上海书画家名典

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页数:772
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出版时间:2008-4
价格:150.00元
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isbn号码:9787532256747
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图书标签:
  • 上海书画
  • 名家作品
  • 艺术史
  • 中国美术
  • 绘画
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具体描述

《上海书画家名典(修订版)》为上海地区书画家名典。本名典入编对象为:1949年10月1日以后活跃在上海地区中国书画艺术领域的现、当代名家(含新生代后起之秀)以及在书画艺术界、教育界取得一定成就的美术工作者。入编内容包括本人姓名、字号、斋名、年龄、籍贯以及艺术简历、师承、风格、成就,并收入其专业职务、作品、常用印章及款署等内容。另附英文简介(包括姓名、年龄、籍贯及专业职务)。

翰墨丹青:近现代海派艺术群像研究 本书并非《上海书画家名典》的续篇或补充,而是一部聚焦于特定历史时期——晚清至新中国成立前夕——海派艺术生态、思想变迁与流派演进的深度学术专著。 它以一种宏观的视角,审视了上海这座城市如何从传统文人艺术的边缘地带,崛起为中国近现代艺术革命的熔炉。全书力图超越单纯的人物罗列,深入挖掘艺术个体与其所处社会、文化、政治环境之间的复杂互动关系。 第一部分:都市的勃兴与艺术的转向(1880s - 1911) 本章首先勾勒了晚清上海作为通商口岸和文化交汇点的独特地理社会背景。我们考察了江南士绅阶层在时代剧变中的文化心理,以及西方艺术思潮(如写实主义、印象派的局部传入)对传统国画的冲击与滋养。 “海派”的早期形态界定: 探讨了早期“上海派”画家群体(如受陈山邨、吴昌硕早期影响的一批人)如何在外销画、民间艺术与传统文人画之间寻求一种新的平衡点,其特点体现为对民间题材的关注和笔墨的“野逸”化趋势。 金石学与碑学热潮的上海反应: 详述了吴昌硕等巨匠如何将碑学力量引入书画创作,并分析了这种“复古”姿态在革命思潮涌动背景下的内在矛盾性。我们细致分析了数位重要画家的早期作品,揭示他们如何通过笔墨语言表达对旧时代的审视与新的价值追求。 绘画与印刷技术的结合: 考察了上海在艺术品复制与商业化方面的先驱作用,这对绘画的传播方式和市场结构产生了深远影响。 第二部分:新旧交替中的艺术院校与教育体系(1912 - 1937) 辛亥革命后,艺术教育的现代化成为核心议题。本部分重点研究上海在建立现代美术教育体系方面的尝试与挑战。 上海美术专门学校(上海美专)的创立及其影响: 对刘海粟等教育家如何引进西画观念、改革传统教学方法进行了深入个案研究。书中详细梳理了上海美专在融合中西、培养“现代人”方面的课程设置、师资结构及对学生创作理念的塑造过程。 “中西调和”的理论构建与实践: 聚焦于如潘天寿、吴大羽(在上海求学或任教时期)等艺术家的探索。我们不满足于简单的“融合”结论,而是剖析了他们在色彩、构图、透视等方面如何将西方现代主义的结构性思维融入中国水墨的抒情传统。 沙龙与展览的兴起: 分析了上海各类画展、评选活动在确立新的艺术权威、引导公众审美趣味中的作用,以及艺术家群体内部围绕艺术理念产生的论战。 第三部分:社会现实与艺术的批判性转向(1927 - 1949) 抗日战争和随后的解放战争时期,艺术创作的社会责任感空前高涨。本章探讨了艺术如何介入社会现实,并承担起记录历史、鼓舞人心的使命。 新兴木刻运动的兴盛与上海的地位: 详细考察了如鲁迅在上海对新兴木刻艺术的推动作用,以及以张仃、李桦(在上海活动时期)为代表的一批版画家如何利用黑白强烈的对比,揭示社会黑暗面,成为无声的抗议力量。这部分内容与传统“国画”领域形成鲜明对照。 月份牌与商业艺术的复杂性: 深入分析了月份牌画家(如杭稚君、费穆等人的早期影响)在迎合大众审美需求的同时,如何巧妙地植入现代设计元素和微妙的时代情绪。这并非单纯的商业行为,而是艺术家在特定市场环境下的生存智慧与视觉表达。 “写实”思潮的深化: 研究了部分画家如何从早期对“笔墨趣味”的执着,转向对民间生活、劳工群体的关注,其写实风格的形成与政治思潮的关联。我们特别关注了在动荡年代中,艺术家群体如何维系其创作的独立性与精神的坚韧性。 第四部分:流派的固化与后续影响 在对上述历史阶段进行梳理后,本书的最后一部分着重于评估海派艺术在不同领域的遗产。 海派的“去中心化”: 探讨了在国家艺术政策调整后,一批原先活跃在上海的艺术家(无论是选择留下还是南迁、北上)其创作理念和风格如何影响了其他地区的艺术发展。 文人精神的延续与断裂: 考察了部分坚守传统文人画路线的艺术家群体,他们在面对新时代对“实用性”和“政治性”的强调时所经历的内心挣扎与艺术选择。 本书的特点在于: 1. 跨媒介研究: 不仅关注传统书画,更将版画、月份牌、艺术教育思想纳入分析框架,以理解上海艺术的全貌。 2. 社会史切入: 强调艺术家的经济基础、教育背景和政治立场对作品内容和形式的决定性影响。 3. 文本细读: 选取了大量非主流的艺术史文献、私人信件、早期报刊评论进行多方印证,力求还原艺术思潮产生的复杂语境。 本书旨在为研究中国近现代艺术史提供一个以地域为切口、以社会结构为基底的全新分析模型,深度揭示上海艺术革新的内在动力与复杂遗产。

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读后感

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用户评价

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阅读这本书的过程,与其说是获取信息,不如说是一种精神上的浸润和提升。它带来的不仅仅是知识的增长,更重要的是审美情趣和人文素养的熏陶。读完之后,我感觉自己对“美”的理解都变得更加开阔和深刻了。它引导我开始用一种全新的视角去观察日常生活中的细节,去体会艺术创作中蕴含的哲思和情感。这本书就像一位温和而有力的导师,不动声色地重塑着读者的内心世界,让人在不知不觉中完成了对自身品味的升级。它成功地跨越了专业书籍的门槛,成为了一本能够滋养灵魂、提升气质的佳作,非常值得反复阅读和珍藏,每一次重读都会有新的体悟,这一点是其他快餐式读物无法比拟的。

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作为一个对文化传承非常关注的人,这本书的史料价值令我尤为赞叹。它不仅仅是一本简单的介绍性读物,更像是一部严谨的文化档案库。信息的搜集和考证工作想必是耗费了巨大的心血,每一个细节都力求准确无误,引用的资料来源清晰可溯,展现了极高的学术操守。这种对历史真实性的坚守,是任何浮光掠影的介绍都无法比拟的。通过这本书,我得以窥见一个更完整、更立体的艺术群像,理解了他们在特定历史背景下所做出的贡献和选择。它为我们保存了一份珍贵的精神财富,让后人能够站在巨人的肩膀上,更清晰地眺望艺术的长河。这种沉甸甸的责任感和历史厚度,是这本书最核心、最不可替代的价值所在。

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我特别注重一本书的排版和视觉呈现效果,这本书在这方面简直无可挑剔。内页的用纸质量非常高,那种略带米黄色的纸张,不仅保护了视力,更给整体阅读体验增添了一层温暖的质感。版式的设计充分考虑了阅读的节奏感,文字与留白之间的比例拿捏得恰到好处,使得每一页都显得疏朗有致,毫无压迫感。图文的排布也体现了高度的专业性,关键的插图或作品摹本都清晰锐利,色彩还原度极高,让人仿佛能感受到原作的笔触和墨韵。尤其是那些重要的章节,设计师巧妙地运用了不同的字体和字号变化来引导读者的视线,这种细致入微的排版心意,极大地提升了阅读的愉悦度和效率,真是一场视觉上的盛宴。

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这本厚厚的精装本,光是拿在手里就能感受到一种沉甸甸的历史分量。封面设计得非常雅致,那种传统的装帧风格,让人忍不住想立刻翻开看看里面究竟藏着怎样的宝藏。我尤其欣赏它对细节的处理,比如烫金的文字,在不同的光线下会折射出微妙的光泽,彰显出一种低调的奢华感。装帧的工艺显然是下足了功夫,即便是经常翻阅,内页和装订处依然保持着极好的平整度,看得出制作者对图书质量的严格把控。整体而言,它给我的感觉就像是一件精心打磨的艺术品,不仅仅是知识的载体,更是一件可以陈列和传承的珍品。每一次把它从书架上取下来,都像是在进行一个庄重的仪式,充满了对阅读本身的敬意和期待。这本书的尺寸也十分适中,既能保证文字和图片的清晰度,又方便在案头细细品读,那种厚实与便携之间的平衡把握得恰到好处,体现了设计者对实用性和美观性的深刻理解。

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初次接触这类题材的书籍,我原本还担心会因为过于学术化而显得枯燥乏味,但这本书彻底颠覆了我的刻板印象。它的叙事方式非常生动,仿佛每一位被记录的人物都不是遥远的历史尘埃,而是鲜活地站在你面前,讲述着他们创作背后的故事与心路历程。作者的文字功底了得,遣词造句精准而富有画面感,即便是对一些复杂的艺术理论或创作技法进行阐述时,也能用通俗易懂的语言将其娓娓道来,让人在轻松愉快的阅读过程中,不知不觉就吸收了大量的知识。行文间流露出的那种对艺术的深厚情感和尊重,极大地感染了我,让我对那个时代的艺术氛围产生了强烈的向往。这种将学术深度与大众可读性完美结合的写作手法,绝对是值得称道的亮点,使得即便是初学者也能毫不费力地进入这个精彩的世界。

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