具体描述
Insightful, in-depth and evocative, this 2009 book is a collection of conversations with nine of the most innovative theatre directors of our time in Europe and North America: * Eugenio Barba * Lev Dodin * Declan Donnellan * Elizabeth LeCompte * Robert LePage * Simon McBurney * Katie Mitchell * Peter Sellars * Max Stafford-Clark. All these directors have developed their own highly individual theatre language and have been influential, nationally and internationally, across a wide range of theatre practices. The length, depth and scope of the discussions distinguishes this collection from others, each director providing a fascinating insight into his/her particular working processes. The book reveals the complex world of directors and their creative relationships with actors, in rehearsal and performance, and playwrights. Each conversation is framed by an introduction to the work of the director, a detailed chronology of productions and an indicative bibliography to inspire further reading and research.
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读后感
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用户评价
这本书简直是电影制作爱好者的圣经！我刚翻开前几页就被深深吸引了。作者以一种近乎散文诗的笔调，探讨了导演在创作过程中的心路历程，那种对光影、对演员情绪的极致追求，简直让人热血沸腾。它不像那种枯燥的理论教科书，反而更像是一场与大师们的深度对话。书中对于早期默片时代导演如何仅凭视觉语言讲故事的剖析，尤其精彩，那种纯粹的叙事力量，在今天的数字时代几乎难以重现。我特别喜欢作者对“场面调度”这个概念的重新定义，他强调的不是简单的走位，而是一种内在的节奏感和能量场的控制。读完关于调度那一章，我感觉自己对《公民凯恩》的理解又上了一个台阶，那种空间感和时间感的交织，不再是模糊的印象，而是清晰可感的技法体现。这本书的排版和配图也十分考究，很多经典的电影截图被巧妙地用作分析的论据，使得枯燥的理论瞬间变得生动起来。它让我开始重新审视那些耳熟能详的经典镜头，试图去解码导演藏在景深和焦距背后的每一个决策。
评分我被这本书里对演员引导部分的描述深深打动了。很多关于表演的书籍往往从演员自身角度出发，但这本书却完全站在一个调度者、一个场景构建者的角度，去分析如何“激发”而非“指导”出令人信服的表演。作者用了大量的篇幅来描述如何在片场营造一种安全、信任的氛围，让演员能够释放出最真实的情感。他提到一个非常有趣的观点：最好的导演是最好的倾听者，因为他们需要捕捉到演员即兴发挥中的“火花”。书中对非语言交流的分析尤其细致入微，比如一个眼神的停顿，一次不经意的肢体动作，在导演的剪辑选择下如何被放大成决定性的情感爆发点。我合上书后，再去观看那些注重群戏的电影时，注意力明显被引导到人物之间的微小互动上，感受到了更深层次的张力。这本书不教你如何表演，但它教你如何“看见”表演的发生。
评分这本书最让人耳目一新的是它对“风格化”的探讨。作者并没有将“风格”简单等同于视觉上的奇特或前卫，而是将其视为导演世界观的必然外化。他深入分析了那些具有强烈个人印记的导演，比如如何通过特定的景别运用、机位选择，来完成对叙事主题的隐喻。我尤其欣赏作者对“留白”艺术的推崇，他认为一个伟大的导演懂得何时应该抽身退后，让画面自己说话，而不是过度干预。书中有一段讨论到剪辑点的选择，指出有些时候，一个不完美的镜头如果放在那个特定的时间点上，反而比一个技术上完美的镜头更具情感冲击力。这种对“不完美之美”的追求，体现了作者极高的艺术鉴赏力。这本书读完后，我不再满足于“看电影”，而是开始带着一种审视艺术品的眼光去“分析电影”的结构和意图，极大地提升了我的审美层次。
评分说实话，这本书的视角非常独特且尖锐，它毫不留情地揭示了光环背后导演的挣扎与妥协。我原本以为这是一本鼓舞人心的“如何成为大师”的指南，结果发现它更像是一本关于“如何在商业洪流中保持艺术完整性”的实战手册。作者花了大量篇幅讨论剧本的修改过程，以及导演如何在制片方的巨大压力下，保住自己最初的愿景。其中关于与摄影指导（DP）合作的部分，简直是教科书级别的案例分析。他没有停留在“和DP沟通光线”这种表层叙述，而是深入到色彩心理学和镜头语言哲学的层面，探讨如何用统一的视觉风格去烘托人物的内心世界。我特别欣赏作者对叙事节奏的把握，他通过对比几部风格迥异的电影，展示了如何在三幕剧结构内进行弹性处理。这本书的价值在于，它强迫你思考：一个伟大的镜头，究竟是自然流露，还是精心算计的结果？它让我意识到，很多时候，导演的伟大，在于他知道“不做什么”。
评分从技术层面上讲，这本书的资料收集简直是令人叹为观止的浩瀚工程。它跨越了媒介和时代的界限，从早期的戏剧舞台调度，到后来的电视电影制作，再到如今的流媒体短剧，作者总能精准地找到不同时代下导演面临的核心挑战及其解决之道。我尤其关注了其中关于“后设叙事”的章节，作者梳理了从戈达尔到昆汀等一系列导演如何运用自我指涉的手法来解构电影本身。这种跨学科的视野，让这本书的厚度远超一般的电影理论书籍。它更像是一部关于“结构性思维”的指南，教你如何在看似混乱的创作现场，建立起一套稳固的艺术逻辑框架。阅读过程中，我频繁地停下来，查阅作者提到的那些晦涩难懂的术语和概念，每查一个，都仿佛打开了一个新的知识宝库。这无疑是一本需要反复精读，并且需要搭配大量影碟一同研习的著作。
评分舞台导演，舞台监督的对话和其他关于编导的周边。
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评分舞台导演，舞台监督的对话和其他关于编导的周边。
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