中國古典美學史（三冊）

出版者:華正書局有限公司

作者:陳望衡

页数:0

出版时间:90/08/01

价格:NT 800

isbn号码:9789575800833

用户评价

我一直以为，中国古典美学是古代文人的专属，是一种高高在上、难以企及的艺术。然而，《中国古典美学史（三册）》彻底改变了我的看法。它让我明白，中国古典美学其实是深深根植于我们民族的文化土壤，渗透在日常生活的方方面面。书中对“五伦”之美的探讨，让我思考了家庭、社会关系中的和谐与美感。对“节制”之美的分析，让我看到了中国古典文化在行为规范、情感表达上的含蓄与内敛，这与西方文化的奔放热烈形成了鲜明对比，却别有一番韵味。书中还提到了“物尽其用，人尽其才”等朴素的哲学观念，这些观念同样是中国古典美学的重要组成部分。读这本书，我仿佛在与中国的祖先进行一场跨越时空的对话，感受他们对生活、对自然、对人生的独特理解和热爱。这种“接地气”的美学，让我觉得亲切而又充满力量。

这套《中国古典美学史（三册）》带给我的冲击是多方面的，尤其是在对中国传统艺术的理解上，可以说是“颠覆性”的。我一直以为，中国古典艺术就是文人墨客在书斋里吟风弄月、挥毫泼墨的产物，是一种相对小众、阳春白雪的范畴。但通过这本书，我才明白，原来中国古典美学早已渗透到社会生活的方方面面，从建筑的规制、园林的布局，到服饰的纹样、器物的造型，无不蕴含着深刻的审美哲学。书中对“天人合一”思想在园林艺术中的体现，让我印象深刻。那些移步换景、曲径通幽的江南园林，并非简单的堆砌山石、栽植花木，而是模拟自然，追求人与自然的和谐统一，让观赏者在其中感受到一种宁静致远、超然物外的意境。这种将哲学思想融入艺术实践的智慧，真是令人叹为观止。同时，书中还探讨了音乐、戏曲等表演艺术的美学特质，从《诗经》的“乐而不淫，哀而不伤”，到昆曲的“水磨腔”，都展现了中国古典艺术在情感表达上的细腻与含蓄，以及对人情世故的深刻洞察。

这套《中国古典美学史（三册）》的书籍，让我对“美”这个概念有了更深刻、更立体的理解。我以往总以为美就是外在的赏心悦目，是形式的和谐统一。然而，通过这本书，我才了解到，中国古典美学更注重内在的精神追求，更强调“韵味”和“意境”。书中对“虚实相生”的探讨，让我看到了中国古典艺术独特的哲学智慧。例如，在一幅山水画中，画家往往会留下大片的空白，这些空白并非是“无”，而是“有”的延伸，是给观者留下想象的空间，让观者通过自己的情感去填补，去感受。这种“留白”的艺术，恰恰体现了中国古典美学“言有尽而意无穷”的特点。这种对“意”的强调，也延伸到了文学作品中，许多诗歌和文章，表面上看语言朴素，但却蕴含着深邃的情感和哲理，需要读者反复品味才能体会。

这本书简直是打开了我对中国古典美学认知的大门，虽然我只是一个普通的文学爱好者，平时也涉猎一些古籍，但总觉得对那些诗词歌赋、绘画书法背后的精神内核隔了一层纱。这套《中国古典美学史（三册）》恰恰补足了我这方面的知识空白。它的结构非常清晰，从哲学思想、宗教信仰等宏观层面，到具体的艺术形式、审美范畴等微观层面，都进行了深入浅出的阐释。我尤其喜欢书中对于“意境”的探讨，书中不仅仅是简单地罗列了历代文人的意境之作，更是追溯了“意境”这个概念的哲学渊源，从道家的“虚静”、“气韵生动”到佛家的“空”、“禅”，再到儒家的“仁”、“礼”，都与中国古典美学中的“意境”有着千丝万缕的联系。书中还穿插了大量的经典作品分析，比如从《诗经》的质朴到《楚辞》的瑰丽，从唐诗的盛放与变化到宋词的婉约与豪放，再到元曲的俚俗与洒脱，每一种风格的演变都与当时的社会思潮、文化背景紧密相连，让我读来不仅是欣赏美，更是理解美，品味美背后深沉的历史积淀。虽然我没有完全读完，但仅仅是翻阅其中的几章，就足以让我对中国古典美学产生了全新的敬畏之心，它不再是遥不可及的象牙塔，而是融入生活、滋养心灵的活态文化。

这套《中国古典美学史（三册）》给我的感受是，它不仅仅是“史”，更是“观”。作者并非仅仅是在罗列历史事实，而是在引导读者去“观看”中国古典美学的“神”与“魂”。我尤其喜欢书中对“诗画同源”的论述。通过对历代诗歌与绘画作品的对照分析，我才真正领会到，为什么中国古代文人常说“诗中有画，画中有诗”。那种意境的营造，情感的传达，往往是共通的。书中对王维的山水画与诗歌并论，张择端的《清明上河图》所展现的市井生活气息，都让我看到了诗与画之间那种“形神兼备”的默契。这种“神”的捕捉，不仅仅在于形体的逼真，更在于捕捉那种无形的情感、意念和生命力。作者通过对大量作品的细致解读，让我仿佛置身于古代的文人雅集，与他们一同品味诗书，感悟人生，理解艺术的真谛。

如果要用一个词来形容阅读这套《中国古典美学史（三册）》的感受，那就是“豁然开朗”。我之前对中国古典美学总是有种朦胧的认识，知道它很美，但具体美在哪里，如何美的，却说不清楚。这本书就像一盏明灯，照亮了我心中的迷雾。它系统地梳理了中国古典美学的发展脉络，从先秦诸子百家的哲学思考，到魏晋玄学的风骨，再到宋明理学的内涵，以及佛教禅宗对艺术的影响，层层递进，条理清晰。我特别欣赏书中对“骨与肉”、“魂与魄”等概念的阐释，这些概念看似抽象，却在中国古典艺术中扮演着至关重要的角色。例如，书法中的“骨”是指笔画的筋骨，而“肉”则是指墨色的浓淡和笔锋的起伏，两者结合才能形成苍劲有力、神采飞动的作品。这种对艺术要素的精妙剖析，让我对中国古典艺术的欣赏上升到了一个全新的层次。

坦白说，我是一个非常注重“体验感”的读者，对于那些枯燥乏味、理论堆砌的书籍，很容易望而却步。而这套《中国古典美学史（三册）》恰恰是我所喜欢的类型。它的语言风格流畅自然，仿佛是一位博学的朋友在与你分享他的心得。书中穿插了大量的文学作品、绘画作品、书法作品的赏析，让我仿佛身临其境，与古人一同感受美的力量。我尤其喜欢书中对“乐感”的论述，它不仅仅是指音乐的音韵之美，更是指一种超越感官的、对人生境界的体悟。从《诗经》的“关关雎鸠，在河之洲”的男女之情，到陶渊明的“采菊东篱下，悠然见南山”的隐逸情怀，都蕴含着一种独特的“乐感”，一种对生命状态的肯定与升华。这种对“乐”的追求，并非简单的快乐，而是包含着一种对生命意义的探索和对宇宙和谐的向往。

不得不说，这套《中国古典美学史（三册）》的编纂是极具匠心的，它不仅仅是对中国古典美学概念的梳理，更是一场跨越时空的文化对话。我之所以这么说，是因为书中在阐述某个美学范畴时，往往会将历代不同时期、不同流派的观点进行对比和融合，从而展现出中国古典美学发展的复杂性和动态性。例如，在讨论“留白”的艺术时，书中不仅分析了中国画中的留白如何营造意境、引发联想，还追溯了它与中国哲学中“无为而治”、“大道至简”等思想的关联。同时，书中也对比了西方艺术中“满”的追求，通过这种跨文化视角的碰撞，更能凸显出中国古典美学独特的价值和魅力。我特别喜欢书中对于“雅俗共赏”的讨论，它打破了“高雅”与“通俗”的二元对立，认为真正优秀的艺术作品，既能满足文人的精神追求，也能被大众所理解和喜爱，比如唐诗中的许多佳作，既有深邃的哲理，又有朗朗上口的韵律。这种对艺术生命力的认识，非常具有启发性。

在我看来，这套《中国古典美学史（三册）》不仅仅是一部学术著作，更是一本“生活美学”的指南。它让我意识到，我们日常生活中接触到的许多事物，其实都蕴含着中国古典美学的智慧。比如，书中关于“器物之美”的探讨，让我重新审视了身边的瓷器、玉器、家具等。那些看似简单的器物，其造型、纹饰、材质，都体现了中国古人对和谐、秩序、自然的追求。一件钧瓷的釉色变化，一件青铜器的庄重纹饰，都仿佛在诉说着一段历史，一种文化。这种对生活器物的细致观察和品味，正是古典美学“于细微处见真章”的精神体现。此外，书中还涉及了建筑美学，特别是古代建筑中的“斗拱”、“飞檐”等细节，不仅仅是技术上的精巧，更是对力学美、空间美、装饰美的完美结合。读完这些章节，我走在街上，看到古建筑，都会不自觉地多一份欣赏和思考，仿佛与古人的审美世界产生了共鸣。

说实话，一开始拿到这套《中国古典美学史（三册）》的时候，我其实是抱着一种“旁观者清”的心态去浏览的，毕竟自己并非专业研究者，对“美学”这两个字本身就带有一丝距离感。然而，这本书的语言风格却出人意料地平易近人，丝毫没有那种晦涩难懂的学术腔调。作者似乎非常懂得如何将复杂的理论化繁为简，用一个个生动的例子、一段段引人入胜的叙述，将中国古典美学的演变过程娓娓道来。我特别欣赏书中对于“气韵生动”的阐释，它不仅仅是一个艺术评论的术语，更是贯穿在中国古典绘画、书法、诗歌中的一种精神追求。书中通过分析顾恺之、张僧繇等画家的作品，以及王羲之、颜真卿等书法家的笔墨，我才真正理解了“气韵”二字的妙处——它是一种生命力的流动，是一种内在精神的张扬，是超越形迹的灵魂的呼唤。这种对“神”的追求，也体现在了诗歌中，比如李白的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，那种壮丽的景象，不仅仅是视觉的震撼，更是作者内心磅礴情感的抒发。这本书让我意识到，中国古典美学并非是死的教条，而是鲜活的生命体验，是一种对自然、人生、宇宙的深刻感悟。