山水卷-中国画技法教学丛书

作者:白俊龙

页数:155

出版时间:1970-1

价格:29.00元

isbn号码:9787806636756

具体描述

《中国画技法教学丛书:山水卷》作者分步骤地对中国画的基本技法进行了详细、具体、系统地介绍和讲解，所讲授的内容直观、实用、通俗易懂，初学者容易掌握。本丛书共分《花卉卷》、《翎毛卷》、《山水卷》和《动物卷》四卷，是中国画初学者、大专院校相关专业学生和老年大学学员不可或缺的教科书。

用户评价

说实话，刚开始看这本书的装帧设计，我还有点疑惑，它的排版似乎比同类教材要“空”一些，留给图例的空间似乎很饱和，文字说明反而没有占满页面。但深入学习后，我才体会到这其中的深意。中国画，尤其是山水画，讲究的是意境的营造，需要观者有想象的空间。这本书的排版逻辑，完美地呼应了这一点。它不会用密密麻麻的文字试图解释清楚每一根线条的意义，而是用极其清晰、对比鲜明的“步骤图”来直观展示技法的变化。比如，在“点苔”这一环，它细致到可以分辨出使用侧锋、中锋时，蘸墨量不同所产生的不同效果，然后直接把三组效果并列展示，让你立刻就能捕捉到微妙的差异。这种“眼见为实”的教学法，效率远高于冗长的文字描述。对于动手能力强的人来说，这本书简直就是一本随翻随练的“工具书+灵感库”。

我作为一个在传统国画学习上走了不少弯路的人，深知教材的优缺点往往决定了学习者的进度。市面上很多教材要么过于学院派，充斥着大量不贴近实际的传统临摹范本，要么就是过于注重速成技巧，导致学完后画出的东西形似神不似。这本书最让我惊喜的地方在于它的“当代视角”。它没有完全摒弃传统技法，但它巧妙地将宋元时期的笔墨精髓与现代审美的简洁性结合了起来。比如，在讲解“皴法”时，它并没有局限于传统的几种标准皴法，而是引入了如何根据不同岩石的质感，对皴法进行“解构与重组”的思路。这种强调“理解”而非“模仿”的教学方式，极大地解放了我的思维。我不再是机械地复制范本，而是开始思考，面对我眼前这座熟悉的城市公园里的假山，我应该用哪一种“皴法组合”去捕捉它当下的光影和情绪。这种由“技”入“道”的渐进过程，对于培养真正的艺术判断力至关重要。

这本书的价值，远超出一本单纯的“技法手册”范畴，它更像是一位循循善诱的老师，尤其是在对待“心境”与“物象”的关系上。许多传统画册往往把山水画简化为一系列固定的符号——远山用淡墨，近树用浓墨。但这本书的作者似乎深知，优秀的画作是画家情绪的投射。它用了很大篇幅去探讨如何“入画”，即如何将自己对自然界的深刻体验融入到笔墨之中。我特别喜欢其中一个章节，专门讨论了不同季节、不同天气下，画家应该如何调整观察的角度和心态。例如，描绘雨后的山峦，需要的不是清晰的轮廓，而是那种“雾气氤氲、万象朦胧”的湿润感，这需要画家在用墨上做到“似湿非湿，似干非干”的微妙平衡。这种对绘画中“心手相应”的深入探讨，让我的创作不再是单纯的技术堆砌，而是开始带有我个人的印记和理解。

这本厚厚的画册，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的艺术分量。我一个零基础的爱好者，本来还担心里面全是高深的理论和晦涩的术语，结果翻开才发现，简直是为我们这种“门外汉”量身定做的入门指南。它没有直接上来就教你如何运笔，而是花了大篇幅去讲解中国画的“精气神”——比如如何通过墨色的浓淡变化来表现山体的厚重感，或者如何用几笔简练的线条勾勒出竹子的风骨。那些关于“气韵生动”的阐释，不再是飘在空中的概念，而是落实在每一个具体的笔触示范里。我记得有一章专门讲“留白”的艺术，书里用了整整四页的篇幅，配了无数张对比图，清晰地展示了“计白当黑”是如何让画面产生呼吸感的。这让我明白，中国画的精妙，很多时候不在于你画了什么，而在于你“没画”什么。对于初学者来说，这种由宏观到微观，再回归到意境的讲解结构，非常有助于建立一个完整的认知框架，而不是像其他书那样，只教招式而不教内功。

对于一个对中国传统文化有情怀，但又苦于找不到靠谱学习途径的现代都市人来说，这本书提供了一个非常优雅的出口。我之前尝试过一些网络课程，那些课程的节奏太快，总感觉自己像个被推着走的学生，没有时间消化吸收。而这本书的节奏是完全由我掌控的。我可以花一周时间去揣摩一笔“斧劈皴”的力度与角度，也可以只用半小时快速浏览关于“构图取势”的大纲。更重要的是，它鼓励阅读和思考。书的最后部分，引用了几段古代画论家的语录，但这些语录不是孤立存在的，而是紧密联系着前面教授的技法。这形成了一个从技术实践到理论升华的完美闭环。读完之后，我不再仅仅满足于“画得像”，而是开始追求“画得有味道”、“画得有我”。它真正做到了，不是教你如何成为另一个古人的复制品，而是教你如何用古人的智慧，去描绘你眼中的世界。