新工笔画走兽花鸟人物图谱

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出版者:天津人美
作者:绘画
出品人:
页数:47
译者:
出版时间:2008-6
价格:53.00元
装帧:
isbn号码:9787530536896
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《新工笔画走兽花鸟人物图谱》为三人所做。每一作品三人必取精华于一体,浑然天成,山溪林瀑行云流水,人与自然刻画致深。朋友喜爱我们作品广大与精微之妙,遂送雅号“画坛三女杰”。

鉴古知今:宋元绘画的时代脉络与艺术嬗变 一、 引言:时代的镜像与艺术的演进 本书《鉴古知今:宋元绘画的时代脉络与艺术嬗变》并非聚焦于具体的绘画技法图谱,而是旨在深入剖析中国历史上一个至关重要的艺术时期——宋代至元代(约公元10世纪中叶至14世纪初)绘画艺术的内在逻辑、时代背景、审美转向及其对后世的深远影响。这一时期的绘画,不仅是文人士大夫精神世界的载体,更是社会结构变迁、哲学思潮涌动最直观的视觉记录。我们将避开对具体“工笔走兽、花鸟、人物”技法的系统梳理,转而探讨支撑这些技法背后,那宏大而微妙的时代精神。 本书的核心论点在于,宋元时期的绘画艺术,是儒、释、道三家思想交融,中央集权高度强化与文人士大夫阶层兴起共同作用下的产物。宋代推崇“格物致知”,追求对自然万物的精确描摹与理性的审视,奠定了院体画的典范;而元代在异族统治下,文人画(士人画)则成为知识分子精神避难所与身份认同的旗帜。这种从“写实”到“写意”的审美张力,构成了中国绘画史上一次深刻的哲学与艺术的转型。 二、 宋代:理性之光与“格物”的图像学 宋代绘画的辉煌,是建立在高度成熟的政治制度和对技术近乎痴迷的追求之上的。 2.1 院体绘画的制度化与科学性: 北宋的翰林图画院是国家意志的体现。其对画家的选拔与考核,充满了对技艺精湛的硬性要求。我们不会详述如何画一枝梅花,而是探讨宋徽宗对“动植物的精准性”的执着,如何塑造了院体画的“形神兼备”的理想。例如,对水禽动态的捕捉,并非仅仅是视觉的复制,而是对自然规律(物理结构、光影变化)的理性认知的外化。这种对“理”的探求,是宋代哲学思潮在视觉艺术上的投射。我们将分析宋代山水画中“高远、深远、平远”的构图法则,如何将宇宙的秩序感引入画面,体现了“天人合一”的宇宙观,而非仅是描绘风景。 2.2 文人画的萌芽与苏轼的理论革命: 北宋中后期,以苏轼为代表的士大夫开始对院体画的“尚法”(注重法度和技巧)提出质疑。本书将重点剖析苏轼提出的“论画以形似,见与鄙夫之流”的论断,这标志着中国绘画审美趣味的第一次重大转向。这种转向,强调的不是描摹的精细度,而是画家主体精神的投射——“不着色墨,已成妙手”。这种对“意”的强调,为后世文人画的抒情传统奠定了理论基石。 2.3 细密入微的物象观察:花鸟画的百科全书式呈现: 宋代花鸟画,尤其是院体的作品,具有高度的写实性。然而,本书将分析这种写实背后的观念:它不仅仅是生物学意义上的记录,更是对“物性”的尊重。例如,对不同植物在四季变化中生命力的捕捉,反映了宋人对时间流逝的敏感,以及在高度世俗化的社会中对生命细微美好的珍视。 三、 元代:士人的避世与“写意”的勃兴 元代是汉族文化遭受巨大冲击的时期,这种政治环境直接催生了绘画艺术的根本性转变。 3.1 “士不遇”:文人画的全面主导地位: 元代初期,许多前朝遗老和知识分子拒绝为异族政权服务,退隐山林或沉浸于诗词书画。绘画因此从“专业服务”转向了“自我疗愈”和“身份标识”。本书将详述“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)如何将绘画视为一种精神的“游戏”与“寄托”。他们不再追求宋人那种近乎科学的精确,而是追求“笔墨趣味”和“书卷气”。 3.2 笔墨语言的自觉与“似与不似之间”: 元代画家对笔墨本身的探讨达到了前所未有的高度。我们将深入探讨元代画家如何借鉴书法用笔来塑造物象,如“干笔皴擦”、“飞白”的运用,这些技法并非单纯描绘山石或树木的表皮,而是表达画家在创作时的心境起伏与生命节奏。倪瓒的“折枝皴”如何体现其孤傲与寂寥,黄公望的“披麻皴”如何展现山川的浑厚与内敛,都是对主体心绪的编码。 3.3 对前朝的“师承”与“反叛”: 元代绘画的理论核心是“尚古”。他们高举唐代吴道子、李思训以及五代荆浩、关仝的旗帜,但其内在精神却与初衷相去甚远。元代文人的“师古”,是一种选择性的继承——继承唐宋的“气韵”与“笔法”,却摒弃了宋代院体的“写实”与“技艺至上”的观念。本书将分析这种“反传统中的复古”是如何构建起元代士人画的独特风格。 四、 结语:风格的继承与精神的流变 宋元时期的绘画艺术,共同构成了中国古典美学的一对重要支点:宋的“格物致知”与元的“抒发性灵”。一个追求客观世界的秩序与完美,一个探索主体内心的自由与孤独。本书将总结这两大思潮如何在明清两代继续交织、衍生,直至影响近现代中国艺术的走向。我们最终会发现,对自然细微之处的关注(无论是以写实还是写意的方式),始终是中国绘画艺术永恒的主题。本书旨在提供一个理解宋元绘画深层文化与哲学土壤的框架,而非一本技法手册。

作者简介

画者三人,亦母女,亦师生,亦友朋。共同呕心十余载,超越门派与技法的束缚,自成一派。每一作品三人必取精华于一体,浑然天成,山溪林瀑行云流水,人与自然刻画致深。朋友喜爱我们作品广大与精微之妙,遂送雅号“画坛三女杰”。

纪淑文,辽宁人,1962年入辽宁艺术师范美术专业学习。以后-直担任美术专科教师,数十载舌耕笔种,桃李芳菲。教学之余,勤奋作画。作品多次参加国家、省、市美展,并获奖。1992年有作品参加全国首届花鸟画展,1995年参加世界妇女大会美展。现为北京中国画研究会会员、中国美协辽宁分会会员、锦州美协常任理事、锦州画院特聘画师。

邱皓(纪淑文长女),辽宁人、幼年从母学画、早期因酷爱雕刻艺术,考入玉雕厂从师学艺,因绘画功底较深,在同行中成为佼佼者,做出很多有新意的优秀作品。曾先后在玉雕之城岫岩和南方汕头做玉雕设计,后应母亲之邀母女三人一同研绘《罗汉图》和其他绘画作品。对花、草、树、木有独到的领晤能力,也喜表现人物。作品多次参加各级美展,现为锦州美协会员、北京中国画研究会会员。

邱月(纪淑文次女),辽宁人,幼时从母学画十余载不曾间断,后考人大连轻工业学院服装设计系(本科),大学四年,孜孜苦求,成绩优异,在校期间就获得了“大连碧海杯”全国大赛优秀奖。毕业后又有“西部风隋”在真皮标志杯全国皮草大赛中获奖,后应母亲之邀,母女三人一同研绘《罗汉图》。因画《伏虎罗汉》中的老虎,深爱老虎,静心研绘倾其所能,所画之老虎,获极佳赞誉。人物的衣裙,更是得心应手,把她对服装的认识和理解运用到绘画当中,具有独到的表现手法,作品曾多次参加各级美展,现为锦州美协会员、北京中国画研究会会员。

目录信息

志在行雄强正气思凡腾龙蛇舞奔腾开泰真自在大吉利家有宝见一村金鼠瑞年正是山花烂漫时绿波双雄众山小古树下的回忆老虎海至尊月色无边春有点香冬有点辣夏有点热秋有点疼观世音菩萨寿星山神和韵山神巡山山神惊梦山神起舞弄清影花魂蓝蜻蜒长生殿吉祥白象醒世恒言无私心自宽绿野仙踪竹林七贤深宫如花如梦神韵香透群山江山如此多娇(长卷)繁花似锦春满乾坤一夜香盛开平安富贵雨燕长相依
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读后感

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用户评价

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这本书的另一个亮点,是它似乎涵盖了非常广阔的题材范围,而且每一种题材都能做到“各美其美”。我原以为一本图谱很难面面俱到,但当我看到那些描绘北方山雀的细腻笔触,与描绘南方游鱼的灵动水墨处理形成鲜明对比时,我感到非常震撼。它没有用单一的笔法去套用所有对象。比如画飞鸟的翅膀时,那种速度感和羽轴的清晰度是需要极高控制力的;而画静物花卉时,那种对露水折射和质地软硬的区分,又是另一种截然不同的功力体现。这种“因材施艺”的创作理念,渗透在了整本书的方方面面。这让我意识到,真正的大家,是能根据描绘对象的天性,灵活调整自己手头工具和技巧的,而不是墨守成规地使用一套固定的“工笔公式”。

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坦率地说,我最初是被它的装帧吸引的,但翻开内页后,我立刻意识到我淘到宝了。这本书的排版设计非常讲究,它没有采用那种堆砌式的全页展示,而是巧妙地将不同姿态的动物或花卉组合在一起,形成一种视觉上的对话。比如,一页上可能并列展示了两种不同季节的草虫,它们的色彩对比和生命状态的差异,形成了一种耐人寻味的对比。更值得称赞的是,它对“工笔”二字的理解非常现代。它没有拘泥于传统工笔那种刻板的工整,反而在精细描绘的基础上,融入了写意的手法,尤其是在背景的处理上,常常采用留白或者极其淡雅的水墨晕染,这样既突出了主体,又让画面有了呼吸感。对于那些总觉得工笔画“太满”的读者来说,这本书无疑提供了一种全新的审美视角,它告诉你,精细并不等于拥挤,留白同样可以承载厚重的信息量。

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这本画册真是让人爱不释手!我特地找了好几本同类题材的画册对比了一下,发现它的独特之处在于对不同动物形态的观察入微。比如画狮子的时候,作者不仅抓住了它威武雄壮的神态,连毛发的蓬松感和肌肉的起伏都表现得淋漓尽致,让人感觉仿佛能触摸到那粗粝的鬃毛。再看那些花鸟,哪怕是极其细微的羽毛纹理,或是花瓣上那层若有似无的绒毛,都处理得极其考究。这已经不仅仅是“写实”了,更是一种将生命力注入笔端的“传神”。尤其让我惊喜的是,它似乎并未刻意强调某些流派的技法,而是更侧重于从自然观察中提炼出的“意境”。比如画竹子,寥寥几笔,那股清风拂过,竹叶摇曳的动态感便跃然而现,笔墨的干湿浓淡变化之间,尽显功力。对于想提高自己观察力和造型能力的爱好者来说,这本图谱无疑是一本绝佳的“现场速写本”的范本。

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我是一个对传统绘画技法有深度探究兴趣的人,这本书的价值对我来说,更体现在其对“细节处理逻辑”的梳理上。它不像有些教学书那样罗列步骤,而是通过大量的范例,潜移默化地引导读者理解“为什么这样画”。例如,在描绘鹿角或兽爪时,作者对骨骼结构和皮肤纹理的层级处理,展示了一种科学与艺术结合的严谨态度。我特别留意了书中对于光影的处理,即使是看似平面的工笔画,作者也通过细微的边缘线变化和色彩叠加,营造出了三维的空间感。这对于那些渴望突破“平面化”困境的学习者来说,简直是醍醐灌顶。它没有直接告诉你“要打光”,而是让你从成品中反推出光线是如何塑造物体的体积和质感的。这是一种更高层次的教学方式,需要读者主动去挖掘和思考。

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我非常欣赏这本书在“情绪表达”上的克制与精准。工笔画很容易走向匠气和程式化,但这本书里的作品,无论描绘的是沉睡的猛虎还是初绽的睡莲,都蕴含着一种宁静而深沉的情感。作者似乎非常善于捕捉事物“存在”的本质状态。我记得有一幅画,画的是一只正在梳理羽毛的麻雀,它的身体微微蜷曲,眼神专注,那种“活在当下”的生命状态被捕捉得无比生动。这种表达并非通过夸张的姿态,而是通过对细节的极致打磨,让观者与画中物产生一种无声的共鸣。这本图谱,与其说是一本技法指南,不如说是一本“如何观看世界”的视觉哲学书。它教会我,真正的艺术成就,是源于对所描绘对象的深切理解和尊重,而非仅仅是技巧的炫耀。

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