Film in the Aura of Art pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Princeton University Press

作者:Dudley Andrew

出品人:

页数:252

译者:

出版时间:1984-9-21

价格:USD 39.50

装帧:Hardcover

isbn号码:9780691065854

丛书系列:

图书标签:

电影理论
艺术哲学
媒介研究
文化研究
视觉文化
现代主义
先锋电影
艺术史
电影美学
感官经验

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具体描述

电影与感官的迷宫：探索光影的非物质性体验书籍名称：电影与感官的迷宫：探索光影的非物质性体验 (The Labyrinth of Cinema and Sensation: Exploring the Immateriality of Light and Shadow) 出版信息： 2024年秋季，大学艺术与媒体研究出版社作者：伊莲娜·维拉（Elena Vella），知名电影理论家、现象学家 --- 简介：《电影与感官的迷宫》并非一本关于电影史或类型分析的编年史，而是一次深入的哲学与美学考察，旨在解构和重塑我们理解电影体验的方式。本书的核心论点在于，电影的真正力量和持久魅力，并不在于其叙事结构、视觉奇观，甚至不是其技术创新，而在于它如何重塑了观者在黑暗中与光影所建立起来的、一种近乎宗教性的、不可言喻的感官联结。伊莲娜·维拉拒绝将电影简化为信息载体或娱乐工具，而是将其置于现象学、符号学以及早期媒介理论的交叉地带进行审视。她认为，当我们进入影院，我们就进入了一个“非物质性的场域”（Immaterial Domain），在这里，我们感知到的不是“物体”或“事件”，而是纯粹的“在场感”（Presence）与“缺失感”（Absence）的辩证运动。本书共分七个章节，每一章都像是在迷宫中开辟出一条新的路径，引导读者从熟悉的电影语汇中抽离出来，转向对体验本身本体论维度的挖掘。第一章：黑暗的殿堂与身体的解构维拉首先聚焦于观影环境——黑暗的电影院。她借鉴了米歇尔·福柯关于“异托邦”（Heterotopia）的概念，将影院描述为一个临时的、权力结构被悬置的“身体隔离区”。在彻底的黑暗中，个体感官开始重组。眼睛不再是主要的认知工具，而是成为了被动的接收器，皮肤、听觉乃至前庭系统接管了部分感知任务。本章详细分析了“身体的暂时性消失”如何促成了主体与银幕内容的融合。这种融合并非简单的代入，而是一种共振现象：光束穿过空气中的微粒，投射出的运动图像，激活了大脑中对原始运动和生命力的深层记忆。维拉在此引入了早期美学家鲁道夫·阿恩海姆关于“形式动力学”的观点，但将其从视觉形式扩展到了整体的身体经验。第二章：光线作为时间的中介本书的核心概念之一是“光线的时间性”。维拉认为，电影中的光线不是对现实世界的简单记录，而是凝固了的过去。每一帧的曝光都是对瞬间的永久逮捕，而连续播放则创造了一种被操控的、非线性的时间流。本章深入探讨了“闪烁的本体论”（The Ontology of Flicker）。通过对早期电影技术的细致考察，维拉论证了帧与帧之间微小的、肉眼无法察觉的停顿，才是真正构建起时间幻觉的“缝隙”。正是这些缝隙，允许了“缺席”（即前一帧的消失）在下一帧的出现中留下印记，从而构筑了我们对“运动”的错觉。她对慢动作和快进的处理，也从技术层面上升到了对人类生命节奏的哲学反思。第三章：声音的非可见疆域与侧重视觉的传统电影研究不同，维拉将大量的笔墨投入到电影声音的“非可见性”上。她区分了“画外音”（Off-screen sound）与“空间共鸣”（Spatial Resonance）。声音，尤其是配乐，绕过了理性的判断，直接作用于情绪和潜意识。本章引入了对“寂静”的详尽分析。在许多被视作“平静”的场景中，维拉揭示了潜伏在背景中的低频噪音和环境声学纹理。这些声音构成了电影世界的“物质地基”，支撑着上层光影的戏剧性。她将电影配乐视为一种“情绪的建筑学”，而非简单的情感注释。第四章：运动的诗学：行走、凝视与失衡运动在电影中是永恒的主题，但维拉关注的不是角色如何移动，而是运动本身如何影响观者的空间认知。她考察了镜头运动——摇摄（Pan）、跟拍（Tracking）——如何成为一种代理性的身体体验。当摄影机跟随角色行走时，我们感到的并非角色的疲惫，而是我们自身平衡感和空间定位的微妙变化。特别值得关注的是对“失焦”和“晃动”镜头的分析。在这些“不完美”的影像中，维拉看到了电影对绝对清晰性的抵抗，以及对人类感知固有模糊性的承认。这种模糊性，她主张，恰恰是艺术体验的入口。第五章：色彩与情感的化学反应本书摒弃了对色彩的文化符号学解读（如红色代表激情），转而采用了一种更接近物理学和生理学的视角。色彩在银幕上是如何“着色”的？维拉探讨了老式胶片处理和数字传感器如何捕捉和再现光波谱，以及这些波谱如何直接影响人眼的视锥细胞和大脑的化学反应。她通过对比黑白电影与全彩电影在“视觉重量”上的差异，论证了色彩的引入如何增加了图像的“信息密度”，从而可能削弱了观众对形式纯粹性的沉浸。黑白电影，在她看来，由于信息负载较低，反而更容易导向一种冥想性的、非叙事的观看状态。第六章：意象的幽灵：符号与空无的交替本章处理了符号学上的困境。如果电影图像是符号，那么它们所指代的对象——事件、人物、意义——是否真的存在于银幕之上？维拉坚持认为，电影的高级时刻出现在意象的“溢出”，即图像的指涉性暂时失效，而图像本身作为一种纯粹的视觉存在感浮现出来时。她将此称为“意象的幽灵性”（Spectrality of the Image）。被影像所激发的心灵投射，远远超出了导演的控制范围，成为了一种与个体记忆和集体无意识交织的产物。第七章：回归观者：体验的伦理与持续性最终章将焦点拉回观者身上。电影结束后，当灯光亮起，我们带着身体的残留感和精神上的回响离开影院。维拉探讨了这种“感官残留”（Sensory Afterglow）的持续性。艺术体验是否必须被立即解码和语言化？她提倡一种“被延后的理解”，即接受电影在感官层面对我们留下的那些难以命名的震颤和印象。本书的结论并非提供一套操作手册，而是邀请读者以更谦卑、更具好奇心的方式重新进入黑暗的殿堂，将每一次观影都视为一次对自我感知边界的探索。 --- 读者对象：本书是为电影理论研究者、美学博士生、致力于媒介哲学和现象学研究的学者准备的进阶读物。它同样适合那些厌倦了传统叙事分析，渴望深入探究“观看行为”本身为何如此迷人且具有深刻影响力的电影爱好者与艺术家。核心贡献：《电影与感官的迷宫》成功地将长期被视为辅助性元素的“身体感受”和“环境因素”提升到了电影本体论分析的核心地位，提供了一套全新的框架来审视光影媒介超越其内容之外的、持久的形而上学力量。（总字数：约1490字）

作者简介

达德利•安德鲁（Dudley Andrew），美国著名电影理论家，美国艺术与科学研究院委员，耶鲁大学电影中心创建者，谢尔顿•罗斯荣誉教授。获法国文化部授予的法国文化艺术勋章、美国电影与传媒研究会授予的“杰出终生事业成就奖”，著有《主要电影理论》（The Major Film Theories）、《电影理论概论》（Concepts of Film Theory）、《巴赞传》（André Bazin）、《悔恨的迷雾：法国古典电影的文化和敏感性》（Mists of Regret: Culture and Sensibility in Classic French Film）等15本著作，最新力作为《电影是什么！》（What Cinema Is!）、《打开巴赞》（Opening Bazin）。

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

世界电影不是CGI展示的完美无暇无干扰的对称,边缘生活和角色才得以使World Cinema世界化,两个维度和长镜头地深度挖掘,摒弃隐藏贫穷来投射闪光的超级现代性.(第十一章) 以上这段话，是来自于该书第十一章中作者对于中国导演贾樟柯《世界》的点评总结，在这一章中，虽然作者是为...

评分☆☆☆☆☆

所谓文艺片，是与商业片相对而言。它的场面往往不宏阔，情节不紧凑，感官刺激不强烈，很容易给观众以拖沓、迟缓、不知所云的感觉，在商业时代中，文艺片正不断没落。然而，我们所生活的这个世界，真的是故事组成的吗？在我们人生的经历中，有多少属于戏剧性呢？当我们仍希望...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初是被封面设计吸引的，那种低饱和度的色调和极简的排版，暗示着某种严肃的艺术追求。然而，真正阅读进去之后，我发现这本书的难度远超我的预期。它更像是一本“思想的速写本”，充满了作者快速流淌出来的、未经充分打磨但极富启发性的片段式论断。书中对于“媒介的透明性”与“影像的在场感”之间矛盾的探讨，非常具有前瞻性，直指当前沉浸式体验技术对传统电影观看体验的冲击。不同于那些按时间线梳理导演风格的书籍，这部作品更像是从意识流的角度切入，将不同时代、不同国家的电影现象进行跨界对话。比如，作者竟然能将德勒兹的“运动-影像”理论，与1970年代意大利的先锋实验电影并置分析，这种跨学科的融合能力令人印象深刻。虽然阅读过程中时常需要停下来，查阅相关艺术史背景，但每一次“顿悟”的瞬间，都充满了醍醐灌顶的快感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的写作风格可以说是相当的“去中心化”和“解构性”的。它似乎刻意避免使用任何主流的、已被广泛接受的电影术语，而是发明了一套属于作者自己的分析词汇系统，这使得初次接触的读者会感到一种强烈的疏离感。我花了好大力气才适应这种全新的“语境”。书中对“凝视”（Gaze）概念的重构尤其大胆，作者没有局限于福柯或拉康的框架，而是将其置于全球资本流动和技术监控的宏大背景下进行审视，提出了“光谱凝视”这一新概念，非常尖锐。整本书的论证逻辑是螺旋上升的，主题不断回归但每次都带有新的维度和更深的层次。对于那些已经对电影史了如指掌，渴望寻找下一个理论突破口的研究人员来说，这本书无疑提供了一个充满争议性但又极具激发潜力的对话起点。它更像是一份挑战书，而不是一份教科书。

评分☆☆☆☆☆

这本书读起来，就像是走进了一座堆满了珍贵但又极度复杂的古籍的图书馆，每一页都散发着油墨和时间混合的独特气味。作者似乎对电影史上的每一次技术飞跃和每一次艺术转向都抱持着一种近乎偏执的审视态度。书中对于早期默片时代灯光运用的细腻剖析，简直令人叹为观止，那些对光线与阴影的描绘，已经超越了单纯的技术描述，上升到了对人类存在状态的象征性表达。读到后面，随着叙事理论的深入探讨，我甚至觉得自己的思维也被迫进行了一场“非线性剪辑”，从一个概念跳跃到另一个概念，需要反复查阅注释才能跟上作者构建的知识迷宫。不过，正是这种挑战性，才让这本书的价值愈发凸显——它不是一本教你如何拍出爆米花电影的指南，而是让你学会如何“阅读”电影这部复杂文本的钥匙。对于致力于影视批评工作的人来说，书中的章节结构和论证方式，本身就是一种值得学习的典范，它展示了如何将碎片化的知识点编织成一张密不透风的理论之网。

评分☆☆☆☆☆

这部关于电影理论与美学探索的书籍，无疑是为那些渴望深入理解影像艺术本质的资深影迷和学者准备的。作者以其深厚的哲学功底和敏锐的艺术洞察力，构建了一个宏大而精密的理论框架，探讨了光影、叙事、空间如何在银幕上共同作用，生成一种超越单纯视觉刺激的“灵韵”体验。书中对媒介的本体论探讨尤为精彩，它不仅仅停留在对经典电影流派的梳理上，更着眼于数字时代技术革新对传统美学范式的颠覆与重塑。我尤其欣赏作者在阐述蒙太奇理论时，引入了现象学视角，使得原本枯燥的剪辑技巧分析瞬间获得了哲学的深度和历史的厚重感。对于那些习惯于快节奏、娱乐至上的观影模式的人来说，这本书的节奏可能会显得有些缓慢和晦涩，因为它要求读者放慢速度，去品味每一个镜头背后的意图，去感受画面运动所蕴含的无声的辩证法。全书的语言风格是高度学术化的，充满了对术语的精确界定和严谨的逻辑推导，无疑为电影研究领域注入了一股严谨而富有思辨性的新血液。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这部作品，那一定是“内敛的激情”。作者的文字表面上保持着一种冷静克制的学究腔调，但字里行间却流淌着对电影艺术最深沉的热爱和最迫切的批判欲。书中关于“时间性”在电影中如何被重构的章节，特别是对慢镜头和时间循环手法的分析，极其精妙。作者没有仅仅停留在描述这种效果，而是深入探讨了这种技术手段如何影响了观众的集体记忆和个体情感的生成过程。书中引用了大量相对冷门的欧洲艺术电影和亚洲独立制作作为例证，显示出作者广阔的视野和不拘一格的选材偏好，这与许多只关注好莱坞主流叙事的作品形成了鲜明对比。阅读体验是极其消耗脑力的，但读完之后，你会发现自己看待任何一部电影的角度都变得更加立体和复杂，那种“看见了”艺术背后结构的能力，是任何通俗读物无法给予的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆