All You Need to Know About the Music Business

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出版者:
作者:Passman, Donald S.
出品人:
页数:576
译者:
出版时间:2008-1
价格:271.00元
装帧:
isbn号码:9780141031156
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐产业
  • 音乐商业
  • 音乐营销
  • 版权
  • 唱片公司
  • 音乐出版
  • 音乐法律
  • 音乐管理
  • 独立音乐人
  • 音乐职业
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具体描述

For fifteen years, "All You Need To Know About the Music Business" has been universally regarded as the definitive, essential guide to the music industry. Now in its sixth edition, it has been completely revised and updated with crucial, up-to-the-minute information on the industry's major changes in response to today's rapid technological advances and uncertain economy. Veteran music lawyer Donald Passman is in the thick of this transformation and understands that anyone involved in the music business is feeling the deep, far reaching effects of it. This latest edition of what the Los Angeles Times called "The Industry Bible" will lead novices and experts alike through the fundamental practises as well as the new, uncharted territory of one of the world's most dynamic industries.

好的,这是一份关于一本名为《音乐产业的方方面面》的虚构图书的详细简介,内容完全不涉及《All You Need to Know About the Music Business》这本书的任何主题或信息。 --- 书籍简介:《音乐产业的方方面面:从独立创作到全球分销的实践指南》 导言:一个由技术驱动的艺术生态 在数字时代,音乐产业正经历着一场深刻的结构性变革。艺术家、内容创作者、技术平台和传统实体之间的界限日益模糊。本书并非一本关于商业模式或法律合同的教科书,而是一部深入探讨当代音乐制作、发布和推广的实践指南。我们旨在揭示在快速演进的媒介环境中,创作者如何导航从概念萌芽到最终听众手中的复杂旅程。 本书的核心理念在于赋能——为那些希望掌控自己艺术生涯的音乐人、制作人和新兴行业参与者提供清晰、可操作的框架。我们将聚焦于那些在传统商业叙事中常被忽视,却对独立艺术生态至关重要的领域:声音设计、沉浸式体验的构建、以及在去中心化网络中建立忠实社群的策略。 第一部分:声音的铸造——超越录音棚的界限 第一章:声景设计与环境叙事 传统的录音制作流程往往将焦点集中在“完美”的混音和母带处理上。然而,本部分将探索声音作为一种叙事媒介的潜力。我们深入研究了“声景设计”(Soundscaping)的艺术,探讨如何利用环境噪音、空间混响和动态对比来构建具有情感深度的听觉世界。内容包括: 环境录音技术解析: 如何使用双耳麦克风和Ambisonics技术捕捉并重现真实空间感。 非传统音源的应用: 将日常物品、工业噪音转化为音乐元素的技术和哲学思考。 动态范围的心理学影响: 如何在响度战争之外,利用动态范围变化来引导听众的情绪感知。 第二章:模块化合成与声音编程的前沿 本书将详细介绍模块化合成器(Modular Synthesis)在当代音乐创作中的复兴及其带来的无限可能性。我们不仅仅停留在基础的振荡器和滤波器操作,而是深入探讨: 复杂信号流的构建: 如何设计独一无二的音色,利用复杂的调制源(LFOs、包络、随机序列)实现不可预测的声音演变。 Eurorack系统的高级应用: 针对专业创作者,讨论如何构建高效的工作流程,并将硬件模块化系统与数字音频工作站(DAW)进行无缝集成。 算法作曲的实践: 介绍使用Max/MSP或Pure Data等环境创建基于规则和概率的生成性音乐系统。 第二部分:发布与连接——重塑听众关系 第三章:元数据之外的发行策略:体验驱动的推广 在信息过载的时代,仅仅将音乐上传到主流平台已不足以保证可见性。本章关注如何将音乐发布视为一种沉浸式体验的启动,而非简单的文件传输。 限定版物理媒介的复兴: 探讨定制化黑胶压制、磁带发行中,如何通过包装设计、独家内容和触感体验来提升收藏价值和社群粘性。 “即时”体验的策划: 设计限时上线的音频项目、数字“快闪店”(Digital Pop-ups)和独家流媒体活动,制造稀缺性和参与感。 垂直社群的深度耕耘: 分析如何在特定的兴趣小组(如复古电子爱好者、特定游戏论坛、独立电影制作人网络)中进行精准、非侵入式的推广。 第四章:构建去中心化的粉丝经济模型 本书批判性地审视了传统的分成模式,并提供了一套构建直接面向粉丝(D2F)收入流的蓝图,重点在于透明度和互惠性。 代币化与社区治理的初步探索: 介绍非同质化代币(NFTs)在音乐资产(如版权片段、独家混音、创作过程记录)上的应用,以及如何利用它来建立早期支持者的身份认同。 订阅制生态的精细化管理: 区分不同层级的订阅回报(如Early Access、幕后视频、私人交流时间),并利用自动化工具维护会员忠诚度。 数据透明度的实践: 如何在不对外公开敏感商业信息的前提下,向核心支持者展示收入的流向和创作投入的比例,以建立信任。 第三部分:跨界合作与媒介融合 第五章:音乐与互动媒体的融合设计 当代音乐的影响力早已超越了耳机和扬声器。本章重点探讨声音设计在虚拟现实(VR)、增强现实(AR)和互动装置艺术中的应用。 空间音频设计原则: 学习如何为3D环境编写“适应性音乐”(Adaptive Music),使音乐的播放方式根据用户的物理位置或视线焦点而变化。 游戏化音乐体验: 探讨将音乐创作过程本身设计成一个可供玩家探索和解锁的“游戏”,激发社区的共同创造欲望。 现场表演的沉浸式升级: 分析如何利用投影映射(Projection Mapping)、传感器反馈和实时视觉生成器,将音乐会从观看体验转变为参与体验。 第六章:策展、档案与音乐遗产的维护 随着创作者职业生涯的延长,如何系统地管理和展示作品集变得至关重要。本章侧重于长期视角下的内容管理。 非线性作品集的编排: 讨论如何为不同类型的听众(潜在合作者、新粉丝、研究人员)设计定制化的作品集浏览路径。 创作过程的数字化归档: 建立一套稳健的系统来备份和标记所有项目文件、素材库和迭代版本,确保未来重制或重新混音的可行性。 学术与研究界的连接: 探讨如何通过向特定档案馆或大学音乐系捐赠或开放部分原始素材,为自己的音乐创作留下可供未来分析和研究的遗产。 结语:持续的迭代与艺术家的韧性 本书最终呈现了一个观点:成功的音乐事业不再是关于找到一个“正确的”商业模式,而是关于建立一个灵活、适应性强的创作和分发系统。我们鼓励读者将每一次技术迭代视为一次新的创意挑战,而非商业上的威胁。只有深入理解声音本身的物理和情感属性,同时掌握新兴连接工具的实践方法,创作者才能在这个不断重塑的音乐世界中,保持其声音的纯粹与持久的影响力。 适合读者: 独立音乐制作人、声音设计师、数字艺术家、专注于新媒体艺术的策展人、以及所有寻求在当代数字文化中定义自我艺术路径的创作者。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书最让我震撼的地方在于它对“价值转移”的深刻洞察。在数字时代,音乐的价值似乎在不断被稀释,但这本书巧妙地指出,价值并没有消失,而是转移到了新的环节——数据、用户体验和品牌合作上。作者对流媒体时代的版税计算机制进行了近乎痛苦的还原,揭示了巨头们如何利用复杂的算法结构来优化自身利益,而艺人和创作者常常处于信息劣势。读完这部分,我感到既愤怒又清醒,因为所有关于“音乐是免费的”的论调都被这些冰冷的数字无情地击碎了。它成功地将一个看似感性的行业,还原成了一个高度量化、竞争激烈的商业战场。此外,书中对于音乐市场细分和目标受众定位的章节,也极其精妙。它教导读者如何像风险投资家分析初创企业一样,去审视自己的音乐产品,并根据市场反馈快速迭代。这本书的视角是自上而下的,它让你跳出创作的小圈子,以投资人和高管的眼光去看待整个行业的大棋局。

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不得不说,这本书的实操性强到令人发指。它不是那种泛泛而谈的“如何成功”的励志读物,而是直接给你展示了“如何处理”具体问题的方法论。我花了不少时间对比书中介绍的几种不同的艺人推广策略,发现它们背后的逻辑和预算分配都有着清晰的数学模型作为支撑。对于那些渴望自己掌控职业生涯的音乐人来说,这本书简直就是一份详尽的“操作手册”。比如,关于巡演成本核算的部分,它细致到连现场乐队的住宿补贴和周边商品库存损耗都考虑进去了,这种细节的把控,让那些只关注创作的艺术家们看到了自己常常忽略的巨大运营成本。更别提它对音乐出版权(Publishing Rights)那种如同外科手术般精确的拆解,让我终于明白了为什么有些歌曲的收入可以持续几十年。这本书的作者显然是一位深谙行业灰色地带的智者,他用清晰的语言,为读者铺设了一条通往行业核心的捷径,尽管这条路依然需要汗水和努力去走完。

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这本书简直是音乐行业教科书级别的存在,内容详实到让人惊叹。它没有那种故作高深的理论说教,而是直击行业核心的运作机制。我特别喜欢它对版权和许可费用的解析部分,讲得深入浅出,即便是像我这样刚入行的新手也能迅速领悟到其中的复杂性与重要性。作者仿佛是行业内摸爬滚打了数十年的老手,对每一个环节——从录音棚的谈判桌到流媒体平台的分成比例——都有着独到的见解。特别是关于“360度交易”的剖析,它没有简单地褒贬,而是客观地展示了这种模式对艺人和唱片公司双方意味着什么,帮助我构建了一个更全面、更现实的行业图景。阅读过程中,我频繁地停下来做笔记,因为它提供的每一个案例分析都像是一个活生生的商业案例,充满了实战价值。如果你想在音乐圈里真正站稳脚跟,而不是仅仅停留在对音乐的热爱上,这本书无疑是你的必备指南。它教会的不是如何写出热门歌曲,而是如何让你的热门歌曲为你带来应有的回报,这种商业智慧是无价的。

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我原本以为这会是一本枯燥的商业手册,充斥着法律术语和晦涩的财务报表,但读完之后,我必须承认,我的看法被彻底颠覆了。这本书的叙事方式非常引人入胜,它更像是一部精心编排的行业“侦探小说”,每一章都在揭示音乐生态系统中隐藏的权力结构和利益分配链条。它的优点在于其广度与深度并存,从传统的唱片发行模式到新兴的NFT和元宇宙音乐经济,都有所涉猎,显示出作者与时俱进的能力。其中关于独立音乐人如何利用社交媒体和直面粉丝经济来绕过传统中介机构的部分,给我带来了极大的启发。它没有提供“快速致富”的秘诀,而是强调了建立可持续职业生涯所需的耐心、策略和对合同细节的苛刻审查。我尤其欣赏作者在探讨艺人与经理人关系时的平衡视角,既指出了潜在的陷阱,也提供了建立健康合作关系的框架。这本书读起来毫不费力,但其蕴含的信息密度足以让你反复咀嚼,每次重读都会有新的感悟。

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我向所有对音乐产业抱有职业理想的人推荐这本书,但前提是,你必须准备好面对一些残酷的现实。这本书的语气是坚定而务实的,它毫不留情地揭露了行业内层层叠叠的剥削链条和那些光鲜外表下的利益交换。它不是给你打鸡血的,而是给你一把精准的解剖刀,让你看清自己所处生态系统的骨骼和内脏。我尤其欣赏它对国际市场差异的分析,比如欧美市场和亚洲市场在版权代理模式上的根本区别,这对于计划拓展国际业务的音乐人来说,是极其宝贵的地域性知识。这本书的结构安排也十分合理,从基础的合同要素,到中期的市场营销策略,再到后期的财富管理与遗产规划,形成了一个完整的生命周期视图。它教会我的最重要一课是:在这个行业里,不懂规则的人,永远是规则的牺牲品。它提供的不仅仅是知识,更是一种强大的防御性思维模式,让你在任何谈判桌上都能有备而来,底气十足。

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