外国绘画选集

出版者:河北美术出版社

作者:沙立

页数:101页

出版时间:1986年4月

价格:9元

具体描述

内部发行

作者简介

穆家麒

男，1917年6月生。北京人。满族（镶白旗）。擅壁画、油画。1941年毕业于日本大学艺术学院美术系，专攻油画及镶嵌壁画，从师寺内方治郎、内田岩先生。1942-1948年历任南京中央大学教育学院艺术系教授，北京艺专教授，吉林长白师院美术系教授兼系主任。1949年后，任天津美术学院教授兼理论教研室主任（现退休）。1980年-1983年兼任北京画院壁画工作室艺术指导，1983年年兼任北京工艺美术总公司职大工艺美术系顾问。中国美术家协会会员、中国老教授协会会员、白雪石美术研究社名誉社长、长白山书画会名誉理事。以西方美术史论、油画和玻璃镶嵌壁画名世。多次参加天津美协及北京美协主办之美展。有多种著作出版，多件作品参展或被采用。作品有油画《大兴安岭》、《黔岭之晨》；国画《驯服海河长卷》；壁画《漓江》、《大兴安岭秋色》等。出版有《西洋美术史略》等。

用户评价

这本书的装帧设计实在是太令人惊艳了，初拿到手时，那沉甸甸的质感和略带纹理的封面纸张，就让人感受到了一种对艺术的敬畏。内页的印刷色彩还原度极高，即便是那些跨越了几个世纪的古典油画，其光影的微妙变化和颜料堆叠的厚度感，都仿佛能透过纸张触摸到。我特别喜欢它在展示每一幅作品时，都会附带一小段关于画家生平与其创作背景的精炼文字，它不是那种枯燥的学术说教，而是像一位博学的策展人，在你耳边轻声讲述着画作背后的故事。例如，在欣赏德加的芭蕾舞伶系列时，文字巧妙地指出了他如何捕捉转瞬即逝的动态，以及他对于光线在丝绸和汗水上折射的痴迷，这种深入浅出的讲解，让我这个非专业人士也能迅速进入情境。排版上，它大量使用了留白，使得每一幅画作都能获得足够的“呼吸空间”，避免了信息过载带来的疲惫感。如果你将它放在书架上，它本身就是一件装饰品，散发着低调而深沉的艺术气息，绝对是那种可以反复翻阅、每次都会有新发现的宝藏之书。

这本书的阅读体验，完全颠覆了我过去对艺术书籍那种“严肃”的刻板印象。它充满了活力，甚至带着一种近乎“淘气”的趣味性。其中有一部分章节，专门对比了同一题材在不同时期艺术家的处理方式，比如对“圣母与圣子”主题的描绘，从拉斐尔的宁静典雅到格雷科的拉长变形，这种并置极富冲击力。它不只是展示“美”，更是在探讨“视角”的力量。作者似乎鼓励读者去质疑画面的真实性，去感受艺术家内心的挣扎与狂喜。我发现自己经常会对着某一幅画出神，脑海中不断地模拟如果自己是那位画家，在面对相似的挑战时会如何下笔。这种沉浸式的互动，很大程度上得益于文字的口语化和亲切感，它没有使用晦涩难懂的术语，而是用通俗易懂的比喻来解释复杂的透视原理或象征意义。对于那些想入门艺术鉴赏，却又害怕被专业术语劝退的读者来说，这本书简直是量身定制的向导，它让人在轻松愉悦中，不知不觉地提高了自己的审美阈值。

我最欣赏这本书的地方，在于它对“材料与媒介”的关注度。市面上的许多画册往往只停留在对“内容”的解读上，但这本书却花了相当大的篇幅去解析不同时期画家所使用的颜料、画布的处理，甚至是画笔的种类对最终效果的影响。比如，它详细阐述了油画在威尼斯画派手中如何从德国的厚重中解放出来，转而追求透明度和光线的流动性，甚至提到了当时炼金术士对新颜料研制的影响。这种对“手艺”层面的深入挖掘，让我体会到绘画不仅仅是思想的表达，更是一场与物质的较量。当我看到关于印象派画家如何应对户外光线快速变化，而不得不采用更快的、点彩式的笔触时，我仿佛能听到画布上颜料被快速涂抹的声音。这种细致入微的“幕后揭秘”，极大地提升了对作品的理解层次，它让我明白，每一笔触的背后，都凝聚着艺术家对材料特性的深刻理解和无尽的探索。这对于一个追求深度阅读体验的读者来说，是极其宝贵的补充。

坦白讲，这本书的重量和篇幅让我一度望而生畏，心想这得花多长时间才能“读完”？但实际上，它更像是一部可以随时被抽取的“视觉词典”，而非需要线性推进的叙事作品。它的独特之处在于，它提供的不仅仅是图像，更是一套完整的鉴赏工具箱。不同于其他只聚焦于某一个国家或某一个流派的画册，这本选集展现了一种广阔的国际视野，它巧妙地将不同地理和文化背景下的绘画成就进行了并置和对话。例如，它会把同期荷兰的现实主义光影，与意大利的浪漫主义激情进行对照分析，这种跨文化的比较，极大地拓宽了我对“什么是好的绘画”的定义。书后的索引做得非常详尽，查找起来极其方便，任何一个突然冒出的艺术家名字，都能立刻在你脑中找到他所属的时代坐标和风格定位。对我而言，它已经成为我案头必备的参考书，每当我对某一艺术现象产生疑问时，翻开它，总能找到一个清晰、多维度的解读视角，那种即时的满足感，是其他单一主题书籍无法比拟的。

说实话，我本来对这种“选集”类的画册抱有一定的警惕心，总担心它会像一本大杂烩，什么都有，但什么都不精。然而，这本书的编选逻辑令人耳目一新。它似乎并非简单地罗列名家名作，而是构建了一条清晰的“视觉演变史”。从文艺复兴的黄金比例到巴洛克的戏剧性光影，再到印象派对瞬间光线的捕捉，乃至后印象派那种近乎癫狂的色彩表达，作者的挑选标准非常明确——每幅画都必须是推动某个艺术思潮关键性的一步。我尤其欣赏它对一些“过渡期”艺术家的关注，那些虽然名气不如“巨匠”响亮，但其技法创新却承前启后的作品，被赋予了足够的篇幅。这使得阅读过程不再是被动的欣赏，而更像是一场跨越时空的学术考察，我能清晰地看到某种色彩理论是如何被提出、被质疑、再被继承和发扬光大的。这种结构上的严谨性，让这本书的价值远远超越了一般的画册范畴，它具有很强的教学参考属性，能帮你建立起一个扎实而全面的西方绘画知识框架。