Bass Lesson-The art of slap for bass

作者:Brain Emmel

页数:33

出版时间:1997

价格:$ 19.15

isbn号码:9781574240535

具体描述

This slap bass method book, designed for advanced beginning to intermediate bassists, is based on the understanding and application of modes. The focus is on the concept of groove sculpting from modes, and not on actual right and left hand techniques. The CD features recordings of all the examples, plus a split-channel option to help players practice. Includes 13 songs.

用户评价

这本书的后期部分，对“舞台表现力”和“与乐队其他成员的化学反应”的关注，让我感到非常惊喜和受用。很多教材往往在技术讲解完毕后就戛然而止，留给学习者自己去适应真实的演出环境。但这本书却将“表演”视为技术不可分割的一部分。作者用极富画面感的文字，描述了如何在现场演出中处理突发状况、如何通过肢体语言来加强律动感，乃至如何通过眼神和互动来提升整体的音乐张力。这种对“舞台心理学”的探讨，对于任何想走上专业道路的乐手来说，都是无价之宝。我记得其中有一段关于如何“为鼓手创造空间”的描述，简直是教科书级别的乐队协作指南，它教会我如何通过细微的节奏调整来烘托和衬托鼓的切入点，而不是一味地抢占节奏中心。这种对整体乐队动态的深刻洞察，让我在最近的排练中明显感觉到了自己的融入度提升了一个层次。这本书真正培养的是一个懂得倾听和适应环境的音乐家，而不是一个只会炫技的演奏者。

这本书的排版和设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失活力的视觉冲击力，简直是为低音提琴手量身定做的。初次翻开，我就被它那种严谨的学院派气息所吸引，大量的图表和清晰的指板标记，让人感觉不是在看一本简单的教程，而是在研读一本高级乐理的教科书。作者在引导我们进入核心技术之前，花费了大量的篇幅来铺垫基础乐理的深度理解，这一点非常难得。很多速成的教材往往会跳过这些“枯燥”的部分，但正是这些基础的夯实，才让后续复杂的技巧学习变得有章可循，而不是盲目地模仿。举例来说，它对音阶和琶音在低音指板上的几何布局进行了极富洞察力的解析，甚至用到了建筑学的视角来描述音程之间的关系。这使得我对低音提琴的整个音域结构有了全新的认识，不再是零散的音符堆砌，而是一个有机的整体。我特别欣赏作者对于“听觉训练”和“肌肉记忆”之间平衡的探讨，他强调了如何在快速反应的同时，保持对音准的绝对控制，这对于追求干净、有力演奏效果的乐手来说，无疑是至关重要的指南。那种追求极致清晰度和力量感的精神，贯穿了全书的每一个章节，让人感到振奋。

我作为一个已经摸琴有些年头的乐手，一直苦于自己的节奏感在处理快板或复杂切分时总显得拖泥带水，缺乏那种“钉”在拍子上的精准度。这本书给我带来的最直接的改变，就是它对于时间感和律动的深度剖析。它没有停留在简单的节拍器练习上，而是引入了一套非常独特且极具实操性的“微观时间切割法”。作者似乎对人类大脑处理节奏的机制有着深刻的理解，他将一个四分音符内部的分割细化到了近乎苛刻的程度，并提供了大量的听力材料来配合练习。我尤其喜欢其中关于“弹性节奏”的部分，那不是简单的加速或减速，而是一种在保持整体速度稳定的前提下，内部音符群的动态起伏。这种练习方法极大地提升了我对音乐呼吸感的把握，让我的演奏不再是机械地填充音符，而是开始有了自己的“律动语言”。读到某个章节时，我甚至停下来，花了一个下午的时间，反复咀嚼作者对“重音的心理学作用”的描述，这对我理解 Funk 和 Groove 音乐中那种看似随意实则精妙的律动把控，起到了醍醐灌顶的作用。这本书真正教会我的，是如何让我的手指成为时间的最忠实执行者。

从内容的广度来看，这本书的野心远超一般技巧指南的范畴。它巧妙地将几种看似独立的技术流派进行了整合与对比，形成了一个非常宏观的视角。它不像某些教程那样，只专注于某一种特定的演奏风格，而是鼓励学习者吸收各种流派的精髓，最终形成自己的辨识度。书中对不同音乐时期对低音提琴演奏需求演变的梳理，简直是一部微型的低音发展史。我非常喜欢它对“即兴创作的结构性思考”这一部分的详尽论述。作者没有简单地给出即兴的“公式”，而是深入挖掘了旋律动机的展开与变奏在低音线条中的应用逻辑。这使得我的即兴演奏不再是随机的音符堆砌，而是有了更清晰的结构感和叙事性。当我尝试用书中提到的“主题碎片重构法”进行练习时，我发现自己对于和声的理解也加深了，因为你必须深刻理解和声背景，才能有效地“重构”旋律片段。这本书的价值在于，它不仅仅是工具书，更是一本关于“音乐思维”的引导手册。

这本书的语言风格简直是一股清流，它没有采用那种高高在上的专家口吻，反而更像是一位经验丰富、耐心至极的导师在你身旁，一边给你示范，一边跟你促膝长谈。作者在解释复杂概念时，总是能用极其生活化、却又精准无误的比喻来阐述。例如，他将“力度控制”比喻为驾驶一辆高性能跑车，需要精确控制油门和刹车的微妙配合，而不是简单地踩死或松开。这种描述极大地降低了理论的门槛，让那些初学者也能快速领会其精髓。我特别欣赏作者在介绍各种技巧时，都会穿插一些他个人在职业生涯中遇到的“坑”和“捷径”。这些真实案例的分享，比空泛的理论指导要有价值得多。它不仅仅是教你怎么弹，更是在教你怎么“思考”你的演奏。当我遇到瓶颈时，回头翻阅这些章节，总能找到新的切入点来突破。作者对于“乐器调试与音色塑造”的探讨也颇为深入，他强调了硬件和演奏技巧之间密不可分的联系，这部分内容在同类书籍中是极其少见的，它拓宽了我对“好音色”的定义。