On Musical Interpretation in Percussion Peformance

作者:Cirone, Anthony J.

页数:38

价格:$ 16.89

isbn号码:9781574631029

具体描述

The author shares his experiences of interpretation under the world's finest conductors during a career of 36 years with the San Francisco Symphony. This one-of-a-kind exploration includes excerpts from 14 major works for band and orchestra, translations of foreign musical terms, an examination of percussion notation and more. Other topics covered include: interpretation of clues provided by composers in both scores and parts; development of musicality by the expansion of dynamics, phrasing, and articulations; an analysis of inconsistencies in composing for percussion; the exploration of interpretative skills for creating great performances.

用户评价

这本《On Musical Interpretation in Percussion Performance》真是给我打开了一扇全新的大门。我一直以为，打击乐的演绎主要就是技术层面的精准度和力量的控制，但这本书让我意识到，其中蕴含的音乐哲学和历史背景是多么的深邃。作者不仅仅停留在如何敲击乐器上，而是深入探讨了演奏者在面对谱面时，如何进行“再创造”。比如，书中对不同时代、不同文化背景下的节奏模式和音色处理进行了细致的区分，我记得有一章专门讲了18世纪欧洲木琴演奏法与现代爵士鼓即兴之间的张力，那种跨越时空的对话感非常强烈。读完之后，我再去看那些看似简单的打击乐谱时，脑海中浮现的不再是单一的音符，而是一系列复杂的文化符号和历史语境。它迫使我停下来，去思考每一个敲击背后的“意图”——是忠实再现作曲家的原始构想，还是融入自身对作品的当代理解？这本书的价值就在于，它将打击乐从一种辅助性的、后端的角色，提升到了与旋律乐器同等重要的哲学思辨层面。我强烈推荐给所有对音乐表现力有更高追求的演奏者，它会让你对“诠释”这两个字产生全新的敬畏。

坦白说，我最初买这本书是抱着一种学习“秘诀”的心态，希望能找到一些能立刻提升我演奏技巧的窍门，比如如何获得更饱满的延音，或者更快的换槌技巧。然而，这本书完全没有给我那种立竿见影的“速成指南”。它更像是一本关于“内省”的哲学著作，关于如何与你的乐器进行精神层面的连接。我印象最深的是其中关于“寂静”的论述，作者将打击乐的间隙（rests）视为与发声同等重要的音乐元素，探讨了在不同速度和情绪下，如何通过“不敲击”来塑造紧张感和释放感。这对我之前那种“能填满所有空白”的演奏习惯形成了巨大的冲击。读这本书的过程中，我经常会放下乐器，只是坐在那里，想象着指挥棒落下前那一瞬间的空气流动。它教会了我，真正的演奏力量往往来自于你对“边界”的掌握，而不是对“最大音量”的追求。它是一本需要慢慢咀嚼的书，急躁的读者可能会感到枯燥，但如果你愿意沉浸其中，它会雕刻你的音乐灵魂。

这本书的行文风格非常古典，学术性很强，但叙事中又带着一种近乎诗意的洞察力，这在音乐理论书籍中是比较少见的。它大量引用了二十世纪中叶欧洲先锋派音乐家的访谈录，分析了他们是如何系统性地解构传统节奏概念的。例如，书中对斯托克豪森某些作品中“时间单位”的解析，简直细致入微到令人发指，作者甚至用到了集合论的某些概念来描述复节奏的交织。虽然有些理论部分需要反复阅读才能消化，但它提供的分析工具是极其宝贵的。我个人最受益于它对于“非中心化”重音的讨论，这直接影响了我对现代音乐中“律动感”的理解。它不再仅仅是鼓点上的重拍，而是一种更流动、更具概率性的能量分布。这本书的装帧和排版也体现出一种严谨性，大量的脚注和参考书目构建了一个庞大的知识网络，让人感觉这不是一本孤立的著作，而是音乐学界一场重要对话的集中体现。

这本书最让我惊喜的地方，在于它对“乐器特性”与“情感表达”之间关系的处理方式。它没有将各种打击乐器（如定音鼓、马林巴、乃至日常的敲击物）视为孤立的工具，而是将它们放置在一个统一的声学和心理模型中进行比较。书中有一段特别精彩的对比，分析了敲击硬木和敲击金属时，大脑皮层对“冲击感”和“衰减感”的不同处理机制，并据此推导出不同乐器在表达“坚定”或“脆弱”情绪时的有效性差异。这种将物理声学、心理学与音乐美学融为一体的论证方式，非常具有说服力。它让我开始重新审视我平时使用的鼓槌的选择——原来，拿起一根较重的羊毛槌敲击颤音琴，其背后蕴含的“诠释重量”，远超于我过去所认为的仅仅是音量的区别。这本书让人从一个技术执行者的视角，彻底转型为一位声音的建筑师，关注每一个声波的生命周期及其对听者心智的影响。

我必须承认，这本书的深度对我这个业余爱好者来说，有时候是相当具有挑战性的。它似乎更偏向于面向受过高等音乐教育的研究生或者职业演奏家。书中对于“诠释”的讨论，很多时候都建立在对特定历史时期作曲家生平、社会环境的深入了解之上，例如，分析肖斯塔科维奇某些作品中的打击乐声部时，作者会穿插对苏联体制下艺术家压力的探讨。这让打击乐的演绎不再是纯粹的技艺展示，而变成了一种对历史人物的同情性理解。我感觉自己在阅读的过程中，更像是在进行一次艺术史的考察，而非练习曲的钻研。不过，即使是那些我尚未完全掌握的高阶概念，它们的存在本身也让我对自己的演奏目标有了更高的期许。它让我明白了，很多时候，我们以为的“标准演奏”，可能只是上个世纪某位演奏家在特定情境下的选择，而这本书鼓励我们去寻找属于我们这个时代、我们自身独特视角的“正确”诠释。