中国现代美术理论批评文丛:薛永年卷

出版者:人民美术出版社

作者:薛永年

页数:370

出版时间:2010-1

价格:39.50元

isbn号码:9787102047539

具体描述

《中国现代美术理论批评文丛:薛永年卷》内容简介：批评家在艺术史上的作用是毋庸置疑的。在中国美术的现代进程中，活跃在当今艺坛的批评家，关注着当代中国美术的发展，发表批评意见，同时力求借鉴美术史的经验和艺术的普遍原理，从学术层面提出问题，引起美术界同行的关注与讨论，对美术创作的走向产生了积极的影响。本文丛集结的10位批评家都是在美术史和理论领域某个方面有研究的专家，他们的学术出身、理论体系、研究方向、关注的侧重点、采用的方法论均不相同，但是他们共同关注着中国美术的发展。本文丛集中展示批评家们对中国现当代美术的不同的观照与思考，是对中国现当代美术史从不同角度的梳理与总结，读者可以从中看到中国现当代美术发展的清晰脉络以及发展过程中的争论、探索与开拓。

薛永年先生是科班美术史出身，在师辈的影响下和画友的推动下，其美术史研究与理论批评并进，形成了独特的美术史视角和批评体系——美术史式批评。他重视个案研究，从写同代画友入手，用历史的眼光和反思“文革”的收获，结合他们的实践经验，讨论他们对传统的继承与突破。进而研究同代画友的师辈和学生辈中的佼佼者，认真收集资料，仔细研究作品以及与他们或他们的弟子亲友交谈，像研究古人一样，先入再出，从历史承变方面着眼，论述其“成功之美”和“所致之由”。在研究个案时，他尤其关注画家“在传统基础上创新”的收获。而他对传统及其在20世纪的沉浮的思考，往往结合传统派中的大家，名家的个案来研究。对于20世纪中国美术的思考，他又从近代美术史上画家或史论家的个案入手，从中梳理出美术史的线索和脉络，形成了自己的认识。沿着他研究的个案，我们看到了他对20世纪中国美术中以水墨画为主的传统派的面貌与发展的认识与梳理。而寓史于评的个案评介文章中，又包含了他对20世纪中国国美术发展的思考。本文集经作者精心筛选排列，内容分为三个方面：一是对20世纪和新时期美术问题的综论、专论与短评，二是对老中青三代书画家的研究与评论，三是美术史论学术与学术史的批评，较全面地体现了薛先生的理论批评特点和进展。可以说“以今观古，借古观今，从诸多画家的因革承变中，看清审美意识与风格形式的历史发展，重新解读美术史”是作者治学的根本所在。

作者简介

薛永年，1941年生，北京人。中央美术学院1978级硕士研究生毕业。1980年至今，在中央美术学院美术史系任教。中央美术学院教授、博士生导师。曾任美术史系主任、研究部主任。现任院学术委员会委员兼学报编委，中国美术家协会理事理论委员会第一副主任，《美术》杂志编委，中央文史研究馆馆员，国家文物鉴定委员会委员，中国书法家协会会员。著有《晋唐宋元卷轴画史》《华岔研究》等，编有《中国美术简史(增订本)》《扬州八怪考辨集》《鉴画研真》等，文集有《书画史论丛稿》《横看成岭侧成峰》《江山代有才人出》《蓦然回首》等。

用户评价

这部文集读下来，感觉像是经历了一场穿越时空的对话，让我对中国现代美术的发展脉络有了更深刻的体悟。作者的文笔兼具学术的严谨与散文的灵动，尤其在梳理那些错综复杂的理论思潮时，总能找到一个清晰的切入点，不至于让人在浩瀚的史料中迷失方向。比如，关于早期留法艺术家的作品分析，他不仅仅停留在风格的表象，而是深入挖掘了他们如何在中西艺术观念的碰撞中寻求自我定位，那种挣扎与融合的张力，通过文字被生动地展现出来。我特别欣赏作者在处理历史语境时的审慎态度，他从不轻易下断言，而是将选择权交还给读者，引导我们自己去感受那个时代知识分子的精神困境与艺术追求。整体而言，这是一套非常值得细品的理论宝典，对于任何想要深入了解中国现代艺术史的爱好者来说，都是一份不可多得的馈赠。那种字里行间流露出的深厚学养和对艺术近乎虔诚的热爱，让人由衷地敬佩。

这部文集带给我的震撼，更多地来自于作者对美术史观的重塑能力。他仿佛是一位高明的策展人，将散落的星星点点的理论碎片，巧妙地编织成一张宏大而精密的认知网络。我特别欣赏其中对某几位关键艺术家的理论贡献的重新定位。过去我们往往只关注他们的画作成就，而这本书则深刻揭示了他们作为思想家和理论构建者的重要性。作者以极高的学术敏感度，挖掘出这些被历史低估的声音，并将其置于更广阔的现代性批判视野中进行考察。文字中那种对“发现”的热情是显而易见的，让人读起来心潮澎湃。它鼓励我们跳出既有的知识框架，以一种更具批判性和前瞻性的目光去审视那些看似“已知”的艺术现象。这本书无疑是为严肃的艺术研究者准备的“内功心法”，极大地提升了理论思辨的层次。

这部作品的阅读体验，如同在欣赏一幅层次丰富的油画，需要耐心和时间去品味每一笔触背后的意图。作者对中国当代艺术语境下“现代性”的探讨尤其精妙，他没有盲目追随西方既有的理论框架，而是扎根于本土的文化土壤，构建了一套既能与世界对话，又深深植根于中国经验的分析工具。我特别喜欢他分析媒介转型时所使用的比喻，非常形象且富有启发性，一下子就抓住了问题的核心。这种“在地化”的理论建构能力，是很多理论作品所欠缺的。它让我们认识到，真正的艺术批评，不仅是对过去的总结，更是对当下处境的深刻介入和对未来的预判。总的来说，这不是一本能快速翻阅的书，它要求你慢下来，去感受那种绵密而深邃的智力流动，但你所获得的回报，绝对是巨大的知识财富和全新的思维模式。

翻开这本厚厚的书册，首先扑面而来的是一股浓郁的思辨气息，作者的论述如同抽丝剥茧般细致入微。我尤其关注其中关于“写意”精神如何被引入现代绘画的章节，那些精彩的论述让我茅塞顿开。他没有简单地将“写意”视为一种技法上的继承，而是将其提升到了哲学层面，探讨了它在现代文化身份建构中的核心作用。阅读过程中，我常常需要停下来，反复咀嚼那些精妙的措辞和严密的逻辑推导，仿佛跟随作者一起在历史的迷雾中探寻真理。这种阅读体验是酣畅淋漓的，它挑战了许多我原有的、较为浅显的认知。作者似乎拥有一种魔力，能将原本枯燥的理论分析，转化为引人入胜的智力冒险。对于那些对美术史研究抱有严肃态度的读者来说，这本书无疑是提供了极高的价值密度，每一次重读都会有新的发现。

说实话，一开始我还担心这类理论文集的阅读门槛会很高，但这本书的编排和文字处理却出乎意料地流畅。不同于某些学术著作的晦涩难懂，这里的语言是经过精心锤炼的，既保持了学术的精确性，又充满了叙事的力量。特别是关于20世纪中叶艺术政策对创作环境影响的分析，作者的洞察力令人叹服。他没有采用简单的褒贬态度，而是冷静地剖析了制度与个体创造力之间复杂而微妙的互动关系，展示了艺术家们如何在受限的环境中，依然能通过微妙的符号转换和精神的迂回曲折来保持艺术的纯粹性。这种对历史复杂性的尊重和呈现，是这本书最宝贵的地方之一。它让我们看到，真正的艺术史研究，绝不是黑白分明的简单叙事，而是充满灰度与张力的多维空间。读完后，我感觉自己对那个特定历史阶段的文化景观有了更立体、更具同理心的理解。

凡是为当代画家写批评文章的，几乎都有送画给薛永年，耐人寻味啊。

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