Behind the Japanese Mask

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出版者:
作者:Craigie, Robert
出品人:
页数:174
译者:
出版时间:2005-5
价格:$ 214.70
装帧:
isbn号码:9780710308764
丛书系列:
图书标签:
  • 日本文化
  • 历史
  • 社会
  • 传统
  • 礼仪
  • 人际关系
  • 文化差异
  • 行为模式
  • 民族性格
  • 观察记录
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具体描述

This book charts the sequence of events that lead to the outbreak of World War II. It also follows the intricacies of the struggle in Japan between the forces that favoured the war and those who opposed it. The book contains much personal information on the situation in Japan and the main chronicles witnessed.

探索隐秘的匠心与当代精神:一部聚焦日本工艺、生活哲学与文化变迁的深度考察 本书深入剖析了日本传统工艺在现代社会中的演变轨迹、其背后蕴含的深刻哲学思想,以及当代日本人如何在其日常生活中重新诠释和实践这些古老技艺。我们摒弃了对日本文化刻板印象的肤浅描摹,转而聚焦于那些在时间和变迁中依然坚韧、并不断焕发生机的具体案例和人物群像。 第一部分:技艺的传承与物质的诗学 本部分着重考察了日本不同地域的标志性手工艺,并探讨了“物哀”(Mono no aware)与“侘寂”(Wabi-sabi)等美学观念如何在器物制作中得以体现和演化。 1. 土与火的对话:陶艺的地域性叙事 我们不会停留于对有田烧或信乐烧等名声显赫的流派进行简单介绍。相反,本书将聚焦于那些在特定地理环境中,因地制宜而发展出的独特烧制技术和釉色变化。例如,书中详细记录了日本海沿岸某偏远地区,陶艺家如何利用当地特有的火山灰作为粘土改良剂,使得其作品在质地上呈现出一种粗粝而又细腻的触感。我们分析了当地气候、水质乃至社群结构对手工制作流程的微妙影响。更重要的是,我们探讨了在新一代陶艺家手中,传统器形如何被解构与重组,以适应现代餐饮美学和生活习惯,同时保持对泥土本性的敬畏。 2. 织物的记忆:从经纬中读懂时间 本书对日本纺织工艺的考察,着眼于其“渐进式复杂性”。我们不会简单地罗列西阵织或絣(Kasuri)的工艺步骤,而是深入探究“间”(Ma,留白或空间)的概念如何体现在织物的图案设计中。例如,对深蓝色靛蓝染料(Aizome)的专门研究,不仅涉及天然植物提炼的复杂过程,更侧重于染料随着使用和洗涤而产生的“光泽老化”——这种持续的、不可逆转的色彩变化,被视为一种积极的生命力而非衰败。我们采访了数位仍在坚持传统手工染色和编织的家族工坊主,他们如何平衡高昂的原材料成本和市场对“快速时尚”的需求,以及他们对“不完美之美”的坚持。 3. 木的呼吸:结构与形态的哲学 在对传统木工的探讨中,本书尤其关注了“榫卯结构”(Kigumi)的精妙之处。这不仅仅是建筑或家具制作的技术,更是一种对材料特性的深刻理解——木材的伸缩、吸湿与干燥。书中以日本传统町屋(Machiya)的修复项目为例,解析了工匠如何通过精密的计算和手工打磨,使不同木材在同一个结构中和谐共存,无需钉子或胶水。此外,本书还探讨了漆器工艺在现代设计中的重生。传统的莳绘(Maki-e)技术,过去常用于宗教器物或贵族用品,如今如何被应用于小型艺术品、电子产品外壳甚至现代雕塑中,展现了材料的韧性和适应性。 第二部分:日常生活中的精神实践 此部分将视角从器物转向人,探讨日本文化中那些渗透到日常行为中的规范、仪式感与职业道德。 1. 职人的伦理:超越工作的“道” 日本社会对“职人精神”(Shokunin Kishitsu)的推崇是理解其工艺文化的核心。本书将“职人”的定义扩展至当代各行各业,包括软件工程师、咖啡师乃至医院的清洁人员。我们分析了这种精神如何驱动个体对技艺的无限磨砺,其内在动力并非完全来自外部激励,而是一种对“完成度”的内在追求。书中对两位截然不同领域的职人进行了对比研究:一位是米其林星级寿司店的后场管理者,他将每一片鱼的切割精确到微米;另一位是专门从事老旧工具维护的工匠,他通过细致的打磨和调整,恢复工具的原有性能。他们的共同点在于对细节的绝对服从,以及对自身职业边界的不断超越。 2. 空间的意义:居所与心境的关联 日本传统建筑和室内设计深受禅宗思想影响,强调环境对心绪的塑造作用。本书考察了现代都市居住者如何有意识地在拥挤的空间中引入“自然碎片”。我们研究了“床之间”(Tokonoma,壁龛)的功能演变,它不再仅仅是陈列挂轴或插花(Ikebana)的场所,而成为一种现代人安放“精神必需品”的微观剧场。例如,在紧凑的东京公寓中,人们可能仅在床之间放置一块从森林中拾取的苔藓石,以此作为每日冥想的锚点。这种对“有限空间内无限可能”的探索,揭示了日本人对物质占有的克制与对精神空间的极度看重。 3. 季节的节拍:时间感知的日常化 日本社会对季节更迭的敏感性体现在其饮食、服饰乃至语言习惯中。本书探讨了这种对时间流逝的细致感知如何转化为一种生活节奏。我们分析了“旬”(Shun)——食材最美味、最有生命力的短暂时段——对料理美学的影响。这种对“稍纵即逝”的珍视,反过来训练了人们的耐心和专注力。此外,我们还考察了在快速全球化的背景下,传统节日和季节性习俗(如盂兰盆节或七五三)如何在家庭中被重新“编排”,以确保文化记忆的连续性,即便其原有的宗教或农业内涵已经淡化。 第三部分:变迁中的韧性与未来视野 最后一部分将目光投向挑战与创新,审视这些传统如何在全球化、数字化和人口结构变化的压力下寻找新的立足点。 1. 工业化浪潮下的手工复兴 本书探讨了“手工制造”(Handmade)在日本被重新定义的过程。它不再仅仅是“低效”的代名词,而是高品质、可持续性和文化价值的象征。我们对比了批量生产与限量定制之间的市场博弈。特别关注了那些积极拥抱数字技术,但同时严格坚守传统材料和核心工艺的工坊。例如,利用三维扫描技术记录濒危的雕刻模式,然后将这些数据用于指导年轻学徒进行手工修正和再创作,实现技术辅助下的精准传承。 2. 年轻一代的文化回流 随着全球对日本文化兴趣的持续升温,许多受过西方高等教育的年轻日本设计师和工匠选择“回流”到传统产业。本书记录了几位受访者的故事:他们放弃了在东京的高薪职位,回到祖辈的故乡,试图通过引入现代商业模式、提升品牌包装和优化用户体验,来拯救岌岌可危的传统手工业。他们的挑战在于如何在不稀释工艺核心价值的前提下,扩大受众群体,并为传承人提供可持续的经济回报。 3. 传统边界的消融与跨界合作 本书的最后章节聚焦于“混合性”——传统工艺与当代艺术、科技的交融。我们分析了日本传统材料(如和纸、竹子或漆器)如何被用于装置艺术、前沿时尚设计乃至生物医学材料的研究中。这种跨界合作不仅为传统工艺注入了新的生命力,也迫使研究者和创作者重新审视材料本身的物理和文化属性。它表明,那些看似古老而封闭的技艺,其内在的原理和美学原则,具有超越时代的普遍适用性。 通过以上三个维度的深入考察,本书力求呈现一个多层次、充满张力和活力的日本工艺与生活哲学图景,展示其如何在不断被世界重新发现的同时,依然坚守着内在的节奏和对“完美”的永恒追求。

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读后感

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用户评价

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从文体上看,这本书的风格可谓是极其内敛而又充满力量。它避免了那种浮夸的民族志式的描写,转而采用了一种近乎散文诗的笔调来描绘其核心观点。最打动我的是作者对“界限感”的描述。这种界限不仅体现在物理空间上,更渗透到人际交往、情感表达乃至时间观念中。书中用生动的笔触描绘了日本人如何通过精确地划分“内”与“外”来维持社会运作的平稳,这种对“距离”的艺术性拿捏,在人际关系日趋扁平化的今天,显得尤为珍贵和耐人寻味。它让我意识到,有效的沟通有时需要的不是更坦诚,而是更精准的表达和更深层次的体谅。整本书读下来,我感受到了一种克制的美学,它不急于展示其全部的深度,而是通过层层递进的细节,引导读者自行去构建理解的迷宫。这是一本需要反复品读的书,每一次重读都会发现新的光影和细微的纹理。

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老实说,我原本以为这会是一本堆砌了大量异国情调和旅游观光的书籍,但事实远比我想象的要厚重得多。它更像是一场关于“身份构建”的哲学思辨。作者并没有过多渲染日本的奇特之处,而是着力探讨了社会规范和个人情感如何在一种高度集中的群体文化中相互拉扯、最终形成一种独特的心理韧性。我发现自己对“本音”与“建前”的讨论深感兴趣,这种公开展露与私密保留之间的界限,对于我们这些习惯于“透明化”表达的西方读者来说,提供了一个极佳的对照。书中对职场伦理和家族责任的剖析,揭示了在高度内卷的环境下,个体如何通过恪守约定俗成的“角色”来寻求一种精神上的安宁。文字的逻辑性极强,论证步步为营,引人入胜,不时引用一些不易察觉的社会学案例来佐证观点,使得整本书的学术深度和可读性达到了一个令人称奇的平衡点。读到最后,我感觉自己不是在“看”一个文化,而是在“体验”一种行为逻辑的演变过程。

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这本关于日本文化的书,着实让我领略到了一种深邃而又微妙的东方神韵。作者的笔触细腻入微,仿佛能捕捉到空气中流动的微妙气息。我尤其欣赏他对日常生活中那些看似寻常的仪式感的深入挖掘,比如茶道中的每一个手势,每一次转身,都蕴含着对“当下”的极致专注与敬意。那种将审美融入生存哲学的态度,让人不禁反思我们自身文化中对“效率”的过度崇拜。书中对“物哀”概念的阐释尤其精彩,它不仅仅是一种对易逝之美的伤感,更是一种对生命无常的接纳与欣赏,像夏日骤雨后的彩虹,短暂却震撼人心。读完后,我对日本艺术中那种“留白”的艺术有了更深层次的理解,明白那“未尽之言”的力量,往往比满盘托出更具回味无穷的张力。它并非一本教人如何做日本人的指南,而是一扇通往理解另一种生活方式的窗户,让我感受到了秩序与自由之间那种微妙而又平衡的张力。文字本身就带着一种古典的韵律感,读起来像是在品味一壶陈年的清酒,初尝平淡,回味悠长。

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这本书的叙事节奏把握得非常到位,它没有急于给出宏大的结论,而是像一位经验老到的匠人,耐心地用各种细小的工具去雕琢一个宏大的主题。我特别欣赏其中对于“美学中的不完美主义”的探讨。那种对缺陷的接受,对“侘寂”精神的深入解读,对我个人生活中的“完美主义焦虑”起到了极大的缓解作用。作者没有将这种审美观塑造成一种高高在上的精英哲学,而是将其还原到日常的器物和环境之中,比如如何看待一块磨损的木地板,或是一件釉色不均的陶碗。这种接地气的描述方式,让原本可能显得晦涩的文化概念变得触手可及。更重要的是,它促使我重新审视我们自己文化中对“新”与“完好”的迷恋,开始思考什么是真正的持久价值。这本书的排版和用词也很有品味,读起来是一种享受,仿佛置身于一个安静、整洁,充满了自然光线的房间里。

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作为一个对历史变迁有浓厚兴趣的读者,这本书在处理传统与现代的张力时表现出了极高的敏感度。作者清晰地勾勒出,在一个快速工业化和全球化的冲击下,一个根深蒂固的集体主义社会是如何在保留其核心价值的同时,进行痛苦而又必要的结构性调整的。书中对比了战后重建时期和当代消费社会中,人们对待权威和传统的不同态度,这种纵深感令人佩服。我特别关注到关于“集体记忆”如何被塑造和重塑的章节,它揭示了官方叙事与民间情感之间的微妙博弈。这种分析的角度非常锐利,它不是简单的赞美或批判,而是在探究“韧性”的来源。书中引用的一些口述史料或文学片段,极大地增强了论点的感染力,让人真切感受到历史不是教科书上的文字,而是活生生的、充满矛盾的个体经验集合。这本书的价值在于,它提供了一种理解复杂社会转型的多维视角,远超出了简单的文化符号介绍。

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