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出版者:Mcgraw-Hill College

作者:Stefan Kostka

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:1999-08

價格:0

裝幀:Paperback

isbn號碼:9780072358247

叢書系列:

圖書標籤:

• 音樂理論
• 和聲學
• 調性和聲
• 音樂分析
• 作麯
• 古典音樂
• 音樂教育
• 大學教材
• 音樂史
• 音程

音樂的深層結構：探尋和聲的邏輯與美學 本書旨在為嚴肅的音樂學習者和演奏者提供一套係統而深入的視角，用以解析西方音樂核心——和聲——的內在運作機製及其在不同曆史時期和風格中的演變。它避開瞭對既有教材中過於公式化和僵化的理論框架的簡單重復，而是著重於揭示和聲語言的功能性、心理學基礎以及審美價值，引導讀者真正理解“為什麼”某些組閤聽起來是對的，而另一些則引發瞭張力與解決的必然性。 --- 第一部分：基石與構建——功能和聲的骨架重構 (The Architectural Foundations of Functional Harmony) 本書伊始，我們便將和聲視為一種動態的語言係統，而非靜態的規則集閤。 第一章：音高關係與聽覺心理學 (Pitch Relations and Auditory Psychology) 我們首先審視聲音的物理特性如何轉化為音樂的感知經驗。探討泛音列的支配性如何塑造瞭我們對音程的直覺判斷，並深入剖析瞭三度疊置（Triadic Construction）為何成為西方音樂的基石。本章將詳細討論調性中心感的形成機製，解釋聽者如何通過鏇律的引導，無意識地建立起對主音的聽覺錨點。我們將引入認知科學的觀點，分析大腦如何處理和預測不協和音程的解決過程，從而揭示“期待與滿足”在和聲體驗中的核心地位。 第二章：功能的三位一體：主導、屬、下屬的本質 (The Tripartite Function: Essence of Tonic, Dominant, and Subdominant) 不同於僅僅羅列和弦名稱，本章專注於功能的本質：它們在音樂句子中扮演的角色。 主音和弦（Tonic）： 不僅僅是開始和結束的標誌，更是穩定與陳述的體現。我們將分析主和弦的多個變體（包括轉位和副屬和弦的使用）如何微妙地改變瞭陳述的語氣，從堅定的宣告到柔和的過渡。 屬和弦（Dominant）： 探討其張力驅動力的物理基礎——導音的半音趨嚮性。重點分析屬七和弦、九和弦以及擴展的屬和弦在構建“不可避免的解決感”中的作用。我們還將區分功能性屬和弦與僅基於音高相鄰關係的模態屬和弦。 下屬和弦（Subdominant）： 理解其作為“離開中心，準備張力”的中介角色。下屬和弦（特彆是次屬和弦）如何在導嚮屬和弦之前，為聽眾提供一個安全且略帶疏離感的“休息點”，為後續的衝突積纍能量。 第三章：和聲進行中的邏輯推演 (Logical Progression in Harmonic Motion) 本章的核心在於超越簡單的“V-I”結構，探討和聲的路徑選擇。我們將深入研究以下主題： 1. 序列進行（Sequences）： 分析序列如何通過重復特定和聲動機，在保持調性清晰度的同時，實現快速的位移和色彩變化。探討嚴格序列與自由序列的區彆及其效果。 2. 非功能性連接（Chromatic Mediants and Direct Chromaticism）： 考察大三度或小三度音程連接的和弦（如C大調到E大調或降A大調），分析它們在浪漫主義音樂中如何被用來製造突然的“色彩爆炸”和情緒的戲劇性轉變，這種連接如何繞過傳統的功能推力。 3. 和聲節奏（Harmonic Rhythm）： 強調和聲變化的速率對音樂整體感知的影響。快速的和聲節奏常常暗示著緊張、運動或焦慮，而緩慢的節奏則傾嚮於冥想和莊重。 --- 第二部分：色彩、張力與拓展——從古典到晚期浪漫主義的和聲演進 (Color, Tension, and Expansion) 本部分將追溯和聲語言如何被拓寬，以錶達更復雜、更細微的情感維度。 第四章：七度和九度和弦的內在張力 (The Intrinsic Tension of Sevenths and Ninths) 我們將詳細解構四和弦的復調本質。七和弦不僅僅是三和弦上的一個附加音，它本質上是一個被“凍結”的屬和弦，其七音的解決（Resolution）是強製性的。 導七和弦（Leading-Tone Seventh）： 分析它與完全終止式（Perfect Authentic Cadence）的緊密聯係，以及在模態背景下的不同功能。 九和弦的色彩化： 特彆關注屬九和弦（Dominant Ninth）在巴洛剋晚期和古典主義中作為豐富色彩工具的應用，以及如何通過保留或強調九音，延長張力的釋放時間。 第五章：導嚮模糊：副屬和弦與調性滲透 (Leading to Ambiguity: Secondary Dominants and Tonal Permeation) 副屬和弦是嚮聽眾展示調性“可塑性”的第一個重要工具。 替代性與替代性： 不僅識彆副屬和弦（V/ii, V/IV, V/V等），更重要的是分析它們如何有效地在短時間內“藉用”或“暫時建立”一個次級調性中心。 減七和弦的萬用性（The Ubiquity of the Diminished Seventh）： 將減七和弦視為一個多功能“萬能鑰匙”，能夠以極小的音高變動，導嚮多達四個不同的主和弦。探討其在貝多芬和肖邦作品中如何被用作情緒的催化劑和轉調的橋梁。 第六章：離調與遠關係和弦 (Modulation and Distant Harmonic Relations) 本書對離調的探討超越瞭常見的“共同和弦法”。 1. 半音離調（Chromatic Mediants）： 詳細分析李斯特和瓦格納如何利用音高相距大三度或小三度的和弦進行，實現聽覺上令人震撼的色彩轉換，這種連接常常打破瞭聽眾對調性關係的邏輯預期。 2. 異名同音和弦（Enharmonic Modulation）： 探討如何通過將一個和弦（如增六和弦或減七和弦）進行異名重寫，使其功能瞬間改變，從而實現快速、隱蔽地進入遙遠調性的技巧。 --- 第三部分：邊緣的突破——印象派、半音主義與調性消解 (Breaking the Margins: Impressionism, Chromaticism, and Tonal Dissolution) 本部分聚焦於十九世紀末二十世紀初，當傳統的功能和聲框架開始被挑戰甚至瓦解時，作麯傢們如何創造新的和聲美學。 第七章：和聲的“懸浮”：印象主義的色彩探秘 (Harmonic Suspension: Exploring Impressionistic Color) 印象派並非放棄和聲，而是重塑瞭和聲的功能——從“驅動力”轉變為“色彩本身”。 九和弦與十一和弦的常態化： 分析德彪西如何將原本應解決的協和音程（如九音）固定下來，使其不再産生解決的衝動，從而創造齣水流般流動、不固定的聽覺畫麵。 全音階與五度音階的運用： 探討這些音階如何從根本上消解瞭導音的趨嚮性，使整個和聲係統處於一種“永恒的屬和弦”或“漂浮狀態”，從而創造齣朦朧、去中心化的音響效果。 第八章：半音主義的極限：瓦格納的樂思與“三一和弦” (The Zenith of Chromaticism: Wagner's Motives and the 'Tristan Chord') 深入剖析晚期浪漫主義如何將功能和聲推嚮崩潰的邊緣。 特裏斯坦和弦的結構與睏境： 不僅分析其音高構成，更重要的是探討其在《特裏斯坦與伊索爾德》中作為永恒的張力、拒絕解決的象徵意義。它代錶瞭對傳統終止式的徹底背棄。 和聲的“無限延長”： 考察瓦格納如何通過連續使用遠關係的和弦進行和反復的半音進行，使得調性中心感被稀釋到幾乎無法辨認，為無調性音樂的齣現鋪平瞭道路。 第九章：節奏與和聲的解耦 (Decoupling Rhythm and Harmony) 本書最後一部分將探討，當和聲不再依賴嚴格的功能鏈條驅動時，音樂的邏輯如何轉嚮。我們考察早期序列主義（Serialism）如何嘗試用數學方法重建秩序，以及斯剋裏亞賓等作麯傢如何利用更加復雜的十二音或十音組閤，探索前所未有的音響空間。 --- 總結： 本書要求讀者具備紮實的傳統和聲基礎，但其目標是超越“遵守”規則，而是理解規則背後的動機和美學取嚮。它是一本關於音樂結構、人類聽覺預期以及曆史性審美選擇的深度對話，旨在幫助學習者用更具洞察力的耳朵去聆聽和創作音樂的宏偉敘事。它不是一本速成指南，而是一張通往復雜音樂思維殿堂的藍圖。

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我必須承認，這本書的某些部分對初學者來說可能略顯挑戰，但正是這種深度，纔使其成為一本真正的“案頭經典”。它涵蓋瞭從基礎對位法到前衛十二音體係的過渡性思維，像一座橫跨瞭不同音樂時代的橋梁。我特彆關注瞭書中對“空間感”在和聲中體現的討論，作者通過對聲部密度的控製、對位綫條的處理，生動地描繪齣聲音如何在三維空間中構建和展開。這種空間感是許多和聲書所忽略的，而這本書卻將其作為核心要素之一來闡述。每次我重新翻閱，總能發現之前因知識儲備不足而錯過的細節，仿佛每一次重讀都是一次新的發現之旅。它迫使我不斷地修正自己的音樂認知圖譜，讓我不再滿足於習以為常的和聲進行，轉而去探索每一個和弦背後可能存在的無限可能。

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這本書的視角相當獨特，它巧妙地將音樂理論的嚴謹性與藝術實踐的靈活性融為一體。我花瞭相當長的時間在閱讀，發現它不僅僅是一本工具書，更像是一份引領者，指引著我如何更深入地理解和運用和聲語言。作者在講解復雜的概念時，總能找到最直觀的比喻，讓那些原本晦澀難懂的和弦進行和調性轉換變得清晰易懂。尤其值得稱道的是，書中對不同曆史時期音樂風格的分析，那種深入骨髓的洞察力，讓我仿佛能親耳聽到貝多芬的震撼，感受到德彪西的朦朧。它不是簡單地羅列規則，而是探究規則背後的哲學思考，這一點非常吸引我。閱讀過程中，我時常停下來，對著鋼琴反復試驗書中的例子，每一次實踐都帶來瞭新的感悟。這本書讓我對“好聽”這個概念有瞭更深層次的認識，不再滿足於錶麵的悅耳，而是追求結構內在的邏輯美感。它對我個人的作麯思維産生瞭巨大的衝擊和積極的推動作用，拓寬瞭我對現代音樂錶達手法的理解邊界。

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老實說，這本書的論述風格帶著一種近乎詩意的嚴謹。作者的文字功底深厚，即便是講解最技術性的內容，也充滿瞭一種對音樂本質的敬畏感。我特彆欣賞作者對“審美判斷”與“技術分析”之間關係的探討，他並沒有把兩者割裂開來，而是強調技術是服務於錶達，錶達纔是核心。書中對模糊地帶的處理也十分高明，沒有把音樂世界簡化成非黑即白的公式，而是承認瞭許多現象存在的復雜性和多重解釋可能性。對我個人而言，它極大地提升瞭我對聽力訓練的效率，因為當我帶著書中的分析框架去聽音樂時，我能更快地識彆齣聲部進行中的微小變化和色彩過渡。這本書更像是一位經驗豐富的大師在你的身邊耳語，告訴你如何去傾聽世界的運作規律，那種細緻入微的指導，是其他任何教材都無法比擬的。

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讀完這本著作，我感覺像是完成瞭一次馬拉鬆式的智力攀登。它的密度極高，每一頁都充滿瞭信息量，毫不拖泥帶水。那些關於非功能性和聲、以及特定民族音樂元素融入西方和聲體係的探討，尤其讓我眼前一亮。作者的學術功底毋庸置疑，他對古典學派的精要梳理是教科書級彆的，但最厲害的是他如何將這些基礎與二十世紀中葉以後音樂的實驗性思潮連接起來。我特彆欣賞書中對“色彩”在和聲分析中的重要性強調，這超越瞭傳統功能和聲的黑白分明，引入瞭更豐富的維度。我曾嘗試用其他類似的理論書籍來輔助學習，但都沒有這本書的體係性和前瞻性。它對視聽覺的調動能力極強，你會不自覺地在腦海中“聽見”作者描述的那些聲音。對於那些已經掌握瞭基礎樂理，渴望在和聲上尋求突破的進階學習者來說，這本書無疑是一劑強效的催化劑，能有效打破思維定式。

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這本書的排版和視覺呈現方式，也為閱讀體驗增色不少。它不像傳統教材那樣枯燥，圖錶的設計清晰、布局考究，每當需要圖示來輔助理解時，那些精心製作的譜例總能恰到好處地齣現。我尤其喜歡作者在討論特定作麯傢作品時所引用的片段，那些都是經過精心挑選的，用以佐證他提齣的理論觀點。我花瞭很長時間對比瞭書中的某些案例分析和我自己過去的理解，發現很多地方我之前的理解都過於錶麵化瞭。特彆是關於節奏與和聲如何相互作用的那幾個章節，簡直是醍醐灌頂，它揭示瞭時間維度對聽覺感知深遠的影響。它並非一本輕鬆的讀物，需要投入足夠的時間和專注力，但這種投入絕對是值得的，因為它帶來的迴報是知識結構上的升級，而非簡單的知識點積纍。它教會我如何“慢聽”音樂，去捕捉那些隱藏在錶麵之下的精密構造。

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