艺术的背后

出版者:吉林美术出版社

作者:黄其洪

页数:133

出版时间:2007-12

价格:22.80元

isbn号码:9787538625172

丛书系列:艺术的背后

具体描述

《艺术的背后:伽达默尔论艺术》主要内容：20世纪的哲学是以两部重要的著作作为其开端的，一是罗素的《数学原理》，一是胡塞尔的《逻辑研究》，它们都发表于1901年，预示和引领了20世纪两大哲学方向和理路：分析哲学和现象学，而它们的展开、交锋与对话构成了20世纪波澜壮阔的哲学运动图景。广义的现象学运动当然包括存在主义。而无论是分析哲学，还是现象学，在它们的演进过程中都显示了对语言问题的关注。语言承载和隐含着哲学的根本性问题。哲学继近代认识论转向之后实现了语言论转向。与此相应的是，按照解释学大师伽达默尔的看法，西方艺术也由表现的阶段发展到符号或艺术语言的阶段，在这一阶段，艺术形式更强调艺术符号或艺术语言之间的自我生成与重构，通过符号的重组，既表现艺术家的内心情感，又达到对客观事物的某种抽象和变形的模仿。它的杰出代表有毕加索和康定斯基。

20世纪中叶以后广泛传播开来的后现代主义正是艺术与哲学两个领域互动的结果。后现代哲学家，无论是福柯、利奥塔，还是德里达，他们追随他们精神上的先驱尼采和海德格尔，都对艺术给予了非同寻常的关切。这一关切产生了两方面的结果，一方面，他们从艺术作品中寻找到自己思想的灵感，另一方面，他们又以自己的思想和理论给当代艺术以广泛和深刻的影响。透过艺术作品，福柯看到了艺术品背后隐藏的不同时代的知识型和权力话语：利奥塔，通过对先锋艺术所蕴含的先锋精神的不懈探求，力求找到了一条抵抗技术奴役与非人状态的崇高之路：而德里达，更是视抽象派画家为自己思想的同路人。

编辑推荐

《艺术的背后:伽达默尔论艺术》将介绍：精神衰退时代的睿智的哲人——伽达默尔生平介绍

按照德国伟大的哲学家海德格尔的判断，自黑格尔哲学解体以来，西方精神就一直处于衰退之中，由于主体形而上学的进一步强化以及由此所带来的“技术座架”对自然和人类社会的严格控制，使得当代西方人已经没有能力对精神的原始的内在运动、对存在者之存在的始源的争执进行深入地反思和显现，或者用海德格尔的话来说，西方人已经没有能力再深入到“历史的一度”中。伽达默尔就是这个精神衰退时代在哲学上的卓越代表。伽达默尔保持了对真理的本体论的追求，为人类的生存获得某种意义的光照而找到了一条睿智的道路，因此，我们有理由认为伽达默尔是在精神衰退时代的睿智的哲人，是古希腊精神在当代的继承者和显现者。

汉斯-乔治•伽达默尔于1900年2月11日出生于德国马堡。他的父亲是一个药物化学家，在伽达默尔的自传中，他这样评价自己的父亲：“一个有影响的专家，一个自觉、重成绩和精明能干的人，他这个戏剧性地代表了那种主张对孩子威权教育的人的观点，既知道这是最坏的教育方式，也知道只有这种方式才能最好地贯彻教育宗旨。他是一个一心一意的自然科学家，但是兴趣又很广泛”。

他的父亲一心想让他成为一个自然科学家，但是伽达默尔本人在中学时代就形成了对文学、戏剧和艺术的浓厚的兴趣。1918年春，伽达默尔离开了故乡，开始了在布勒斯劳的大学生涯。据他自己说，当时他是一个“胆怯的、无可救药的、自我封闭的小家伙”。在1918年的欧洲，尼采和叔本华的哲学声誉正浓，当时的大学校园里不管男女老少都以读尼采和叔本华的书为荣，如果人们不知道尼采和叔本华，那将是一件很不可思议的事情。但是，当时的伽达默尔却完全不知道叔本华和尼采。一个哲学家的遭遇就是这么奇特。作为大学生的伽达默尔，把大量的精力都用在了文学和艺术上，他读到的第一本哲学书是康德的《纯粹理性批判》。据他本人讲，“尽管我通读了这《艺术的背后:伽达默尔论艺术》，但并没能够体会出来思想”。但是通过这《艺术的背后:伽达默尔论艺术》，伽达默尔开始了对哲学的兴趣。他参加了由三个新康德主义者组织的研讨班，虽然他的成绩很优秀，但他自己觉得没有什么收获，于是转学到马堡大学。

以往的艺术教育大多以一种艺术方式去理解文化，而问题在于我们是否能以一种文化史的方式去理解艺术，即我们应该打开或重建艺术背后的那部尘封已久的历史。

目录信息

伽达默尔
精神衰退时代的睿智的哲人——伽达默尔生平简介
哲学解释学和实践哲学——伽达默尔哲学思想介绍
哲学解释学的前史
理解的历史与合法的偏见
为权威和传统正名
效果历史意识
解释学循环
问和答的逻辑
实践哲学
伽达默尔论艺术
游戏概念与悲剧的例证
艺术与模仿
形象与姿势
绘画的本体论意义
戏剧的节日特征
偶缘物与装饰品的本体论根据
小结
伽达默尔眼中的毕加索
结语
序言
以往的艺术教育大多是以一种艺术史的方式去理解文化，而问题在于我们是否能以一种文化史的方式去理解艺术，即我们应该打开或重建艺术背后的那部尘封已久的历史。
——邹操释义的危机
亚里士多德说：“艺术是模仿”。科林伍德说：“艺术是表现”。托尔斯泰说：“艺术是情感交流”。我们面临的是一个艺术的释义不断被刷新甚至被颠覆的世纪。在今天，关于艺术释义的追问必须以我们所处的时代为参照与谱系。
纵览艺术史的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使其呈现出丰富多彩而又相对复杂的艺术景观。然而传统《艺术史》的书写却总是以关注艺术的自身发展为脉络和线索。换言之，面对纷繁复杂的艺术史现象.艺术史的书写更多的是以艺术史自身的内在结构关系为统摄来缕析出其中相应的主体轮廓和基本脉络。
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用户评价

这是一本让我能够“看懂”艺术的书，它不仅仅是关于艺术史的陈述，更是关于艺术创作背后的“原因”和“逻辑”。作者以一种非常严谨但又不失趣味的方式，展现了不同时代艺术家们如何应对技术限制、社会观念以及个人灵感的挑战。我一直对古希腊雕塑中对人体比例的完美追求感到好奇，这本书详细解释了当时艺术家们如何通过数学和几何学的原理，来塑造理想化的人体形象，这种科学与艺术的结合，让我看到了理性思维在艺术创作中的重要作用。书中还讲述了文艺复兴时期艺术家们对透视法的探索，以及这种新的空间表现手法如何彻底改变了绘画的面貌，让画面更加逼真和富有深度。这种对技术革新如何推动艺术发展的描述，让我认识到艺术并非一成不变，而是随着人类知识和技术的进步而不断演进的。读完这本书，我不再满足于仅仅欣赏艺术品的“美”，我更想去了解它“为什么”是这样，以及它背后所蕴含的智慧和思考，这种求知欲的满足感，是其他许多艺术类书籍无法给予的。

这本书让我看到了艺术的“进化”史，以及艺术家们如何在一次次的探索和革新中，推动艺术向前发展。作者以一种非常清晰的脉络，梳理了不同艺术流派的起源、发展和相互影响，让我看到了艺术并非孤立的存在，而是与历史、文化、社会思潮紧密相连的。我一直对法国新古典主义画家雅克-路易·大卫的作品所呈现出的那种庄重、严肃的风格感到好奇，这本书详细解释了新古典主义是如何在启蒙运动的影响下，回归古希腊罗马的理想，并将其作为反抗当时盛行的洛可可风格的武器。大卫的作品，如《马拉之死》，不仅仅是描绘一个历史事件，更是对革命精神和英雄主义的赞颂。书中还提到了浪漫主义的兴起，以及艺术家们如何通过强调情感、想象力和个人自由来回应新古典主义的理性束缚。这种对艺术思潮的演变过程的描绘，让我认识到艺术的每一次变革，都是艺术家们在特定时代背景下，对思想和情感的深刻表达和探索。

这本书简直是打开了我对艺术的全新认知，让我看到了艺术家们在创作过程中所付出的难以想象的努力和智慧。我一直以为艺术品是灵感的闪现，是天才的挥洒，但读了这本书之后，我才了解到，每一个成功的艺术品背后，都凝聚着艺术家无数次的尝试、失败，以及对技法的精益求精。作者深入浅出地剖析了不同艺术流派的形成和发展，从古典主义的严谨规整，到印象派的光影捕捉，再到抽象表现主义的无拘无束，每一个时代的艺术变革都不是凭空产生的，而是艺术家们在时代背景下，对社会、对生活、对自身情感的深刻思考和回应。书中对一些著名艺术家的生平经历和创作理念的描写更是栩栩如生，让我仿佛置身于他们的工作室，亲眼见证了他们如何将抽象的情感和观念转化为触手可及的艺术品。特别是关于伦勃朗对光影的运用，以及梵高对色彩的情感表达，这些细节的解读让我对他们的作品有了更深层次的理解和共鸣。这本书不只是关于艺术品本身，更是关于艺术家的灵魂，关于他们如何在物质世界和精神世界之间找到平衡，如何在追求艺术真理的道路上披荆斩 امت。它让我明白，艺术不仅仅是视觉的享受，更是思想的碰撞，是情感的交流，是人类对自身和世界的不断探索。

这本书最让我印象深刻的是它如何将枯燥的艺术史知识变得如此生动有趣，仿佛是一场穿越时空的艺术对话。作者并没有简单地罗列艺术家和作品，而是通过讲述艺术家们在创作过程中遇到的挑战、内心的挣扎以及他们如何突破常规，才创造出传世之作。我一直对法国印象派画家莫奈的睡莲系列情有独钟，这本书详细阐述了莫奈在吉维尼花园的创作历程，以及他对光线和色彩变幻的极致追求。从最初在户外写生的艰难，到后来建造自己的花园和水池，莫奈的一生都在为捕捉“瞬间”而努力。他不仅仅是在画花，更是在捕捉风吹过水面时泛起的涟漪，是阳光透过树叶洒下的斑驳光影，是空气中弥漫着的花香。这种对细节的描绘，让我看到了一个艺术家对自然的热爱和对美的极致追求。书中还提到了波普艺术的代表人物安迪·沃霍尔，他将商业文化与艺术相结合，挑战了传统艺术的定义，他的作品既具有商业价值，又充满批判性思考。这种跨界融合的艺术形式，让我对“什么是艺术”这个问题有了更开放的理解。这本书让我不再仅仅是站在作品前欣赏，而是能走进艺术家的内心世界，去感受他们的创作激情和艺术信仰，这是一种非常宝贵的体验。

这本书让我对艺术的理解，从“看”变成了“听”，也从“外”变成了“内”。作者用一种非常具有共情力的语言，讲述了艺术家们如何在创作过程中，倾听内心的声音，并将之转化为具象的艺术表达。我一直对表现主义画家们扭曲的线条和浓烈的色彩感到着迷，这本书详细解释了恩斯特·路德维希·基希纳等艺术家如何通过夸张变形的形象来表达内心的焦虑、恐惧和不安，他们并非不懂得写实技巧，而是选择用更直接、更强烈的方式来传达情感。书中还讲述了抽象表现主义艺术家们如何在画布上进行“行动绘画”，他们将创作过程本身视为一种表演，通过身体的律动和颜料的泼洒，来宣泄内在的情绪和能量。这种对艺术家内心世界的挖掘，让我看到了艺术创作的另一重维度——它是一种非常私密的、也是一种非常公开的自我表达。读完这本书，我开始更加关注艺术品所传达的情感和意图，而不仅仅是其形式上的美感。

这本书以一种非常别致的视角，揭示了艺术品背后的“故事”，让我看到了艺术家们如何将个人经历、社会观察和哲学思考融汇于创作之中。作者非常善于捕捉那些不为人注意的细节，并将其放大，从而勾勒出艺术家的创作动机和艺术理念。例如，书中详细讲述了荷兰画家维米尔如何通过对光线的精妙运用，营造出一种宁静而神秘的氛围，以及他如何通过描绘日常生活场景，展现出人物细腻的情感和微妙的心理活动。维米尔的作品总是给人一种静谧而温暖的感觉，仿佛时间在这一刻凝固，让我能够沉浸在画面所营造的情绪之中。书中还提到了法国画家德加如何捕捉芭蕾舞女的瞬间姿态，他不仅仅是在画她们的外形，更是在捕捉她们在舞台上，以及在幕后的各种状态，这种对生活真实瞬间的捕捉，让我看到了艺术的生命力。这本书让我明白，伟大的艺术品往往源于艺术家对生活深刻的洞察和对情感的细腻捕捉。

这本书带给我的震撼，不仅仅是艺术品的视觉冲击，更是对艺术家精神世界的深度挖掘。作者以一种非常人性化的视角，讲述了许多艺术家在追求艺术理想过程中所经历的艰辛和牺牲。我一直对印象派画家们在户外写生的场景感到好奇，这本书详细描绘了莫奈、雷诺阿等人在恶劣天气下，忍受饥寒交迫，只为捕捉那一瞬间的光影变化。他们不仅仅是在画画，更是在与自然对话，与光线搏斗。这种为了艺术而付出的巨大努力，让我对这些艺术家产生了深深的敬意。书中还提到了梵高在生前默默无闻，直至去世后才获得认可的经历，以及他如何在贫困和孤独中坚持创作，这种对艺术的执着和热爱，让我感动不已。这本书让我明白，艺术的价值不仅仅体现在作品本身，更体现在艺术家身上所体现出的那种对梦想的坚守和对精神世界的追求。它不仅仅是一本艺术鉴赏的书，更是一本关于人生追求和价值实现的启迪之书。

我一直认为艺术品是那种高高在上，只可远观而不可亵玩的，直到读了这本书，我才发现艺术离我们如此之近，甚至渗透在我们生活的方方面面。作者用一种非常接地气的方式，讲述了艺术是如何在历史的长河中演变，以及它如何与社会、文化、科技相互影响。比如，书中关于文艺复兴时期对人体比例的探索，以及这种探索如何影响了当时的绘画、雕塑乃至建筑设计，让我看到了艺术不仅仅是装饰，更是时代精神的载体。我一直对荷兰黄金时代的绘画，尤其是伦勃朗的光影运用很着迷，这本书详细解释了当时社会对艺术品的需求，以及艺术家们如何在这种市场需求下，发展出独特的艺术风格。伦勃朗对光影的精湛运用，不仅仅是为了美观，更是为了刻画人物的内心世界，他通过光线照射在人物脸上的不同角度和强度，赋予了画面极强的戏剧性和感染力。这种对艺术创作背后社会经济因素的解读，让我对艺术品有了更全面、更深入的理解。这本书让我开始重新审视周围的世界，发现原来很多看似普通的事物，都蕴含着艺术的智慧和匠心。

这本书就像一个引路人，带领我走进了波澜壮阔的艺术世界，并且让我明白了艺术创作的真正“逻辑”。作者以极具洞察力的笔触，剖析了不同艺术流派的产生机制，以及艺术家们是如何在既定的艺术框架内进行创新和突破的。我一直对野兽派的色彩运用感到困惑，认为那是一种失控的狂放，但书中详细解释了马蒂斯和他的追随者们如何运用大胆的色彩来表达情感和思想，他们并非不懂得色彩的传统法则，而是有意识地打破这些法则，去探索色彩本身的表现力。比如，马蒂斯用鲜艳的绿色来表达树木的生命力，用强烈的红色来渲染人物的情感，这种“非写实”的色彩运用，反而赋予了画面一种独特的生命力和感染力。书中对一些抽象艺术作品的解读更是点睛之笔，让我明白了抽象艺术并非毫无意义的涂鸦，而是艺术家通过形状、线条和色彩来传达更深层次的情感和哲学思考。这种对艺术理论的深入解析，让我不再是盲目地欣赏，而是能够理解和欣赏艺术家们所要表达的意图，这是一种非常宝贵的学习过程。

这本书彻底颠覆了我对艺术创作过程的刻板印象，原来我们看到的那些光鲜亮丽的艺术品，背后是如此的“不完美”和“充满烟火气”。作者通过大量翔实的史料和生动的故事，展现了艺术家们在创作过程中所经历的无数次失败和挫折。例如，我一直以为雕塑家们创作过程是流畅而精准的，但书中描述了米开朗琪罗在创作《大卫》时，是如何在巨大的石料中反复寻找和打磨，以及如何应对石料本身的缺陷，这让我体会到了“化腐朽为神奇”的真正含义。还有达芬奇在绘画《蒙娜丽莎》时，为了达到理想的微笑效果，据说花费了数年的时间，不断地修改和调整。这些细节让我意识到，艺术的完美并非一蹴而就，而是源于艺术家不懈的努力和对细节近乎偏执的追求。这本书让我明白，艺术家的伟大之处，不仅仅在于他们的天赋，更在于他们面对困难时的坚持和勇气。它也鼓励了我，在生活中遇到困难时，也可以借鉴艺术家的精神，不轻易放弃，继续探索和尝试。读完这本书，我对那些看似高高在上的艺术品，多了一份亲近感和敬意，因为我知道，它们承载了太多不为人知的汗水和心血。

好久不看伽达默尔，复习一下~

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问题的答案在书里

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