中国美术

页数:128

出版时间:2008-6

价格:40.00元

isbn号码:9787501183838

具体描述

《中国美术》集中展示近年来我国艺术家在美术创作上的实绩，所选的作品都出自当代比较有成就的美术家之手，也有中青年艺术家的作品。本辑以当代名家文献、学术关注、艺术论坛、视野•文本、院校巡礼等多种形式来解读当代中国美术的名家名品，及其作品赏析之感。

用户评价

我过去读艺术类书籍，常常会因为语言过于书面化或术语堆砌而感到疲惫，但这本书的叙事节奏感非常强。它非常善于在关键节点设置情绪的转折点。比如，在讲述清代中期海派艺术兴起之前，作者用了相当大的篇幅去描绘当时文人阶层在文化受压抑状态下的精神困境，那种笔触带着一种近乎小说般的张力，让你对后来的艺术解放产生了强烈的期待。然后，当讨论到某位创新画家的出现时，那种描述是迸发性的，充满了赞美和推崇，仿佛作者本人就是那个时代的见证者。这种充满激情和温度的文字，使得原本可能枯燥的断代史叙述变得生动可感。它成功地将艺术史从冰冷的年代划分中解救出来，赋予了每一个时期和每一位艺术家鲜活的生命力。读完之后，我感到一种精神上的充盈，仿佛自己也参与了一场漫长而壮丽的文化旅程。

说实话，我拿到这本厚厚的书时，心里是有点犯怵的。我自认为对艺术史略知一二，但更多的是停留在对名家名作的脸熟阶段。这本书的结构非常宏大，它似乎试图构建一个完整的中国艺术时间轴，但它处理历史脉络的方式极其精妙，没有那种流水账式的罗列。我特别欣赏它对不同媒介之间交叉影响的论述。比如，书中有一章专门分析了宋代瓷器上的纹饰图案，是如何反过来启发了元代文人画中对竹石的描绘手法，这种跨门类的比较分析，极大地拓宽了我的视野。作者的语言风格极其凝练，偶尔会冒出一些令人拍案叫绝的比喻，比如形容唐代仕女画的雍容华丽是“盛世气象凝固在绢帛之上”。但同时，它对具体作品的描述也毫不含糊，细节丰富到让你感觉仿佛就站在那个展厅里，能闻到颜料和老纸张混合的味道。读完对某一时期风格的介绍后，我常常会立刻起身，打开电脑去搜索书里提到的那些原作图片，那种发现新大陆般的惊喜感，是阅读体验中非常宝贵的一部分。

这本书给我的整体感觉是，它是一位经验老到的策展人，而非仅仅是历史记录者。它在梳理历史的同时，非常注重批判性思维的引导。我尤其喜欢其中几处对“主流审美”的反思性讨论。书中没有一味地歌颂某个时期的辉煌，而是坦诚地指出了不同流派之间存在的张力与矛盾。例如，在讨论明清之际“四王”的摹古之风时，作者没有简单地贴上“保守”或“僵化”的标签，而是深入剖析了这种现象背后的时代背景和文人心理需求，将其置于更广阔的社会文化语境中进行解读。这种深度和平衡感，让这本书读起来非常扎实，充满了思辨的乐趣。对我这样一个追求知识深度而非广度的读者来说，这种能引发我继续探究的“钩子”太重要了。它不是直接给出标准答案，而是提供了一套思考的工具和框架，让我学会如何自己去辨析艺术的价值与局限。

这本书的封面设计着实引人注目，那种深邃的黛青色调搭配着鎏金的字体，散发出一种古典而又沉稳的气息。我翻开扉页，首先映入眼帘的是一幅大幅的古代山水画摹本，笔触之细腻，墨色之浓淡变化，简直让人呼吸都为之一滞。我本来是抱着随便翻翻的心态，想找点轻松的读物，没想到这本书的开篇就给我上了一课。它似乎没有急着去介绍某个朝代的风格，而是从“意境”这个抽象的概念入手，探讨了中国传统绘画中“气韵生动”的精髓。作者的笔法非常学术，大量引用了古代画论，比如顾恺之的“传神写照”理论，以及董其昌关于“南北宗”的划分，读起来颇有些挑战性，需要我时不时停下来，查阅一些背景资料，才能完全领会其中深层含义。不过，正是这种深度，让我感觉自己不是在看一本简单的图册，而是在进行一场跨越千年的艺术对话。它不仅仅展示了“看”画，更教我如何“读”画，去体会画家在挥毫泼墨时，心中所承载的哲学思考和人生感悟。这种对艺术精神内核的挖掘，远超出了我预期中对于一本艺术史读物的认知。

阅读体验中，这本书的排版和选图质量是值得称赞的。要知道，一本谈论视觉艺术的书，如果插图质量不行，那简直是致命伤。这本书的印刷色彩还原度极高，即便是那些对色彩要求苛刻的宋徽宗赵佶的工笔画，其微妙的冷暖过渡也得到了很好的体现。但我发现，它在配图的选择上，有一个非常独特的倾向——它不仅仅是放了那些“名声在外”的杰作，还穿插了许多相对小众但具有重要学术价值的器物或壁画片段。比如，书中有一页专门分析了敦煌壁画中“飞天”造型的演变，旁边配的小图是某处石窟中一个不为人注意的供养人侧脸局部特写，这个特写捕捉到的那种世俗化的人间烟火气，与宏大的宗教主题形成了鲜明的对照，极富启发性。这种“大处着眼，小处着手”的选图策略，让阅读过程充满了惊喜，也让我对许多原本不曾注意到的细节产生了浓厚的兴趣。