歌曲写作教程

作者:马辉

页数:180

出版时间:2008-12

价格:14.00元

isbn号码:9787103036365

具体描述

《歌曲写作教程》深入浅出地从简单的一部曲式至复杂的变奏曲，从单声部写作至多声部写作，以至于钢琴伴奏写作等，做了系统全面地阐述和讲解，使学生们易于学习，易于理解。每章还附有习题，包括理论题、分析题与写作题，通过做习题加深理解，使学到的理论转化为指导创作的活生生的知识。我相信初学者经过这种学习过程，将对歌曲创作有一个完整的、正确的理解。《歌曲写作教程》能提供给有些基础的广大青年歌曲作者自学参考；在艺术院校、高等师范院校或音乐学院里，作为有关课程在教师指导下的辅助教材，或供同学们阅读参考。

用户评价

坦白说，市面上关于音乐创作的书籍汗牛充栋，大部分要么过于偏重技术，让人望而却步，要么过于抒情，流于空泛。但《歌曲写作教程》成功地找到了一个近乎完美的中间地带。它在讲解和声进行时，非常注重听觉效果的描述，而不是单纯的数学计算。例如，当讲解到如何制造“色彩和声”（如九和弦、十一和弦的使用）时，作者会用“温暖的午后阳光感”或者“略带忧郁的迷离感”这类感性的词汇来辅助读者理解，这种描述方式极大地帮助了初学者建立起“音符=情绪”的直观联系。我发现自己开始有意识地去“聆听”自己写下的和弦，而不是仅仅满足于它们在键盘上能发声。此外，书中对歌曲“商业化”与“艺术性”的探讨也相当深刻，它没有鼓吹为了迎合市场而放弃自我，而是教导如何在保持个人风格的前提下，优化歌曲结构，使其更具传播潜力。这种务实又不失灵魂的写作态度，让人非常信服。

这本书的排版设计简直是教科书级别的典范，每一页的布局都充分考虑到了读者的阅读体验。大量的图表、五线谱示例和和弦图被巧妙地穿插在文字中间，使得即便是像我这种音乐理论基础比较薄弱的读者，也能快速理解抽象的概念。尤其是关于“调性色彩”的章节，作者没有堆砌晦涩的术语，而是通过对比不同的调式在情绪上带来的细微差别，配以简短的旋律片段演示（虽然是文字描述的，但想象空间很大），让人茅塞顿开。我感觉它不是一本面向专业人士的“秘笈”，更像是一本写给所有热爱音乐的“工具箱说明书”。书中很多小提示，比如在特定节奏型下选择什么样的重音，或者如何利用休止符来制造悬念感，这些都是我在大学音乐课上从未被如此清晰地教授过的实战经验。读到一半时，我甚至暂停了阅读，拿起我的MIDI键盘，立刻按照书中的指导尝试编写了一个副歌的副线旋律，这次尝试的结果比我过去几个月的自由摸索都要有效得多，足见其指导的实用性。

读完这本书，我最大的感受是它彻底打破了我对“创作”二字的神秘化想象。之前总觉得写歌需要某种与生俱来的天赋，但这本书像是提供了一套可复制的工程蓝图，让整个流程变得结构化起来。它对不同曲式结构（如AABA、主歌-副歌循环等）的讲解，详实到近乎百科全书的程度，每一种结构都有其最适用的情感表达范围，这一点在以往我看的任何资料里都没有如此系统地被提炼出来。更让我惊喜的是，它对歌词创作的部分也给予了足够的重视，并非草草带过。书中详尽地阐述了如何避免陈词滥调，如何运用意象和对比来增强画面感，甚至列举了大量押韵的技巧和禁忌。我尝试按照书中的建议去调整我之前写的一段副歌，仅仅是调整了几个韵脚的处理方式和几处动词的选择，歌曲的情绪立刻提升了一个层次，那种由内而外散发出的说服力，是单纯靠“感觉”很难达到的。这本书的价值在于，它不仅教你如何“搭积木”，更教你如何选择不同形状和颜色的积木来搭建出想要的情感建筑。

这本书的封面设计得非常引人注目，色彩搭配和字体选择都透露出一种专业而又亲切的气息。我本来对音乐创作领域了解不多，拿到手里翻阅时，就被其中清晰的逻辑和循序渐进的讲解所吸引。它不像那种高高在上的理论书籍，反而像是一位经验丰富的老师，耐心地引导你从最基础的和弦进行开始，一步步构建出属于自己的旋律骨架。书中的案例分析尤其出色，选取了很多脍炙人口的流行歌曲进行拆解，让我得以窥见那些动人旋律背后的“秘密”。作者似乎深谙大众的审美偏好，讲解时总是能精准地把握住“技巧性”与“艺术性”之间的平衡点。比如，书中对“动机发展”那一部分的阐述，简直是醍醐灌顶，让我明白了如何将一个简单的音乐点子扩展成一段完整且富有张力的乐句，这比我以往听任何讲座都要直观有效得多。我尤其喜欢它在强调创作心态和克服瓶颈部分所花费的篇幅，它没有空泛地谈论灵感，而是提供了许多实用的练习方法，比如限制时长、使用特定音阶等，这些“硬核”的训练方法，真正帮助我把“想写”变成了“能写”。

这本书最打动我的一点，是它对“声音设计”——即器乐编配和音色选择的重视程度，这在同类书籍中是相当罕见的。它没有深入到复杂的混音技术细节，但它清晰地阐述了为什么一把木吉他与一把电吉他在同一段和弦进行中会带来截然不同的情感冲击。书中对“乐器角色分配”的讲解，就像在教你如何组建一个乐队，谁是主角，谁是配角，如何通过乐器的进出场来推动故事发展，简直像看了一场精彩的舞台剧导演课。我过去常常因为编曲过于单调而苦恼，总是感觉自己的作品缺乏“厚度”。这本书指导我从“功能性”而非“随意性”的角度去选择乐器层级，例如，什么时候该加入贝斯来夯实根基，什么时候该用弦乐来铺陈空间感。这种对整体声场构建的指导，极大地拓宽了我对“完成一首歌”的理解边界，让我明白了创作远不止于旋律和歌词的简单叠加，它是一门关于声音布局的艺术。