The Cinema of Ozu Yasujiro

作者:Woojeong Joo

页数:0

出版时间:2018-12-1

价格:0

装帧:平装

isbn号码:9781474441001

丛书系列:Edinburgh Studies in East Asian Film

具体描述

One of the most well regarded of non-Western film directors, responsible for acknowledged classics like Tokyo Story (1953), Ozu Yasujiro worked during a period of immense turbulence for Japan and its population. This book offers a new interpretation of Ozu's career, from his earliest work in the 1920s up to his death in 1963, focusing on Ozu's depiction of the everyday life and experiences of ordinary Japanese people during a time of depression, war and economic resurgence. Firmly situating him within the context of the Japanese film industry, Woojeong Joo examines Ozu's work as a studio director and his relation to sound cinema, and looks in-depth at his wartime experiences and his adaptation to post-war Japanese society. Drawing on Japanese materials not previously examined in western scholarship, this is a ground-breaking new study of a master of cinema.

作者简介

Woojeong Joo received his PhD degree from University of Warwick. He has worked at the University of East Anglia as a postdoctoral research assistant for the AHRC-funded project 'Manga to Movies' and is currently teaching in the Japan-in-Asia Cultural Studies Program at Nagoya University, Japan.

用户评价

这部关于黑泽明电影的深度剖析，着实让我沉醉其中，仿佛重新走进了那个用光影编织的日本旧梦。作者对黑泽的叙事结构有着近乎苛刻的审视，尤其是他如何在高潮段落中调度群像，那种宏大叙事下的个体命运的微小震颤，被描摹得入木三分。我印象最深的是对《七武士》中复杂的人物关系网的解析，那不仅仅是忠诚与背叛的二元对立，更是一部关于社会阶层瓦解与重塑的寓言。书中引用了大量未曾公开的幕后访谈资料，让读者得以窥见黑泽那近乎偏执的艺术追求，比如为了追求某种特定光线效果，他如何坚持在特定季节和时辰进行拍摄。阅读过程中，我不断对照着自己硬盘里存着的那些经典胶片，那些曾经被我用“感性”欣赏的场景，此刻在文字的解构下，露出了更深层的技术与美学意图。对于任何一个认为自己“看懂了”黑泽的人来说，这本书都是一次必要的、甚至是颠覆性的再教育。它强迫你放下滤镜，直面大师在镜头后所做的每一个艰难抉择，远比泛泛的赞美来得更有价值。

这是一本关于战后欧洲艺术电影美学演变的高级教程，语言风格晦涩却极富力量感。作者似乎对“叙事中断”和“非表演性”有着一种近乎迷恋的研究癖。他花费了大量篇幅对比了安东尼奥尼与伯格曼在处理“缺席”这一主题上的手法差异，指出前者是通过空间和景深来制造疏离感，而后者则更依赖演员面部表情的极度内敛。书中对“镜头停驻时间”的量化分析尤其令人印象深刻，作者建立了一套复杂的模型来衡量特定镜头长度对观众心理预期的影响，并以此来论证某些导演如何故意拉长镜头以挑战传统院线节奏。我必须承认，理解书中引用的现象学术语需要一定的背景知识，但一旦你跟上了作者的思路，你会发现那些过去让你感到“沉闷”的欧洲老电影，瞬间变得充满了智力上的挑衅和挑战性。它不是一本让你轻松度日的消遣读物，更像是一次对电影本体论的深度哲学思辨。

这部关于动画媒介与后人类主题探讨的作品，展现出一种前卫且跨学科的研究视角。它将皮克斯的数字渲染技术与日本赛博朋克动画中的身体异化主题并置比较，试图发掘数字生命体在当代文化中的共同焦虑。作者的文笔充满了学术的精确性，但其核心论点却非常具有冲击力：即我们对完美的CG角色形态的迷恋，实际上是对有机生命局限性的逃避。书中关于“虚拟纹理的真实性”的章节尤其发人深省，探讨了当观众越来越无法分辨数字模拟的毛发和皮肤与真实物质之间的界限时，我们对“存在”的定义正在如何被重塑。对我个人而言，最大的收获是它提供了一套全新的框架来审视那些充斥着高科技元素的科幻作品，不再满足于故事层面的好坏，而是深入探究其背后所蕴含的对人类主体性边界的哲学拷问。这本书无疑是献给那些敢于直面技术进步带来的认知挑战的深度思考者的。

我对这本书中对二十世纪四十年代好莱坞黑色电影（Film Noir）中女性角色的社会学解读产生了浓厚的兴趣。它跳出了传统上将“蛇蝎美人”（Femme Fatale）视为纯粹诱惑工具的简单化标签，转而将其置于战后社会性别焦虑的宏大背景下进行分析。作者考察了战时工厂女工回归家庭后的心理落差，以及这种社会变动如何在电影的潜意识层面投射为对男性权威的颠覆性恐惧。书中对服装、布景光影的分析细致入微，例如如何通过高反差的灯光处理，使得特定女演员的眼神中既有诱惑，又隐约透露出无助与绝望。这种多层次的解读，让那些经典桥段焕发出了新的生命力。我特别喜欢其中关于“第三幕的道德回归”的批判，作者犀利地指出，黑色电影的结局往往是社会对女性自主权的一次强制性收编，迎合了当时保守的审查机构。这本书成功地将文化研究的严谨性与对老电影的热爱完美地融合在了一起。

这本书在探讨当代日本独立电影制作的困境时，展现出一种近乎社会学报告的冷峻笔触。它没有过多纠缠于某一位导演的个人传记，而是将焦点放在了日本电影工业体系的结构性问题上——资金链的断裂、审查制度的暗流涌动，以及年轻人如何在主流审美夹缝中寻求表达出口。作者深入走访了京都和大阪几家小型工作室，记录了他们如何在极度有限的预算下，利用数字技术进行“游击式”拍摄的实践。其中关于声音设计的章节尤为精彩，它剖析了如何在缺乏专业录音棚的情况下，通过环境音的巧妙运用，营造出比昂贵配乐更具穿透力的情绪张力。这部分内容对于那些对电影技术细节和行业生态感兴趣的读者来说，简直是宝藏。它让人意识到，真正的创新往往不是在最舒适的环境中诞生的，而是在资源匮乏与精神渴望的激烈碰撞中迸发出来的火花。读完后，我甚至开始重新审视那些看似粗糙的独立作品，试图从中寻找被主流话语所忽略的“生命力”。

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