Frank Lloyd Wright

作者:Bruce Brooks Pfieffer

页数:224

出版时间:2009-4

价格:394.00元

isbn号码:9780847831746

具体描述

Frank Lloyd Wright’s wife, Olgivanna, is famously quoted as saying that "My husband seemed to thrive on hardships." From the years 1920 to 1932 Wright’s fortunes were at a low ebb; he was plagued by financial, personal, and professional setbacks, but saw the time as one of challenges instead of one of defeat. Unable to find patrons, his imagination led to visionary, often splendid, architectural conceptions that laid the groundwork for the revolutionary architecture he would build in the decades to follow. During this period he designed almost fifty projects, of which only a few were realized, but those few are seen today as among his most important creations. They include the majestic Imperial Hotel in Tokyo, four exquisite textured concrete block houses in Los Angeles, renovations and additions to his beloved home, Taliesin, in Wisconsin, the Octillo Desert Camp in Chandler, Arizona, and his work as design consultant for the lavish Arizona Biltmore Hotel and Cottages in the desert in Phoenix. Rare and unseen photos as well as little-known drawings from this period are on lavish display in this important work on the master architect.

用户评价

这本书的语言风格异常的充满激情与个人化的判断，读起来更像是在与一位极具天赋、但脾气有些古怪的导师进行一对一的深入交流，而不是在阅读一份客观的报告。作者的观点非常鲜明，毫不掩饰对某些当代建筑趋势的鄙夷和批判，措辞犀利得让人感到一丝紧张。他似乎对那些追求表面华丽、缺乏内在灵魂的设计嗤之以鼻，言语中充满了对“真实性”的执着追求。这种强烈的个人色彩，使得阅读体验具有高度的沉浸感，但同时也意味着你需要有能力辨别哪些是基于坚实证据的论断，哪些是作者个人情绪的宣泄。例如，他对某种特定材料“缺乏诚实性”的评价，那种近乎道德审判的语气，虽然略显夸张，却成功地激发了读者去重新审视自己对建筑材料的固有认知。总之，这是一本充满个性和主观色彩的作品，它不试图取悦所有人，但它绝对能让你对建筑的“精神内核”产生更深刻的思考。

最令我印象深刻的是书中对“时间维度”在设计中作用的探讨。它超越了建筑的静态美学，深入到了建筑如何随着岁月而“生长”和“呼吸”的动态过程。作者花了大量的篇幅来描述或分析那些历经风霜洗礼的作品，强调了材料的自然老化——铜绿的形成、木材的变色、混凝土表面的苔藓附着，这些都不是缺陷，而是时间赋予的勋章。书中展示了大量对比照片，清晰地对比了建筑落成之初的崭新面貌与几十年后的沧桑之感，这种对比极具震撼力，迫使读者去思考一个空间在不同生命阶段所承载的不同记忆和意义。这种对时间流逝的敏感捕捉，让这本书的层次感陡然增加，它不再仅仅是关于“如何建造”，更多的是关于“如何与自然和时间共存”。阅读完后，我开始以一种全新的视角去看待我周围的旧建筑，不再仅仅关注其形式，而是开始留意那些时间的痕迹和它们所讲述的故事。

天哪，这本书的装帧设计简直让人爱不释手！厚重的纸张，那种略带纹理的触感，光是捧在手里就觉得沉甸甸的，仿佛握住了历史的重量。封面那张照片或者插画的处理方式，光影对比极其强烈，将某种特定时期的那种粗粝感和艺术性的完美结合展现得淋漓尽致。我花了很长时间只是研究那些字体排版，那种衬线体的选择，间距的把握，都透露出一种对细节近乎偏执的追求。翻开内页，你会发现排版师简直是个天才，文字区块、留白空间、图片与文字之间的互动关系，都形成了一种独特的节奏感。它不是那种轻飘飘的速食读物，你必须放慢速度，去感受每一次翻页带来的感官冲击。特别是那些全彩印刷的版面，色彩的饱和度与还原度高得惊人，即便是最细微的材质纹理，比如混凝土的粗糙、木材的年轮，都能清晰可见。这本书本身就像是一件精心雕琢的艺术品，摆在书架上就是一道风景线，光是“拥有它”这件事本身就带来一种莫名的满足感。这种对物质载体的极致追求，让我开始思考，作者或编者是不是想通过这种方式，先在物理层面上，为读者进入那个建筑世界的宏大叙事做好铺垫。

这本书对“地方性”和“在地精神”的探讨简直是教科书级别的案例分析。它并没有将我们带到那些光鲜亮丽的、已经成为旅游景点的标志性建筑前，而是深入到那些被遗忘的、与特定地理环境、气候条件和当地文化肌理紧密交织的项目之中。作者似乎在反复叩问一个核心问题：建筑如何才能真正地“属于”它所处的土地？书中对某处住宅如何利用当地的石材和光线走向，微妙地融入了周边山地的轮廓线，这种细致入微的观察，让我对“因地制宜”这个概念有了全新的认识。它不是简单的模仿，而是一种深层次的对话——建筑与风声、与泥土、与日照角度之间的无声交流。我仿佛能透过文字，闻到那个地方特有的植物气味，感受到那种与自然融为一体的宁静感。那些关于基础结构如何顺应复杂地形的描述，简直是工程学的诗篇，显示出对传统建造智慧的尊重，而非一味追求现代技术的炫耀。

这本书的叙事结构异常的跳跃和富有启发性，它完全不像一本传统的传记或者设计史著作那样线性展开。作者似乎更热衷于捕捉那种“瞬间的灵感爆发”以及“哲学思辨的飞跃”。读着读着，我常常会被引导到一个完全意想不到的章节，比如从对某种材料力学的讨论，突然转向对东方禅宗美学的探讨，接着又跳跃到对美国西部拓荒精神的深刻反思。这种非线性的叙事，要求读者必须保持高度的专注力，并且随时准备好在不同的知识领域之间建立联系。它更像是一场思想的漫游，而不是一次按部就班的导览。有时，我会觉得某个段落读起来像是某个哲学家的手稿，充满了晦涩的词汇和复杂的逻辑推演，需要我反复阅读才能领会其深层含义；而下一页，可能又会用极其口语化、充满激情的笔触，描绘一次实地考察中的震撼感受。这种巨大的风格反差，使得阅读过程充满了挑战，但也因此，每一次“顿悟”的时刻都显得格外珍贵和令人兴奋。