油画中国香榧 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:骆冠军编

出品人:

页数:162

译者:

出版时间:2008-9

价格:80.00元

装帧:

isbn号码:9787102044392

丛书系列:

图书标签:

油画
中国香榧
艺术
绘画
风景
植物
自然
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传统
文化
手绘

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具体描述

《油画·中国香榧》内容简介：犹记得孩提时，光着腚子在溪沟沟里捉鱼抓蟹，在树梢上掏鸟蛋捉迷藏，不是在香榧树的庇荫下，便是在香榧树的掩护中。这就注定了我与香榧是分不开的，似乎从呱呱坠地始，香榧树与香榧便深深地烙进了我的身体，左右着我的思想。是以，身体里流淌着的早已不是单纯的红色液体，或许还浸染了香榧一切的一切。

在这个我生活着且自豪着的赵家镇，香榧古树多达2万多株，逾千年树龄的香榧树比比皆是，而那些三四百岁的香榧树，只能被称为小字辈。而那棵最大最老的香榧王，已有1300多岁，其树冠覆盖1.2亩多地，树的周长达9米多，是名副其实的榧王。

这种活化石不仅仅只是存在着，还一直为这个地方的人们奉献着。让靠山吃山的人吃成“胖子”。这怕是千年来存活率最高，最绵长的生命吧。至少我们知道许多千年前盛极一时的动物或植物，此时已成了追忆的对象，不是成为化石，就是成为琥珀，或者仅仅成了印记而已，真正的“此情可待成追忆”。而香榧则不同，她们真正用事实演绎了“前人种树，后人乘凉”的意境。

香榧是三代果，即挂在枝上的幼果得历经三年才能完全成熟，可以采摘。如此一来，本就稀少的坚果更显弥足珍贵。早在春秋时代，香榧就在典籍中有所记载。唐宋八大家之一的苏东坡也盛赞香榧之美，写下了“彼美玉山果，餐为金盘实”的佳句。而有关香榧的传说，更是迷人。据说当年越王勾践曾经用如何打开香榧的硬壳考过西施和郑旦。结果西施用手指按住香榧壳上的两个突破兀点轻轻一按，壳就开了。人们把这两个突破兀点称为西施眼。这一点，在小说《红楼梦》和《儒林外史》里都有描述。

有这样传奇色彩的香榧长在这里，自然是我等族人之幸！生于斯，长于斯，富于斯，与香榧浑然一体。其实，从记事以来就知晓，父亲在村里有着“榧专家”的美誉，他炒制的香榧既香又酥。但由于信息闭塞，当时的村民们又缺少商品意识，所以很少有人拿到市场上去卖。那时候，最高兴的是父亲用卖香榧的钱给我买小人书，但一年也仅一次而已。尔后，父辈又将香榧挑出城，挑到大上海去，以之换来全国粮票。其时我便在想，父亲为什么不多卖一些香榧呢。等自己长大成人后才明白，父亲那辈人其实压根儿就没想过买卖香榧能赚钱。看着村里漫山的榧树，那时就突然萌生了这样的决心：一定要办一家企业，把香榧运出大山，跨进大城市去……

觅香：宋代文人与山水画中的“隐逸之境” 内容提要：本书深入探讨了北宋至南宋时期，中国文人阶层在精神世界中对“隐逸之境”的追求，及其在山水画这一独特艺术形式中的具体呈现。全书以时间为轴，以空间为引，细致剖析了从范宽的浑厚雄伟到马远、夏圭的萧疏简淡之间，士大夫如何通过笔墨语言，构建出一个既远离尘嚣、又充满精神寄托的理想世界。我们将重点考察特定山水画中的“人”——那些或坐、或立、或独游的文人士大夫形象，探究他们与自然环境的互动关系，揭示宋代儒、释、道三家思想如何在山水画的意境营造中实现精妙的融合。同时，本书也关注了这一时期山水画的理论发展，如荆浩、郭熙等人的画论，如何为这种“心游物外”的审美取向提供了理论支撑。最终，本书试图勾勒出一幅宋代士人精神图谱，理解他们如何通过“在山水中”实现自我价值的重塑与精神的栖居。 --- 第一章：时代的焦虑与精神的转向——宋代文人的处境与审美基础北宋中叶以后，随着政治格局的日渐复杂与社会矛盾的累积，知识分子阶层面临着前所未有的精神压力。儒家“兼济天下”的理想在朝堂的现实面前屡屡碰壁，这促使许多士人将目光转向了更具个人化和内在化的精神领域。这种转向并非彻底的退隐，而是一种“在朝隐逸”或“心游物外”的生存哲学。山水画，正是在这样的时代背景下，从早期的“界画”和“青绿山水”中独立出来，成为承载士人复杂情志的核心载体。它不再仅仅是提供观赏的风景，而是成为了一种“可游、可居、可观”的“心之所托”。本章将首先梳理宋代士大夫的政治哲学基础——从欧阳修、苏轼对“中和”之美的追求，到程朱理学的兴起对“格物致知”的强调。我们将论证，正是这种对现世政治的疏离感与对内在道德完善的急切需求，为山水画提供了深厚的思想土壤。山水画中的“静”与“空”，不再是单纯的自然描绘，而是对喧嚣人世的有力抵抗与对个体精神自由的呼唤。第二章：巨碑与弥漫——北宋山水画中的“全景式”精神秩序北宋山水画以其宏大的叙事和对自然力量的敬畏感而著称。范宽的《溪山行旅图》、李成的《寒林平野图》以及郭熙的“高远、深远、平远”理论，共同构建了一个秩序井然、气势磅礴的宇宙模型。在这个模型中，“人”往往是极度渺小的。例如在范宽的作品中，山体占据了画面的绝大部分，树木如同沉默的卫士，而旅人、桥梁不过是画面中的点缀。这种处理方式，体现了宋人对“天道”的认知——个体生命在亘古不变的自然法则面前，必须学会谦卑与顺从。然而，这种渺小并非全然的绝望。观者（即文人自己）通过眼睛的“远游”，完成了对整个宏大秩序的掌握与精神上的超越。本章将详细分析北宋画家如何运用“密不透风”的笔法和极端的空间处理，营造出一种“可居可游”的理想化山林，这种山林是高度秩序化和理想化的“道德景观”。第三章：简淡的哲思——南宋“院体”与文人画的转向靖康之变，对南宋的文人阶层造成了毁灭性的打击。国土的沦丧，使得“兼济天下”的理想彻底破灭，转而催生出更深层的悲剧意识和个体化的审美趣味。山水画的风格也随之剧变，从北宋的“雄伟”转向南宋的“简淡”与“精微”。以马远、夏圭为代表的“院体”画家，将画面中的空间大量虚化，创造出“一角半边”的构图。这种极端的留白，并非偷懒，而是对意境的提炼与对情感的压缩。那些被虚化了的江面、雾气，承载着难以言说的国破家亡之痛与对故土的遥远思念。本章将重点探讨“留白”的哲学意义。它模仿了禅宗的“空”观，要求观者主动参与到画面的建构中来，用自己的想象力去填补那片未曾描绘的虚空。文人在这种“未完成”的画面中，找到了精神的宣泄口，这是一种“有余不尽”的艺术表达，远比直白的描绘更具力量。第四章：笔墨的语言——士人情志的符号学分析山水画的笔墨语言本身就是一种文人的“密语”。宋代画家对“笔墨趣味”的推崇，使得线条、皴法、墨色的运用，都带有了强烈的个人印记和道德倾向。皴法（如斧劈皴、披麻皴）：不仅是表现山石的质地，更代表了画家面对坚硬现实时的态度——是坚韧不拔的抵抗，还是温润内敛的包容。点苔与树法：树木在宋画中常常被赋予人格化的特征。那些虬曲、倔强的松树，是孤傲隐士的象征；而平直的杂树，则代表着一种世俗的平和。墨色的层次：浓、淡、干、湿的变化，微妙地传达了画家在不同心境下的微妙情绪波动，从清晨的“润泽”到黄昏的“苍茫”。本章将结合特定的画作细节，深入分析这些技法如何转化为一种非语言的符号系统，使得山水画成为宋代文人精英内部进行情感交流和身份确认的媒介。第五章：诗、书、画的融合——从“画中有诗”到“诗在画中” 宋代文人画的最终目标，是将绘画提升到与诗歌、书法同等的“文致”高度。画作不再是单纯的视觉再现，而是一种综合性的艺术实践。本书将考察苏轼提出的“论画以形似，见与鄙人”的观点如何推动了山水画的“主观化”。画家们开始追求“意在笔先”，强调画面的“气韵生动”——这种“气韵”本质上就是文人自身的气质和学养的投射。通过对比不同时期画家在画跋中留下的题识，我们可以清晰地看到，山水画的主题如何从描绘具体的地理景观，转向了对“自我内心风景”的描摹。那些被题诗赞美的瀑布、云海，实际上是画家对自身修养达到某种高度的自我肯定。结语：《觅香》最终展示了宋代文人如何将对现实的失望，巧妙地转化为对艺术的狂热追求。山水画，作为那个时代最复杂、最深刻的精神容器，记录了一代精英阶层如何在变动的时代洪流中，通过对自然的敬畏与描绘，寻找到一处永恒的精神栖所。他们的笔墨，留下的不仅是壮阔或萧瑟的风景，更是那个特定历史时期，中国知识分子最幽微的心灵轨迹。