大提琴视奏教材（第四册）

作者:潘民宪

页数:143

出版时间:2008-9

价格:25.00元

isbn号码:9787536053700

具体描述

《交响乐演奏大提琴重点困难片段(第4册)》是一套为专业大提琴演奏者在参加交响乐演奏工作前的预备练习，同时又可作为音乐院校大提琴专业的学生接触交响乐演奏的练习教本。它包罗了报考世界各国交响乐团必考的一些交响乐经典片段，也是方便业余大提琴爱好者学习演奏交响乐的预习教材。

近年来，随着我国社会经济、文化等方面的进步，交响乐事业也有了大力的发展。我们这些长期从事交响乐的音乐工作者由衷地感到高兴，很想为我们的交响乐事业做点儿什么。这也是我选编这套“练习教材”的初衷。再则：多年来国内外众多的音乐教育家一再呼吁“我们的音乐院校要加强学生的乐队合奏能力，培养大批合格的交响乐演奏人才”，由此我萌生选编一套“练习教材”的想法，尽自己微薄之力，也算是对“呼吁”的响应。

通过在交响乐团三十多年的工作经历，我深切地感受到，要成为一名合格的交响乐演奏员，除了要具有良好的音乐教育、音乐素养和技术水平外，大量的案头预备工作是必不可少的。这套“练习教材’’其实也是我多年来的“工作练习谱”。

用户评价

这本书的编排逻辑，简直可以称得上是教科书级别的严谨。它不是那种“今天练这个，明天练那个”的随意组合，而是有着清晰的“螺旋上升”的学习路径。每一章节的难度递进都设计得非常平滑，即便是在跨越不同技术区段时，作者也用一些过渡性的乐曲作为桥梁，确保学习者能够平稳过渡，而不是在某个技术点上突然“卡壳”。我个人最欣赏它对“视奏”这个主题的诠释。视奏能力往往是业余学习者最薄弱的一环，很多人能背谱拉得不错，但一拿新谱就手忙脚乱。这套教材在设计时显然是把“即时反应”纳入了核心考量，它要求你在保持稳定节奏的同时，对不熟悉的调性、复杂的指法提前预判，这种训练是潜移默化的。我试着按照书中的顺序进行练习，明显感觉到自己在面对新乐谱时的焦虑感降低了，这才是教材真正的价值所在。

这本书的封面设计简直是点睛之笔，那种沉稳的墨绿色调，配上烫金的字体，一下子就将我的思绪带入了古典音乐的殿堂。我是一个多年的大提琴爱好者，虽然不是专业人士，但对乐谱的理解和指法的精进一直是我孜孜不倦追求的目标。翻开第一页，那种纸张的触感就让人心生敬意，厚实而又不失细腻，显然在装帧上是下足了功夫的。我特别留意了它排版上的细节，谱号、小节线、指位标记都清晰可见，即便是面对一些复杂的和弦转换和高把位演奏的片段，视觉上的压力也减轻了不少。很多教材为了追求内容容量，常常把乐谱挤得密密麻麻，但这本教材显然走的是精品路线，留白得当，让人在学习过程中能保持专注，而不是被信息过载淹没。初看目录，内容涵盖了从巴赫的无伴奏组曲选段到一些近现代的练习曲目，这表明编者对大提琴学习的各个阶段都有着深刻的理解和考量，这种全面性让人对后续的学习充满了信心。

这本书的选曲眼光实在是太独到了，它不像有些教材那样堆砌大量耳熟能详的练习曲，而是巧妙地将技术训练与音乐性培养结合起来。我发现其中穿插了许多在音乐会上很少被演奏，但对提升演奏技巧却至关重要的“冷门”乐段。比如，有几段关于连奏（legato）的练习，它不是简单地要求你拉长音符，而是通过特定的音程组合和弓法变化，强迫你去感受和控制弓毛与琴弦接触点的微妙变化，这对于我这种经常在“拉出声音”和“拉出音乐”之间徘徊的学习者来说，简直是醍醐灌顶。而且，作者在一些技术难点旁边，还附带了极其简洁却一针见血的文字提示，没有冗长的大道理，全是实操层面的指导，比如“将右手手腕抬起0.5厘米，感受击弦的力量转移”之类的，这种精确的指导，比我自己摸索半天要有效得多。我敢肯定，每一个认真对待自己演奏的琴人都能在这些细节中找到突破口。

从纯粹的“使用体验”角度来说，这本教材的实用性简直是无可挑剔。我习惯在练习时使用乐谱架，很多大开本的教材放在架子上会很不稳定，要么封面翘起，要么书页容易合拢。但这本教材的装订工艺似乎考虑到了演奏者的实际需求，它能够相对平整地展开，即便是需要大幅度翻页的部分，书页也相对“服帖”，这极大地减少了练习被打断的频率。此外，它没有过度依赖数字标记，而是鼓励学习者去“听”和“感觉”音乐，这对于培养真正的大提琴家至关重要。很多现代教材把所有的指法、弓法都标注得密密麻麻，反而扼杀了学习者对音色的自主探索。这本书的克制与专业，恰到好处地平衡了指导性与启发性，使得每一次打开它，都像是在与一位经验丰富的大师进行私密探讨。

如果非要我挑出一些让我感到“惊喜”的地方，那一定是它在拓展大提琴表现力维度上的努力。许多教材，包括我以前用过的几本著名的外文教材，往往将重点放在了“把音拉准、把节奏拉稳”的基础功上，但真正能将大提琴那浑厚、深沉、充满歌唱性的音色发挥出来的篇章则相对较少。这本《大提琴视奏教材（第四册）》中，我惊喜地发现了几段对音色变化（Timbre Change）有着明确要求的练习。这些练习不是让你去炫技，而是让你学会如何通过细微的弓速、弓压和接触点变化，来模拟人声的起伏、颤抖乃至叹息。它教会我，大提琴不仅是一种乐器，更是一种能够承载深厚情感的“声音的载体”。阅读这些章节时，我甚至能想象出指挥家在听到这些练习时，对演奏者音色处理的期望值。这已经超越了一般的“教材”范畴，更像是一部关于大提琴美学哲学的精简论述。