话剧、新歌剧与中国戏剧艺术传统

出版者:上海文艺出版社

作者:欧阳予倩

页数:36

出版时间:1959

价格:0.14元

装帧:精

用户评价

这本书的文字功底极其深厚，简直可以用“珠玑”来形容。作者在描述那些抽象的理论概念时，常常会穿插进一些极富画面感的比喻和散文式的抒情，这种文体上的张弛有度，使得阅读体验非常愉悦。比如，当他描述一个演员如何通过身体的微小颤动来传达角色的内心冲突时，那种文字描绘出的动态感，比我在现场看到的某些表演还要生动。这本书让我深刻体会到，优秀的艺术评论不仅要分析“是什么”，更要传达“感觉到了什么”。它就像一位技艺精湛的雕塑家，用文字的凿子，将那些虚无缥缈的舞台瞬间，雕刻成了可以触摸、可以感知的实体存在，读完后，我的“视觉记忆库”似乎都被刷新了一遍。

作为一名对“传播学”有兴趣的业余爱好者，我最初关注这本书是因为它涉及了“媒介”与“在场性”的问题。我原本以为它会是一个比较干燥的理论探讨，没想到，作者在论述中加入了大量关于历史文献的考证和对早期演出记录的细致还原。这种扎实的文献工作，让书中的观点不再是空中楼阁，而是建立在坚实的地面上的。我特别对其中关于早期剧场灯光技术如何影响观众情绪聚焦的分析感到兴趣盎然，这不仅仅是技术史，更是一种关于人类感知被引导的心理学研究。它让我意识到，每一次的艺术呈现，背后都隐藏着一套精心设计的、旨在控制接收者体验的“工程学”，这对于理解现代的媒体环境也具有极强的启发性。

坦白说，这本书的学术气息是比较浓厚的，引用了大量我不太熟悉的理论家的名字，一开始读得有点吃力，总感觉像是在啃一块硬骨头。但是，一旦适应了作者那种严谨的逻辑推演方式，你会发现，他所构建的分析框架异常精妙。书中对于“表演性”与“仪式性”之间那种微妙的张力关系的探讨，简直是令人茅开眼界。作者并没有简单地将两者对立起来，而是展示了它们是如何在不同的历史阶段互相渗透、彼此塑造的。我特别留意了其中关于观众反应的章节，那里面分析了不同时代的人们是如何“被要求”去观看和理解舞台上的情景的，这让我反思自己现在看戏时，是不是也戴着一副无形的有色眼镜。这本书需要你静下心来，带着笔和笔记本去读，因为它提供的不仅仅是知识，更是一种审视艺术的全新方法论。

我买这本书完全是出于一种“猎奇”的心态，想看看那些光怪陆离的舞台艺术到底能有多少种面貌。这本书的叙事风格非常跳跃，仿佛作者手里拿着一把剪刀，在不同时空的戏剧片段中随意穿梭。从某种意义上说，它更像是一部艺术史的“拼贴画”，而不是线性的编年史。我尤其欣赏作者那种不拘一格的选材，他能把一个遥远的、几乎失传的民间祭祀表演，和二十世纪初先锋派的舞台实验放在同一个段落里进行比较，中间的逻辑跳跃虽大，但核心的文化母题却惊人地一致。这种处理方式，让整个阅读过程充满了惊喜和意外，每翻过一页，都仿佛推开了一扇通往不同世界的大门，充满了异域的色彩和神秘感。

这本厚厚的书，光是封面那种沉甸甸的质感，就让人觉得里面装载了多少历史的重量。我本来是对戏剧不太感冒的，觉得那无非就是舞台上的一点光影和声响，但翻开第一页，我就被作者那种如数家珍的叙述给吸引住了。他似乎对舞台的理解，超越了简单的剧本或表演，而是深入到了每一次幕布升起背后，那种酝酿已久的情感和文化积淀。我尤其喜欢其中关于“场域”的论述，作者并没有固守西方戏剧的经典划分，而是巧妙地将观众席、表演区、甚至周遭的环境都纳入到一个动态的、呼吸着的整体中去考察。读起来，感觉就像是跟着一位经验老到的戏曲行家，在昏暗的剧院里，从前排的绒布座椅一直聊到后台的布景设计，每一个细节都充满了考究，让人忍不住想立刻买票进剧场，用自己的身体去感受那种被构建出的“在场”的魔力。

豆瓣竟然有这个小册子。晚上看完，有启发。不能怪作者拘泥时代的意识形态。

夹缝中。

豆瓣竟然有这个小册子。晚上看完，有启发。不能怪作者拘泥时代的意识形态。

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