具体描述
Apart from providing an outlet for human emotions, does music have a use? Is a Mozart symphony intelligent, and is music a language? If so, what does it say and how does it say it? In this perceptive and revolutionary sequel to The Concept of Music, Robin Maconie teases out the musical science underlying subjects as diverse as Pythagoras's theorem, Plato's city state, mysteries of religion, myth, and folklore, theories of the mind, and key insights of Newton, Freud, and Wittgenstein. Western civilization is based on a foundation of universal laws derived from acoustics and hearing. Music is not only the product of that civilizing process but also the key to understanding the hidden structures and rituals of established belief. Beneath the surface of mass entertainment lie musical notations, images, instruments, and ensemble interactions to be understood afresh as models and mind games in an ongoing programme of scientfic discovery, information management, and social organization. That understanding is exciting in itself, has important educational and cultural implications, and is essential for future progress in musical composition.
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读后感
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坦白说，这本书的视角非常独特，它完全避开了传统音乐史和音乐理论中那些关于风格、流派或者作曲家生平的讨论，而是径直切入到“声音”这个最基础的物质层面进行解构。我本来以为它会涵盖一些关于现代电子音乐合成器的原理，毕竟那是现代科技与声音结合的典范，但出乎意料的是，它对这些“新事物”着墨不多，反而将大部分篇幅倾注在了对木质乐器共鸣腔体材料学、弦乐器张力的物理模型，以及管乐器空气柱振动模式的深入分析上。这使得这本书读起来有一种非常“复古”的科学感，仿佛作者是一位拿着游标卡尺和示波器的工匠，而非一个坐在电脑前编写算法的数字音乐家。这种对“物理实体”的执着，让这本书在探讨乐器制作的艺术时，展现出一种近乎工匠精神的严谨。不过，对于那些期望了解当代音乐制作流程的读者来说，这本书可能会显得有些脱节，它更像是一部关于“声音的古典物理学”的圣经，而不是面向未来的指南。
评分读完这本书，我最大的感受就是一种智力上的“疲惫感”与“满足感”交织的复杂情绪。这本书的叙事风格极其冷静，几乎没有使用任何修饰性的语言来引导读者的情感，它更像是一份详尽的实验报告，而不是一本面向大众的科普读物。作者对于细节的痴迷达到了令人咋舌的地步，每一个章节的推进都建立在前一个理论基础之上，如果你漏掉了哪怕一个小小的定义，接下来的内容就会像多米诺骨牌一样瞬间崩塌，让你完全摸不着头脑。我尤其对其中关于“律制演变”那一章印象深刻，它没有停留在巴赫时代我们熟悉的十二平均律上，而是追溯到了更古老的五度律和毕达哥拉斯音程，作者甚至花了大量的篇幅去探讨，在没有精密仪器辅助的古代，音乐家是如何通过听觉的微调来“修正”这些数学上的不完美。这部分内容让我开始重新审视那些我习以为常的音高，原来我们所听到的“完美音准”，本质上是一场跨越千年的妥协与妥协的艺术。当然，这种深度也带来了阅读上的门槛，我不得不时常停下来，查阅一些基本的声学词汇，这打断了阅读的流畅性，但从另一个角度看，也拓展了我对声音物理特性的理解边界。
评分这本书的排版和插图质量，坦白地说，是这本书的“软肋”。鉴于其内容的高度专业性，我本以为出版社会在图示上投入更多资源，以帮助读者更好地可视化那些抽象的数学关系。然而，书中的图表多半是黑白、线条生硬的示意图，很多关键的波形图和频谱分析图做得极其模糊，甚至有些参数的标注都显得含糊不清，这对于需要精确参照才能理解的章节来说，无疑是雪上加霜。我经常需要对照着书本在电脑上自己重新绘制一遍图表，才能真正理解作者在描述什么。可以想象，如果这本书是为本科生或研究生教材设计的，那这个视觉呈现是完全不合格的。它更像是一份早期的、未经精修的学术手稿被直接付梓印刷。尽管文字内容本身具有极高的价值和信息密度，但这种不友好的视觉体验，极大地拖慢了学习进度，也让原本就充满挑战的阅读体验变得更加晦涩难懂。我希望未来的再版能请专业的美术设计师重新制作所有图示，那将是对内容本身的一种尊重。
评分阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一种思维方式的重塑。我发现，很多我过去凭感觉去判断的音乐现象，这本书都能给出一个明确的、可验证的数学解释。例如，关于泛音列（Overtones）的讨论，它不仅仅是简单地罗列了频率比，而是通过深入分析人耳听觉神经元对不同谐波的反应阈值，来解释为什么某些和弦组合（比如纯五度）听起来会比其他组合（比如小三度）更加“和谐”和稳定——这不是文化约定，而是生理学使然。这种“去神秘化”的过程令人既兴奋又略感失落，因为它剥去了音乐一层美丽的面纱，展示了其底层的机械结构。对我个人而言，这本书的最大价值在于，它让我对“美学”的理解从主观感受提升到了客观规律的层面。但缺点也很明显，作者在处理那些无法被完美量化的现象时（比如“灵魂”或“感染力”），显得有些力不从心，常常以一句“超出当前模型范围”带过，这种处理方式虽然诚实，却也暴露了科学方法论在面对艺术这种复杂系统时的局限性。
评分这本书，说实话，拿到手的时候我心里是有点打鼓的。封面设计得挺简约，黑底白字，感觉像是那种严谨的学术著作，我当时在寻找一本能让我放松、在闲暇时能作为背景读物的书。翻开第一页，映入眼帘的是一连串复杂的数学公式和物理图表，那一刻我几乎想把它重新塞回书架。我期待的“音乐的科学”更偏向于讲述贝多芬的创作灵感或是某个作曲家背后的轶事，而不是深入到声波的傅里叶分析和人耳听觉的非线性响应机制。这本书显然完全跳脱了我的预设轨道，它似乎在用一种近乎偏执的精确性，试图将音乐中那些飘渺、感性的部分，硬生生地塞进冰冷的逻辑框架里。我花了好大力气才适应这种阅读节奏，它要求你不仅仅是用眼睛看，还得用大脑去“听”那些被量化的振动。我承认，当我终于理解了某个特定的和弦是如何在物理层面上构建出它所带来的情感张力时，那种豁然开朗的感受是极度震撼的，但这个过程无疑是漫长且需要极高耐心的。它绝对不是一本适合在睡前翻阅的书籍，更像是需要一个安静、光线充足的午后，配上一杯浓缩咖啡，才能勉强跟上作者的思路。我对它整体的评价是：它成功地证明了音乐的科学性，但代价是牺牲了大部分的“可读性”。
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