。

内容详细，写这样子大部头的史论真是不易，但是可读性不强

可以

还行，各种总结到位，但是缺乏特点。