水粉人物写生

出版者:人民美术出版社/福建美术出版社

作者:徐志坚

页数:80

出版时间:2008-11

价格:35.00元

isbn号码:9787539320243

具体描述

《水粉人物写生》讲述了：水粉人物写生，是美术专业学生继素描写生中对形体塑造的基本了解和风景、静物写生中对色彩关系的基本认识之后，所进行的较复杂的形与色的综合训练。水粉在材料性能上具有便捷、明快、挥洒自如等特性，其运作快捷的特点，使之善于表达炽热的感受；快干的性能，使之在色彩的技巧表现上有较大空间，同时也便于画理方面的经营。所以，水粉写生是步入人物色彩训练阶段的习画者了解和认识色彩的有效学习途径。但是，由于水粉颜料干湿变化较大，色彩较难把握，容易造成灰、粉现象，而水溶性颜料与纸质材料特性也要求水粉画不宜多次复改，运作起来有一定难度。

在水粉写生的实践中我们可以发现，过于感性的激情绘画，容易因挥洒不羁造成画面紊乱（尤其是初学者），而过于理性的刻画雕琢，又常因欠缺热情而使画面疲乏。欲求得画面充满感性灵机又不失艺理经营之两全，笔者在感性与理性的融合上做了一个尝试，将整体写生运作过程分为两个阶段，即观察、效果拟设阶段与表现运作阶段。寄激情于前阶段，注理性于后阶段，一句话：以“感性的眼睛和理性的笔”作画，既可避免即兴挥洒的不周，亦可在理性运作中彰显感性灵机，多年来已成为自我习画的模式。《水粉人物写生》就笔者长期习画与教学中的点滴经验和体会，将有关水粉写生中的一系列思考归纳为七个方面进行阐述，即水粉写生的任务与目的、作画材料与工具、整体观察与效果设定、作画基本步骤、绘画语言要素与画理、表现技巧与方法、艺术倾向性语言。其中着重介绍水粉写生的思维方式、作画方法以及绘画语言的运用，提出水粉人物写生的基本训练法则，强调艺术表现应从物象的客观美感因素出发，通过主观意识的理解，如实反映个人的内心感受，使审美的主、客观因素在艺术表现中得到有机融合。

用户评价

这本《水粉人物写生》实在是让人耳目一新，特别是对于我这种刚入门的新手来说，简直就是一本救星。我之前尝试过几本其他的素描和色彩入门书，但总觉得那些理论说得太玄乎，实际操作起来总感觉不得要领。这本书的厉害之处就在于它的实践性极强。它没有一上来就抛出一堆复杂的解剖学知识，而是非常贴心地从最基础的“形体搭建”入手。作者用了大量的篇幅来讲解如何用最简单的几何形体来概括复杂的人体结构，这一点对我帮助太大了，它一下子就把人物写生那种高不可攀的感觉拉了下来。我尤其喜欢其中关于“动态捕捉”那一章，里面细致地分析了不同姿势下身体重心的转移和肌肉的拉伸变化，配上的示范图清晰到仿佛能触摸到模特骨骼的走向。我按照书里教的方法试着画了几次，虽然离大师水平还差得远，但至少我能感觉到自己画的人物开始“站稳”了，不再是那种僵硬的火柴人形象。而且，书中对于光影的运用讲解也非常到位，它不是简单地告诉你“这里是亮面，那里是暗面”，而是深入剖析了光线如何与皮肤的曲面发生关系，从而产生了微妙的色彩过渡。这让我开始真正理解“色彩”在表现体积感中的作用，而不是仅仅停留在“涂颜色”的层面。可以说，这本书为我打开了一扇通往真正人物绘画的大门，非常推荐给所有感到迷茫的初学者们。

我是一名专注于插画设计的工作者，对于传统学院派的写生训练往往感到有些脱节和冗余。这本书《水粉人物写生》之所以吸引我，是因为它在传统水粉媒介的基础上，大胆地引入了许多现代设计学的思维模式。它对“色彩构成”的讲解，完全是从信息传达和视觉冲击力出发的。书中有一章专门讨论了如何在有限的色域内制造出最大的“视觉张力”，这对于需要快速抓住读者眼球的商业插画而言，简直是金玉良言。作者用大量案例展示了如何利用水粉的“透明度”和“覆盖性”来模拟不同材质的皮肤质感——比如老人皮肤的松弛感和儿童皮肤的光洁感，只需要调整水与颜料的比例，就能得到惊人的效果。最让我感到兴奋的是，它探讨了如何通过水粉的“边缘处理”来划分画面的主次信息层级。清晰锐利的边缘用于刻画焦点人物的特征，而柔和、水渍化的边缘则用于虚化背景或烘托气氛。这种明确的“视觉层级划分法”，让我对水粉的表现力有了全新的认知，它不再只是古典艺术的工具，更是现代视觉叙事中强有力的武器。

说实话，这本书给我的感觉是，它更像是一本精心编辑的“艺术家笔记合集”，而非传统意义上的教材。我购买这本书的初衷是想学习如何快速捕捉人物瞬间的神态，特别是那些转瞬即逝的“情绪切片”。这本书在这方面的处理方式非常高明，它摒弃了标准化的摆拍练习，转而聚焦于那些生活化的、带有强烈故事性的速写场景。例如，其中有一组关于“等待中的姿态”的分析，作者通过对五位不同年龄、不同职业的人的速写对比，总结出“焦虑”、“疲惫”、“期待”等情绪在骨骼和肌肉上的微妙投影。我发现，相比于对着静物写生，这本书激发了我对“观察生活”的极大热情。它教会我，人物写生不只是画出眼睛、鼻子、嘴巴，而是要捕捉那个生命体在特定时间点所散发出的“氛围”。书中还穿插了一些作者在不同城市写生时的随笔，这些随笔虽然看似与技法无关，但却极大地丰富了我的创作背景。我甚至能从那些略带模糊的铅笔稿和晕染的水痕中，感受到作者当时的气候和心境。这本书的价值在于，它成功地将“技法训练”与“生命体验”进行了完美的嫁接，让学习过程充满了探索的乐趣。

这本书的装帧设计本身就体现了极高的品味，厚实的纸张，精确的色彩还原，这一点对于一本学习水粉技术的书来说至关重要，因为色彩的偏差会直接误导学习者。但抛开精美的印刷不谈，真正让我感到震撼的是作者对“结构内在逻辑”的拆解能力。不同于市场上那些只关注外形描摹的书籍，这本书深入挖掘了“骨骼运动如何牵动皮肤表面的褶皱和张力”。它用了大量的解剖学示意图，但这些图表都被巧妙地融入了水粉的晕染效果中，使得原本枯燥的科学知识变得生动起来。比如，在表现人物侧脸的颧骨和下颌线时，作者详细展示了如何通过控制颜料的“渗透压力”来表现骨骼的坚硬感与皮肤的柔韧性之间的对比。更重要的是，书中对于“失焦”与“聚焦”的理解非常深刻。作者强调，完美的写生并不在于将每一个细节都描绘得淋漓尽致，而在于懂得如何“省略”。他指出，通过放弃对某些次要结构的精确描绘，反而能将观者的注意力更强力地引导到那些被精心刻画的核心区域。这种“减法”的哲学，极大地提升了我对人物造型的整体把控能力，让我意识到，真正的写生高手，都是最懂得取舍的艺术家。

我是在寻找一些关于古典油画技法在现代绘画中应用的资料时偶然接触到这本书的，虽然书名是《水粉人物写生》，但它的理论深度远远超出了我对普通水粉技法的预期。这本书的论述结构非常严谨，更像是一本关于“视觉感知与结构重构”的专著，而不是一本单纯的教学手册。作者对“笔触”的哲学性探讨令我印象深刻。他将笔触定义为“画家与对象之间能量的直接传递媒介”，这远远超越了技法层面，上升到了创作理念的高度。书中详细分析了不同画笔类型对水粉颜料渗透性、铺陈速度的影响，并用高倍放大的细节图展示了笔锋在纸面上留下的“行走轨迹”。我特别欣赏作者在分析大师作品时所展现出的那种细致入微的“反向工程”能力——他能从最终成品的色彩冷暖关系中，推导出画家在铺设底色时所使用的媒介湿度和颜料浓度。这种深层次的剖析，让我开始重新审视我以往过于随意的用笔习惯。这本书更适合那些已经掌握了基础造型能力，正寻求突破和提升“绘画语言”的进阶学习者。它迫使你思考，你用这些工具到底想表达什么，而不是仅仅停留在“像不像”的阶段。阅读它，更像是一次与一位深谙艺术史和材料科学的智者的对话。