Learn to Play Guitar with Metallica - Volume 2

出版者:Cherry Lane Music

作者:Toby Wine

页数:71

出版时间:2007-01-01

价格:USD 15.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781575608655

具体描述

More tips on mastering the guitar using the music of Metallica as a guide, with demos of chords, articulations, modulations, soloing and much more on the CD. 32 top riffs are covered, including: Blackened * Don't Tread on Me * For Whom the Bell Tolls * The Four Horsemen * Master of Puppets * Nothing Else Matters * Ride the Lightning * Seek and Destroy * The Unforgiven II * Wasting My Hate * more.

用户评价

我是一个非常注重视觉辅助的学习者，如果光有文字描述，我可能看上三天也理解不了一个复杂的技巧。这本书在这方面做得非常到位，简直是教科书级别的图文排版。首先，它的谱例清晰到令人发指，每一个指型和每一个演奏记号都标注得清清楚楚，完全没有那种印刷模糊或者符号混乱的问题。更让我惊喜的是，它对一些非常规的演奏技法，比如关于“闷音”（Palm Muting）的讲解。它不是简单地画一个“P.M.”的标记了事，而是配上了清晰的手部位置俯视图，告诉你手掌的哪个部位应该轻触琴桥，以及应该施加多大的压力才能获得那种干净利落的“Chug”声。我以前一直为我的闷音听起来很“松散”而苦恼，但通过书里的指导，我意识到原来是我手掌的支撑点太靠后了。这种直观的、强烈的视觉引导，极大地加快了我的学习进程，让我不再需要花费大量时间去“猜”演奏者的意图。对于任何依赖视觉反馈来学习乐器的朋友来说，这本书的图示设计本身就值回票价。

这本吉他教材简直是为我这种半吊子准备的“救命稻草”！我之前买了好几本号称能让人快速入门的书，结果翻开来都是密密麻麻的五线谱和一些晦涩难懂的乐理术语，看得我头都大了，感觉自己离成为摇滚巨星的梦想又远了一步。但是这本，从一开始的排版和设计上就透着一股“咱们来点实在的”的态度。它没有过多地纠缠那些虚头巴脑的东西，而是直接切入到如何才能弹出那种标志性的、充满力量感的金属Riff上。我特别喜欢它对和弦转换的讲解方式，那种循序渐进，仿佛手把手带着你练习的代入感极强。而且，它对扫拨（Alternate Picking）的练习片段设计得非常巧妙，一开始让你觉得有点吃力，但坚持练下来，你会发现手指的协调性和速度真的有肉眼可见的提升。我已经能比较流畅地弹奏出几个非常经典的金属乐段的节奏部分了，虽然离詹姆斯·海特菲尔德那种精准度还有十万八千里，但至少我已经能自己“自娱自乐”得像模像样了，周末聚会时露一手，朋友们都说我进步神速，这成就感，无价！这本书真正做到了把复杂的技巧“翻译”成普通人能理解和执行的步骤，而不是那种高高在上的学院派说教。

我作为一个自学成才的吉他手，最头疼的就是如何系统地纠正自己长期以来养成的一些坏习惯。很多时候，你感觉自己弹得还不错，但录下来一听，总觉得缺了点“专业感”。这本书的价值在于，它提供了一种近乎“专业录音室标准”的校准体系。它对于音色的处理、效果器的基础搭配，虽然不是深入到每个旋钮的调节，但却给出了一个非常实用的“起点”。比如，它会明确指出在练习某个特定Riff时，失真（Gain）和中频（Midrange）应该如何设置，才能最大限度地还原原曲的厚重感。这种对“声音塑造”的关注，让我意识到，弹得好听不仅仅是手指的功夫，更是对音色环境的把控。通过对比书里提供的不同音色设置下的练习示范（想象中的音频对比），我才恍然大悟，原来我以前的音色听起来“干瘪”的原因出在哪里。这本书成功地将乐器演奏和录音工程的初级概念结合起来，帮助我从一个单纯的“演奏者”，开始向一个更全面的“音乐制作思考者”转变，收获远超我的预期。

说实话，市面上的很多金属乐教材，要么过于侧重速弹，把初学者吓跑；要么就是专注于某个乐手的“精选曲目速成”，结果弹出来都是“四不像”。这本书的结构设计显得异常成熟和具有远见。它并没有一上来就挑战那些听起来很炫技的独奏部分，而是非常注重基础乐感的构建，特别是关于节奏型的深度挖掘。它会花大量篇幅去解析如何构建一个能让人“点头”的踩镲（Hi-Hat）和底鼓（Kick Drum）之间的互动感，这是摇滚乐的灵魂所在。当我按照书中的建议，将节奏练习与鼓点同步进行时，我明显感觉到我的演奏不再是孤立的线条，而是形成了一个有机的整体。而且，它提供的练习素材并非只是生硬地模仿Metallica的某个片段，而是会给出一些变奏的思路和创作引导，鼓励学习者在掌握了核心技巧后，如何融入自己的风格。这种从“模仿”到“创造”的过渡设计，让我觉得这不是一本死板的教材，而更像是一个经验丰富的导师在传授他的“冶金术”。

坦白说，当我看到这是关于“Metallica”的教学书时，我其实是抱着一种又期待又怀疑的态度。毕竟，金属乐的精髓在于那种狂暴和精准的结合，很多教学书籍往往只能教你“样子”，却抓不住那种“味道”。然而，这本书在深入到特定歌曲的分解教学时，展现出了惊人的细致度。它不仅仅告诉你“哪个音”在“哪个品格”上，更重要的是，它会告诉你“如何去弹奏”这个音——比如推弦的力度、颤音的时机、以及最重要的，那种独特的律动感（Groove）。我试着去模仿书里讲解的一个中速的失真（Distortion）节奏段落，光是关于扫弦力度的微调，书里就用了好几页的篇幅去描述如何控制拨片的角度和接触琴弦的深度，这一点是其他很多教材完全忽略的。这种对细节的痴迷，正是金属乐之所以动人的原因。读完这部分练习后，我再去听原曲，感觉就像是打开了滤镜，突然能捕捉到以前听不出的层次感。它成功地将录音室里那些经过精雕细琢的演奏技巧，拆解成了可以被日常练习吸收的模块，这对于想要真正理解重金属吉他演奏艺术的人来说，是极为宝贵的财富。