手绘教学与表现

出版者:天津大学出版社

作者:夏克梁 编

页数:124

出版时间:2008-8

价格:55.00元

isbn号码:9787561827253

具体描述

《手绘教学与表现:庐山百日艺术特训营师生作品集》内容简介：古往今来，凡大成者必让人敬仰。他们的智慧穿越时空普惠天下，成为人类社会不可或缺的珍贵精神财富。他们的成功之道不断被后人模仿借鉴，效果斐然。究其原因：成功有道讲方法。

成功讲方法！不一样的方法带来不一样的成功和辉煌。

西方近现代经济上的飞速发展、科技卜的巨大成功以及现代文明的进步，得益于西方社会广泛运用其哲学家孔多塞（1743～1794）、圣西门（1760～1825）、孔德（1798～1857）、穆勒（1806～1873）、斯宾塞（1820～1903）等倡导的“实证研究”方法于实验科学、社会科学及管理科学众多领域，使西方近几百年科技新成果不断涌现，社会运行模式与企业管理模式不断推陈出新。我国现行的社会主义制度就是马克思等哲学家实证研究产生出来的。实证属于哲学中的方法论与实践论范畴，是一种有效认知社会和认知自然的科学研究方法。今天的物理学、化学、生物科学、医学等，都因坚持实证、推崇实验而不断向前发展。科学发展史足以表明，许多西方科学家取得辉煌成就，都是受西方实证主义哲学的启发与指导！

然而，艺术不同于其他科学，艺术属意识范畴。艺术外表看有形有体，实则大美无形，艺术体现精神深层面的东西，艺术寻找的是一种虚与实的共鸣。科学往往是固有的、是客观的、是形而下；艺术则是非存在的、是虚幻的、是形而上。科学探索可踩巨人肩膀直达更高；而艺术借鉴他人成果有限，过犹不及，那就是莫大的失败。艺术人的灵魂跳出三界外不在五行中，在虚幻的灵魂世界中游荡；科学者脚踏实地在实实在在的尘世中寻找探索。简单说来，艺术人可以闭上眼睛搞创作，可是科学者就必须睁大眼睛看清每一个细节！艺术的产生不一定具有继承性，每个艺术人的成长主要靠自己在艺术人生中修炼、感悟与表现。艺术成功的决定因素一是创新能力，另一是表现能力。表现能力虽能借鉴些他人经验，但这些经验丝毫不能带给艺术人真正的表现能力，如你仅仅看他人画水彩画、画油画，肯定难成艺术家。王羲之也没法让他儿子王献之短期成为书法家，王献之也只有老老实实勤习苦练，以至洗笔把院中池塘洗成墨池，最后才成书法大家。字无百日功，艺术表现力必须历尽若干百日苦功！每个艺术新人都得从零开始，一笔一墨地练习与积累自己的表现经验，艺术人扎实的表现功底都是在这种日积月累苦画中笔练出来的。手上有了扎实的功夫，艺术创作自如才有可能！

艺术创作的结果更不同于科学创造的结果，科学的发明创造是目标行为或说是功利行为。明确的目标与人类社会发展功利需求吸引一代一代科学家去攻关破阵，步步逼近目标与真理。而艺术是一种非目标行为，艺术人事先往往不知道自己的艺术创作目标或结果是什么。就算有目标有命题伴随创作出的意象，结果总是大相径庭的。伟大的艺术创作往往得之于神来之笔，忽然达到结果才知道目标如斯。即使是普通大众艺术也是风水轮流转，三十年河东三十年河西。可以说艺术是时代的产物，科学则是大自然的客观实在。

追求艺术上的收获与成功得讲究方法，方法不同往往结果也不同。一般方法带来一般的成果，非一般的方法带来不一般的成就与成功。庐山艺术特训大学堂就是运用特别的方法来提升艺术人至关重要的创作力与手绘表现力。

在表现力方面我们很注重方法选择，并认定量变才能达质变。王献之书法学习阶段的勤奋与意志磨炼，使其终成书法大家给我们以很好启示。我们选择“大量的手绘表现”这一方法让学生大量地写生，师从天地自然及建筑人文。事实证明这种进行大量写生手绘的勤练苦攻，确实让学子们在艺术表现力方面得到真实有效的快速提升。

艺术大学堂对学生创造力的培养，也是依据艺术是形而上而设置了不少哲学思考课程，以便培养学子们哲学思维的头脑。方案冲击课独树一帜，头脑风暴式方案设计创新课是数千人做同一方案，破题攻擂，同一题创出上万个不同方案，神乎奇乎！数十上百人同一时问对类似景观进行写画交流融合，相互对比和参照总结，令师生们茅塞顿开，获益良多！大量方案设计表现能使大家短期内就能发现大量不同的错误，产生不同的艺术表现手法而共同提高。创作亦如此，每个人的创新力量常被数千同堂学友放大数百倍，艺术表现力与创作力得到极大提高，效果显著。从夏克梁老师主编的本作品集中不难发现，莘莘学子的功夫之扎实、创新之新颖，说明百日特训营对艺术力培养的成功已显然，值得借鉴、值得推进、值得参与。

用户评价

这本书的封面设计初见便给人一种清新的感觉，色彩的运用很大胆却又恰到好处地把握住了平衡，让人忍不住想翻开看看里面的内容。我原本以为这会是一本纯粹的绘画技巧指导手册，充满了枯燥的线条和几何图形的解析，但实际上，它在开篇就构建了一个非常引人入胜的叙事框架，仿佛是邀请读者进入一个艺术家的个人工作室，而非冰冷的课堂。作者似乎非常擅长用生活化的语言去阐述那些看似高深的艺术原理，比如他将光影的理解比作捕捉转瞬即逝的记忆碎片，将透视的运用描述成构建一个可供想象的空间迷宫。这种叙事方式极大地降低了学习的门槛，让一个对艺术抱有敬畏之心的初学者也能感到亲切和鼓舞。更值得称赞的是，书中对“手绘”这个概念的诠释非常广阔，它不仅仅局限于传统意义上的素描或彩铅，而是拓展到了对日常观察的记录和快速信息传达的工具属性上，这使得这本书的适用范围大大增加，对于设计师、产品经理甚至只是热衷于手账的普通人来说，都能从中找到共鸣和实用的方法论。

最后，这本书最让我感到惊喜的是其中蕴含的社区精神和开放态度。作者在书的末尾并没有画上一个“句号”，反而更像是一个“邀请函”。他鼓励读者利用网络平台分享自己的练习作品，并提出了许多开放性的讨论话题，比如“如何用最少的线条表达最大的信息量？”或者“数字工具与传统手绘的界限在哪里？”。这种主动建立学习者之间连接的尝试，表明作者的目标不仅仅是出版一本畅销书，而是希望孵化一个持续成长的创作群体。我感觉自己不是被动地接受知识，而是加入了一场正在进行中的对话。这种积极的互动导向，让我对未来的学习充满了期待，仿佛这本书只是一个起点，真正的探索才刚刚开始。这种引导读者成为积极参与者的教育理念，是这本书区别于其他同类书籍的宝贵之处。

读完这本书的前半部分，我最大的感受是，它成功地打破了我心中既有的创作壁垒。我一直习惯于追求“完美”的成品，这反而成了束缚我下笔的最大障碍。然而，作者在探讨“表现力”时，花了大量的篇幅去论述“不完美”的价值——那些快速的笔触、略显粗糙的线条，往往承载了更直接、更强烈的情感张力。书里有一个章节专门讨论了“情绪草图”的绘制，它不是为了展示给别人看，而是作为内心想法的快速倾泻口。这种强调过程而非结果的理念，对我产生了巨大的触动。我开始尝试在笔记本上随意涂画，不再担心比例失调或色彩冲突，仅仅是为了记录那一刻的直觉。书中提供的那些案例分析，尽管风格迥异，但都共享着一个核心思想：工具是为人服务的，技术是为了更好地表达内在的感受而存在的。这种哲学层面的引导，比单纯的技法讲解要深刻得多，它让阅读体验从“学习如何画”上升到了“如何用画来思考”的境界。

这本书的排版和视觉呈现是另一个惊喜。我见过太多图册设计得中规中矩，内容和版式互相掣肘，但这本书的编排简直就是一场精心设计的视觉盛宴。每一页的留白都处理得恰到好处，仿佛呼吸的空间，让读者的眼睛能够得到充分的休息，同时也让那些精选的示范作品得以“呼吸”。特别是那些跨页展示的“慢镜头”步骤分解，作者不仅展示了最终效果，还将创作过程中的犹豫、修改、推翻重来的痕迹都清晰地保留了下来，这种透明度非常罕见。它揭示了艺术创作背后那种反复推敲的真实状态，而不是那种一蹴而就的神话。这种对“幕后花絮”的展示，极大地增强了读者的代入感，让我们相信，那些令人惊叹的作品背后，同样充满了挣扎和探索，从而使我们自己也敢于踏入探索的行列。

这本书的知识体系构建得非常严谨，它不像市面上某些教程那样只停留在表层的技巧堆砌。它很巧妙地将西方艺术史中的一些基础概念，比如结构分析和光影关系的经典理论，融入到现代手绘的实践案例中。举例来说，在讲解如何快速绘制一个复杂物体时，作者会穿插提到文艺复兴时期画家对人体结构的解剖学研究，这种跨领域的知识嫁接，让读者在学习技巧的同时，也潜移默化地接受了更深层次的艺术熏陶。我发现，当我对一个物体的结构有了更本质的理解后，我下笔时那种“凭感觉乱画”的焦虑感就减轻了许多，取而代之的是一种基于理解的自信。这种深入本质的教学方法，保证了读者即使在离开这本书后，所掌握的知识体系依然稳固，而不是随着时间流逝而遗忘那些孤立的技巧点。

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