Yash Chopra

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出版者:
作者:Dwyer, Rachel
出品人:
页数:232
译者:
出版时间:2002-5
价格:224.00元
装帧:
isbn号码:9780851708751
丛书系列:
图书标签:
  • Yash Chopra
  • 印度电影
  • 导演
  • 制片人
  • 浪漫电影
  • 宝莱坞
  • 电影史
  • 电影制作人
  • 经典电影
  • 印度文化
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具体描述

As a charismatic director in the Indian film industry, Chopra's name is synonymous with the glamour of the romantic film and a certain style within Indian culture. Spanning four decades, his directed features include some of the classic films of Indian film history, such as "Deewaar" and "Kabhi Kabhie". His directorial career began in 1959 with "Dhool Ka Phool" and he has been a major producer since 1973, consolidating his success in the 1990s with a series of huge box office hits including "Dilwale Dulhaniya Le Jayenge". He has also worked in other Hindi movie genres, directing action movies such as "Mashaal" and a thriller, "Darr". This book discusses in depth his work with the Hindi megastar Amitabh Bachanan in films such as "Deewaar", "Trishul", "Kala Patthar" and "Silsila" and how, in his transformation of the look of mainstream cinema in "Dil To Pagal Hai" and other films, Yash Chopra has proved to be a tireless innovator within a mainstream tradition. The author integrates this analysis with information about the man and his work, based on interviews with Yash Chopra, his family, his colleagues, his stars, his contemporaries and major critics that include views from Amitabh Bachchan, Shahrukh Khan, Shashi Kapoor and Sri Devi. A study of a top contemporary Indian film director, Rachel Dwyer's book also examines the influence on Chopra of predecessors such as Raj Kapoor and how his own legacy can be seen in such films as "Kuch Kuch Hota Hai" and younger directors such as Karan Johar and Aditya Chopra.

《光影流转:印度电影黄金时代的幕后故事》 一部深入探究印度电影黄金时代(1940s-1970s)的编年史,聚焦于那些推动电影艺术和商业模式革新的幕后推手、技术突破以及社会文化影响。 本书旨在揭示被聚光灯光芒掩盖下的真实印度电影制作生态。我们不关注耀眼的明星,而是将目光投向那些在暗房中调制胶片、在剪辑室里雕琢叙事节奏、在编曲中赋予画面灵魂的幕后匠人。本书是一次穿越时间的长廊,重访孟买(当时的波姆贝)的片场,探寻那些在经济匮乏和政治动荡中,如何孕育出世界级电影工业的复杂历程。 第一章:熔炉的诞生:战后印度电影的文化基石 (1940-1950) 1947年的独立不仅重塑了印度的政治版图,也彻底改变了其文化语境。电影作为新兴的大众媒介,承担起了民族身份构建和抚慰社会创伤的重任。本章细致剖析了这一时期电影制作的经济结构。 1.1 胶片时代的供应链:从进口到自制 在战后初期,高质量的感光材料和摄影器材严重依赖进口。本章记录了早期制片厂如何通过与英国和德国供应商建立复杂的易货贸易来维持生产。重点分析了早期本土光学技术人员(如著名的D.S.P. 辛格)如何通过逆向工程和本土化改造,建立起第一批合格的冲印实验室,从而降低了对西方技术的依赖。 1.2 音乐的革命:从古典到融合 早期印度电影的成功,很大程度上依赖于其音乐的吸引力。本章将重点分析“音乐指导”(Music Directors)角色的演变。我们对比了早期受传统印度斯坦古典音乐(Hindustani Classical Music)严格约束的作曲家,与那些开始大胆引入西方爵士乐(Jazz)、探戈(Tango)及拉丁节奏的先驱者。特别探讨了萨蒂亚吉特·雷(Satyajit Ray)的早期作品中,音乐是如何从纯粹的背景装饰转变为推动叙事情绪的内在驱动力。 1.3 叙事转向:现实主义与逃避主义的张力 独立后的印度社会充满了希望与幻灭。电影叙事在此刻出现了明显的分野。一方面,以孟买为中心的商业制片厂延续了好莱坞式的歌舞升平,提供必要的社会“逃避出口”;另一方面,以加尔各答(Kolkata)为核心的“平行电影运动”(Parallel Cinema Movement)则开始聚焦于贫困、城市化和阶级固化等尖锐问题。本书细致考察了这两股力量在审查制度下如何相互影响、相互拉扯。 第二章:技术升级与工业标准化 (1950s-1960s) 随着经济的初步稳定,电影工业开始追求更高的制作标准和更高效的生产流程。 2.1 声音的魔力:立体声的引入与挑战 本章深入探讨了印度电影工业在声音技术上的追赶过程。详细描述了早期影棚如何从单声道录音艰难过渡到实验性的立体声(Stereophonic Sound)制作。分析了当时的录音工程师面临的挑战,包括处理大量现场收音(Live Recording)的噪音控制,以及如何将印度歌舞场景中复杂的合唱和乐器分离进行后期混音。我们考察了第一批引进美国RCA或德国Telefunken设备的制片厂,及其如何利用这些新技术来增强动作场面和情感爆发力。 2.2 剪辑的艺术:节奏的构建者 剪辑师(Editor)在这一时期获得了前所未有的重视。本书详细分析了如何通过学习蒙太奇理论(Montage Theory),将原本松散的歌舞片段与严肃的剧情段落无缝衔接起来。我们引入了“无缝过渡”(Seamless Transition)的概念,探讨了如何通过精确的镜头长度和场景匹配,来维持观众在长达三小时电影中的注意力。书中收录了几位早期剪辑大师的手稿注释,揭示了他们如何通过“增删”来重塑导演的初衷。 2.3 场景设计师的想象力:布景与实景的博弈 在预算有限的情况下,布景设计师(Art Directors)必须在有限的空间内创造出宏大的场景。本章详细分析了他们如何利用透视错觉(Forced Perspective)和临时搭建材料(如石膏板和木材)来模仿宏伟的宫殿或异国风光。通过对一些经典场景的分解图分析,展示了早期布景如何在摄影机的特定角度下,成功骗过观众的双眼,并最终赢得国际赞誉。 第三章:商业模式的演变与制片人的权力 (1960s-1970s) 随着电影产量的激增,制片人(Producer)的角色从单纯的资金提供者,演变为控制整个生产链的战略家。 3.1 发行网络的垄断与地方化 印度电影市场地域分散,语言复杂。本章分析了早期制片厂如何建立起覆盖全国的发行网络,以及这种网络的集中化趋势如何导致某些“超级经销商”(Super Distributors)掌握了对电影票房的定价权。同时,我们也探讨了区域性制片中心(如泰米尔纳德邦和安得拉邦)的崛起,以及他们如何发展出区别于孟买模式的独特发行和营销策略。 3.2 预算控制与“复用资产”的经济学 为了最大化利润,制片公司发展出了一套精明的成本控制策略。本章揭示了“资产复用”的普遍现象:例如,一个精心搭建的舞会场景布景,可能会被拆卸、重新粉刷,并在下一部电影中被用作富商的客厅。我们考察了如何通过精确的排期表(Shooting Schedules)来最大限度地减少昂贵的外景租赁时间,以及如何通过签订“多片合同”来锁定演员和技术人员的档期,以确保生产效率。 3.3 审查制度与隐喻的运用:代码化的表达 印度中央电影审查委员会(CBFC)对电影内容有着严格的管控。本章侧重于分析电影制作人如何发展出复杂的视觉和叙事代码,以规避审查。例如,如何通过色彩、服装的细微变化来暗示政治异见、性暗示或社会禁忌,使得信息既能被大众理解,又能逃过审查官的眼睛。这是一种高度智慧的“文本对谈”(Dialogue with the Censor)。 结语:遗产与遗忘 本书最后总结了这一黄金时代对当代印度电影制作产生的深远影响,同时也审视了那些在数字化浪潮中被工业遗忘的技术人员和创新者。他们的名字或许未被记载在票房榜单上,但正是他们的辛勤工作,铸就了世界电影史上一个不可复制的奇迹。 本书附录包含一份详尽的1940-1975年间关键摄影器材的采购记录、早期录音棚的平面图,以及多位幕后技术人员的口述历史摘录。

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读后感

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用户评价

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这本书的叙事方式简直像一首流动的交响乐,每一个章节的转折都出乎意料却又在情理之中。作者对人物内心的细腻刻画,让我仿佛能钻进那些角色的头脑里,真切地感受到他们的挣扎、狂喜与失落。尤其是对主角在面对人生重大抉择时的心理描写,那种矛盾与拉扯,真实得让人心疼。我读到一半的时候,甚至需要放下书本,走动几分钟,去消化那些复杂的情感纠葛。情节的推进不疾不徐,却又处处暗藏着伏笔,每一次揭晓都带着一股醍醐灌顶的力量。这本书的背景设定也极其迷人,那种独特的地域风情被描绘得栩栩如生,让人恨不得立刻订机票去那个地方走一遭。阅读体验是沉浸式的,我完全忘记了周围的一切,完全沉浸在了作者构建的那个世界里。它不是那种追求快速感官刺激的小说,而是需要静下心来细细品味的佳作,每一次重读都会有新的感悟。

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这本书的文字功力令人叹为观止,简直是语言的魔术表演。作者仿佛是一位技艺精湛的雕塑家,用最精准的词汇打磨着每一个句子,使得那些看似寻常的描述都焕发出惊人的生命力。我尤其欣赏它在描绘环境细节时那种近乎偏执的准确性,比如对光影变化的捕捉,对不同材质触感的摹写,都达到了极高的水准。叙事节奏掌控得炉火纯青,张弛有度,时而如同疾风骤雨,将紧张的冲突推向高潮;时而又如同夏日午后的微风,让人得以喘息并思考。结构上,它巧妙地运用了多重视角,让故事的立体感倍增,每一个人物都有其不可替代的重量和深度。说实话,我感觉自己不是在阅读,而是在观看一场高清的、3D的、由文字构筑的史诗。如果用一个词来形容,那就是“醇厚”,后劲十足,让人回味无穷。

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我必须承认,这本书的文学野心是巨大的,它成功地融合了多种风格,却又保持了内核的统一性。它的语言风格时而古典优雅,充满韵律感,时而又变得极其口语化和接地气,这种强烈的反差反而增强了故事的感染力。它不是一部容易被消化的作品,需要读者有一定的阅读积累才能完全领会其中的深意和典故。作者似乎在每一个段落中都埋藏了值得玩味的象征或典故,这使得这本书拥有了极高的研究价值。对于那些喜欢从文学作品中寻找深层意义的读者来说,这本书无疑是一座宝库。我特别喜欢它对“时间”这个概念的处理,那种非线性的、循环往复的时间观,给整个故事笼罩上了一层宿命感的色彩。总而言之,这是一部值得反复品读、细细揣摩的严肃文学力作。

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这本书的节奏掌握得极富戏剧张力,简直是教科书级别的悬念设置。它采用了一种非常巧妙的“倒叙与插叙”交织的手法,每一次看似不经意的回忆片段,都精准地为当前的困境增加了砝码。我常常因为太想知道“接下来会发生什么”而熬夜,那种被情节紧紧攫住、欲罢不能的感觉,是很多畅销书都难以企及的。更难得的是,所有的情节发展都服务于主题的深化,而不是为了制造廉价的刺激。高潮部分的铺陈尤其精彩,多条线索汇集时的那种“砰”的一声炸裂感,处理得干净利落又不失情感冲击力。即便在叙事最激烈的时候,作者的笔触依然保持着一种冷静的疏离感,这种平衡感是极其考验功力的。读完全书,我感觉像跑完了一场马拉松,虽然筋疲力尽,但收获了巨大的成就感。

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坦白讲,这本书最吸引我的是它对人性复杂性的挖掘,那种不加粉饰的真实感。它没有给出简单的对错答案,而是将人性的灰色地带展现得淋漓尽致。那些角色,他们都不是完美的英雄或绝对的恶棍,他们都有着难以言说的苦衷和闪光的优点。我特别欣赏作者敢于触碰那些社会禁忌或被主流叙事所忽略的边缘群体的心声,那种人文关怀是深刻而有力的。阅读过程中,我多次被作者犀利的洞察力所震撼,它迫使我反思自己的一些既有观念。这本书的哲学思辨的深度,使得它超越了一般的娱乐作品的范畴,更像是一部探讨生存意义的散文诗。它要求读者投入智力上的努力,但回报绝对是巨大的。读完之后,你会感觉自己的精神世界被拓宽了不少,看待世界的角度也变得更加多元和包容。

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