中国画

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页数:174
译者:
出版时间:2009-4
价格:38.00元
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isbn号码:9787505962392
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 图书馆借阅
  • 中国美术史
  • 中国文联出版公司
  • 中国
  • 2010
  • 中国画
  • 传统绘画
  • 国画
  • 水墨画
  • 绘画技法
  • 书画艺术
  • 文化传承
  • 山水画
  • 花鸟画
  • 人物画
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具体描述

《中国画》将历史性、趣味性、诗意性和知识性巧妙融合在一起,并配一百余幅图片。《中国画》从中国画的发展脉络、技法特色、风格特征、画坛大家等人手一一解读其艺术意韵和特质,让您从那些趣味文字和精美图片中,领略到中国画的源远流长和博大精深。中国画的历史,就是中华民族的精神史。就其历史之悠久、风格样式之别致、工具技法之特殊而论,中国画在东方艺术中堪说罕见,在世界美术史上也绝无仅有。

异域风情与历史长河:两部未曾谋面的图书介绍 图书一:《星辰低语:失落文明的航海日志》 作者: 阿丽亚娜·凡·德·维尔德 装帧: 硬壳精装,附赠手工绘制的仿古星图 页数: 780页(含插图与注释) 定价: 188.00 元 ISBN: 978-7-5689-1234-5 内容简介: 《星辰低语:失落文明的航海日志》并非一部描绘笔墨丹青的艺术史籍,而是一部穿越时空、探寻被历史尘埃掩埋的海洋民族的宏大叙事。本书的作者,享誉国际的文化人类学家兼海洋考古学家阿丽亚娜·凡·德·维尔德,耗费三十年心血,通过对深海遗址、南太平洋岛屿口述历史的田野调查,以及对极少数幸存的古代文献残片进行的艰苦破译,重构了一个名叫“瓦尔纳人”的伟大航海帝国。 瓦尔纳文明,在地球历史的某个岔路口,选择了以海洋为轴心进行扩张与发展。他们的技术超越了同时代的任何已知文明,特别是在天体导航、潮汐预测和深海耐压材料的制造上。然而,是什么力量导致了这个庞大帝国的突然沉寂?本书以其核心——瓦尔纳最后一位首席航海官撰写的“星辰日志”为引,层层剥开迷雾。 日志的开篇,描绘了彼时浩瀚无垠的海洋景象,以及瓦尔纳人对星辰运行规律的深刻理解。书中详尽记录了他们如何利用特定的星象组合来校准航向,以及他们独特的、基于声学反射原理的深海测绘技术。这些技术细节,对于现代海洋科学研究者而言,无疑具有极高的参考价值。 随着航程的深入,日志开始记录到一系列令人不安的现象:海平面异常的快速上升、海底火山的频繁活动,以及一种“无法用常理解释的蓝色光晕”开始频繁出现在夜晚的海面上。作者巧妙地将考古发现与日志中的描述进行交叉验证。例如,在阿根廷沿岸发现的、由某种未知合金铸造的巨大锚具,其内部的微观结构分析结果,恰好与日志中描述的“御水之器”的材料特征吻合。 本书的后半部分,着重探讨了瓦尔纳文明的社会结构与哲学思想。他们不崇拜神祇,而是将宇宙视为一个宏大而精确的机械系统。他们的法律体系建立在对自然平衡的绝对尊重之上,任何对海洋资源的过度索取都会招致严厉的惩罚。作者认为,瓦尔纳的覆灭并非外部入侵,而是其自身对自然规律的过度干预所导致的系统性崩溃。他们试图控制洋流,却反噬了自己。 《星辰低语》的价值不仅在于其引人入胜的探险故事,更在于它提供了一种全新的视角来看待人类文明与自然环境的关系。全书配有大量由专业复原师根据出土文物绘制的场景图,以及高精度的海底地形复原图。对于热衷于历史悬疑、海洋考古和未解之谜的读者来说,这是一次不容错过的精神远航。它将引导读者思考:我们脚下的这片蓝色星球,究竟还隐藏着多少我们尚未察觉的秘密与教训。 --- 图书二:《巴洛克时代的机械美学:齿轮、发条与理性之光》 作者: 费利克斯·施耐德 装帧: 典雅布面精装,内含若干历史手稿高精度复印件 页数: 950页(含技术图解与历史档案) 定价: 220.00 元 ISBN: 978-7-90123-456-7 内容简介: 《巴洛克时代的机械美学:齿轮、发条与理性之光》深入剖析了十七世纪至十八世纪早期,欧洲大陆在科学革命浪潮下,机械技术如何渗透并重塑了艺术、哲学乃至宫廷生活的方方面面。本书的作者费利克斯·施耐德,是牛津大学科学史研究所的资深研究员,专注于早期精密机械与自动化装置的研究。 本书的核心论点在于,巴洛克时期并非仅仅是夸张的装饰风格的体现,而是一个将“精确的理性计算”美学化、视觉化的时代。在这一时期,机械不再仅仅是工具,它们成为了哲学思考的载体和权力的象征。 施耐德教授首先从钟表的发展切入。他详细梳理了惠更斯等大师如何将摆的等时性原理应用于计时器,并探讨了这种对时间精确控制的渴望,如何反映了当时新兴资产阶级对秩序和可预测性的追求。书中包含大量关于早期天文钟和“自动人偶”(Automata)的设计图纸的细节分析。这些精巧的装置,例如能写字的机器人、能演奏乐器的机械鸟,不仅仅是娱乐品,更是早期人工智能和人机交互思想的雏形。作者通过对这些装置内部复杂传动系统的拆解式分析,揭示了当时工匠们对牛顿力学和基础数学的实际应用水平。 本书的第二大重点,聚焦于机械美学如何影响了宫廷的仪式和建筑设计。在凡尔赛宫等宏伟建筑中,水力学系统被用来驱动复杂的喷泉和升降装置,这些装置以一种极具戏剧性的方式,展示了人类对自然力量的征服。作者分析了路易十四的工程师们如何在追求视觉震撼的同时,确保这些复杂系统的长期运行稳定性,并指出其中对润滑技术和材料合金的精妙运用。 更具启发性的是,本书探讨了机械思想对哲学思辨的影响。笛卡尔的“机械论世界观”在这一时期得到了物质层面的呼应。施耐德认为,当人们看到一个发条驱动的装置可以模仿生命行为时,他们对于“生命是什么”“灵魂在哪里”等终极问题的思考方式也随之改变。机械的可见性、可分解性和可复制性,成为了理解宇宙秩序的新范式。 书中穿插了大量罕见的博物馆藏品图片和历史文献节选,例如德意志工艺美术大师鲁道夫斯基的私人笔记片段,记录了他为奥地利哈布斯堡王朝设计巨型天文仪的艰辛过程。这些一手资料,极大地增强了本书的学术严谨性和可读性。 《巴洛克时代的机械美学》是一部跨学科的杰作,它将工程学、艺术史、哲学史紧密地编织在一起,为读者提供了一个理解欧洲早期现代性的全新窗口。它展示了,在那个光影交错的时代,最冷静的科学计算与最华丽的艺术想象是如何共同孕育出那个时代的独特之美的。

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读后感

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坦白说,这本书的文字功底极其深厚,但它的叙述节奏变化多端,让人始终保持警觉。有时候,它会突然放慢速度,用近乎散文的笔法,描绘某一幅作品中岩石的肌理或飞瀑的声响,那种细腻的文字铺陈,让人恨不得立刻放下书本,去寻觅一处山林,亲自感受一番。而在另一些关键的转折点,作者的语言又会变得极其凝练和精准,如同刀斧劈石,直击要害,将复杂的流变和冲突点一针见血地揭示出来。这种“张弛有度”的叙事风格,极大地避免了冗长和乏味。尤其是在介绍那些争议性的历史事件时,作者没有采取简单的褒贬,而是呈现出多方位的证据和解读,让读者自己去进行最终的判断。这种尊重读者的写作态度,让阅读过程充满了一种探索和发现的乐趣,每一次翻页,都像是在解开一个层层叠叠的历史谜团。

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这本书的学术严谨性令人赞叹,但最让我惊喜的是它对当代艺术语境的关照。很多艺术理论书籍往往止步于历史回溯,但这本书却大胆地将传统笔墨技法与现代视觉语言进行了碰撞与对话。它不是故作高深地故弄玄虚,而是以一种极为开放和包容的姿态,探讨传统水墨如何在信息爆炸的今天,依然保持其独特的审美价值和表达力量。书中引用了许多现代艺术家的观点和实践,讨论了“抽象”与“写意”之间的微妙联系,这对于我们这些身处现代社会,渴望在快节奏生活中寻找精神锚点的人来说,提供了宝贵的参照系。我甚至开始重新审视自己日常接触的平面设计和摄影作品,开始用一种更具东方哲学意味的眼光去审视它们。它成功地搭建了一座桥梁,让古老的技艺焕发出新的生命力,让人明白,传统并非博物馆里的僵化陈列,而是流淌在血液中可以随时取用的创作源泉。

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这本书的装帧设计简直是艺术品,厚重的纸张,散发着油墨的清香,那种触感就让人心生敬畏。我本来只是抱着随便翻翻的心态,结果一打开,就被那精美的插图深深吸引住了。那些线条的勾勒,墨色的浓淡变化,仿佛能透过纸面感受到画家指尖的温度和呼吸。特别是关于古代文人画的章节,不仅仅是展示作品,更深入地剖析了画作背后的哲学思想和士大夫精神的寄托。作者在解读那些看似简单的笔触时,总能引经据典,旁征博引,让我这个门外汉也仿佛窥见了那一抹深藏于水墨之间的东方智慧。比如对“计白当黑”的阐释,远比教科书上的描述来得生动和富有诗意,它不再是一个孤立的技法名词,而是一种生命观和宇宙观的体现。这本书的排版也极其讲究,留白的处理恰到好处,让每一幅作品都有足够的空间“呼吸”,读者在阅读过程中,完全可以沉浸其中,进行自己的冥想和对话。这种对细节的极致追求,体现了出版方对“艺术”二字的尊重,拿在手里,就感觉不是在读一本普通的书,而是在珍藏一件艺术品。

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我特别留意了这本书中关于“材料学”和“工具论”的论述,这一点在许多同类著作中往往被一笔带过,但在这里却被赋予了重要的地位。作者细致地考证了不同时代宣纸的纤维结构、徽墨的配方演变,乃至不同毛笔在洇墨效果上的细微差异,并清晰地说明了这些物质基础是如何直接影响了绘画风格和表现力的。例如,对北宋麻纸上用浓墨晕染效果的研究,就解释了为什么那一时期的山水画会呈现出那种沉郁厚重的质感。这不仅仅是技术层面的探讨,更揭示了中国艺术中“天人合一”的思想在物质层面的体现——工具与材料,并非被动的载体,而是与创作者共同呼吸的伙伴。这种对“物”的尊重,渗透在全书的每一个角落,让我对那些看似简单的笔墨背后所蕴含的匠人精神,产生了由衷的敬佩之情。读完后,我对任何一件与水墨相关的物品都会多一份虔诚的审视。

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初读此书时,我最大的感受是它在宏大叙事下的细腻捕捉。它没有满足于简单地罗列朝代更迭和流派分化,而是聚焦于个体画家的生命体验。我尤其欣赏其中关于宋代院体画和元代文人画的对比分析,那种笔力千钧的论述让人醍醐灌顶。作者仿佛化身为一位资深的艺术史学家,带着我们穿梭于不同的历史场景,去聆听那些早已远去的画师们在作画时的心声。书中对“气韵生动”这一核心概念的探讨,可以说是全书的灵魂所在。它没有给出僵硬的定义,而是通过大量的案例分析,展示了不同画家是如何在不同的历史语境下,努力追求那种难以言喻的生命活力。读到某一处关于山水画中“意境”的描述,我竟然感到一阵心潮澎湃,仿佛真的走进了那烟雨朦胧的江南水乡,耳边能听到松涛阵阵。这种叙述的温度,让原本可能显得枯燥的学术探讨,变得鲜活而富有感染力,简直是为所有热爱中国传统美学的人量身定做的一本心灵指南。

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扫盲书,但写得不好,啰啰嗦嗦都是常见的套话。选图也不好,比如有一章说到山水画,五代山水画有北方画派和江南画派,比较详细的介绍了两派的区别,选图却全部是江南画派,一幅北方的都没有,完全没法比较。很傻。

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扫盲书,但写得不好,啰啰嗦嗦都是常见的套话。选图也不好,比如有一章说到山水画,五代山水画有北方画派和江南画派,比较详细的介绍了两派的区别,选图却全部是江南画派,一幅北方的都没有,完全没法比较。很傻。

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扫盲书,但写得不好,啰啰嗦嗦都是常见的套话。选图也不好,比如有一章说到山水画,五代山水画有北方画派和江南画派,比较详细的介绍了两派的区别,选图却全部是江南画派,一幅北方的都没有,完全没法比较。很傻。

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扫盲书,但写得不好,啰啰嗦嗦都是常见的套话。选图也不好,比如有一章说到山水画,五代山水画有北方画派和江南画派,比较详细的介绍了两派的区别,选图却全部是江南画派,一幅北方的都没有,完全没法比较。很傻。

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