The Elements of Black and White Printing

作者:Graves, Carson

页数:208

出版时间:2001-1

价格:$ 59.83

isbn号码:9780240803128

具体描述

Whether you are a novice or an expert in the darkroom, the second edition of The Elements of Black-and-White Printing will give you the tools necessary to control your print making. You will learn the proper techniques for exposing a print, how to choose the correct paper contrast, and ways to find the best combination of paper and developer for your images. In addition to explaining the procedures, this unique book contains exercises that help you calibrate these procedures with your own equipment with the materials you prefer. Photographers will find this book an essential resource in the darkroom. Elements of Black-and-White Printing will help you learn how to choose the right exposure and contrast for your negative; select papers, developers, and toners that complement each other; print negatives with extreme contrast ranges; salvage seemingly hopeless negatives and prints; print, develop, and store negatives and prints for maximun life; display your photographs in a way that enhances their message; properly align your enlarger; and more.

用户评价

说实话，刚开始接触这本书时，我有些被它厚重的专业感吓到。它里面充斥着大量涉及到化学配比、光度学基础的术语，对于习惯了手机直出和一键美化的年轻一代来说，可能不太友好。但如果你真的想在银盐摄影领域站稳脚跟，这本书是绕不开的鸿沟。我特别欣赏作者在处理“锐度与颗粒感”之间的平衡问题时所展现的智慧。他不仅告诉你如何通过研磨胶片或选择高碘化银晶体含量的乳剂来控制颗粒，还探讨了在特定情境下（比如记录历史事件或表现粗犷的建筑）“可见的颗粒感”如何作为一种叙事工具，增强画面的冲击力。书中有一段关于使用“接触打印”技术来展现底片原始质感的论述，简直是神来之笔。它让我意识到，很多我们追求的“数字后期效果”，在传统的湿法工艺中早有更纯粹的实现路径。这本书更像是一份需要时间去消化的“精神食粮”，每次重读都会有新的感悟。

作为一名资深的业余摄影爱好者，我收藏了许多关于摄影技术的书籍，但《The Elements of Black and White Printing》在我书架上占据着一个不可替代的位置。它不仅仅是一本技术指南，更像是一本关于“耐心”和“专注”的哲学著作。在当今这个信息爆炸、追求即时反馈的时代，这本书中的每一个步骤——从精确称量药剂，到耐心等待显影槽内的化学反应，再到小心翼翼地刮去多余水分——都在提醒我们，伟大的艺术创作需要时间的沉淀和对过程的尊重。书中对不同放大机镜头（如柯列那、萨姆科尼特）在边缘成像质量上的对比分析，细致到令人发指，这对于追求极致画质的收藏家级别玩家来说，是无价的参考。它没有给我们提供捷径，而是提供了一条通往卓越工艺的崎岖但丰盛的道路。读完它，你会明白，真正的黑白摄影，是对光线最诚实、最深刻的致敬。

这本摄影集简直是黑白世界的百科全书，从最基础的光影原理讲起，深入到胶片冲洗的每一个微小细节。我手里拿着的这本印刷品本身就体现了极高的工艺水准，纸张的质感、墨色的层次感，都让人爱不释手。它不像市面上那些浮于表面的“速成指南”，而是真正沉下心来探讨“如何看待”黑白影像。书中对不同显影剂和定影液的化学反应进行了详尽的描述，甚至连冲洗时间哪怕相差五秒钟，对最终影调产生的细微影响，作者都进行了细致入微的图表分析。对于那些痴迷于暗房工艺的‘老派’摄影人来说，这简直就是一本案头必备的工具书。尤其是关于局部曝光控制和反差调整的章节，提供了大量的实践案例，让人茅塞顿开，原来那些大师作品中神秘的‘空气感’和‘肌理感’，是可以被精确计算和实现的。阅读过程中，我几次停下来，对照着自己最近失败的作品进行反思，发现很多问题原来出在曝光前的‘思考’阶段，而不是冲洗时的‘操作’失误。它强迫你跳出数码时代那种‘先拍了再说，后期再修’的思维定式，回归到摄影本质——光与影的雕塑。

我是在一个朋友的地下室暗房里第一次见到这本书的，当时他正在为一张风景照的局部加光而焦头烂额。翻开这本书后，我们俩都沉默了。它没有那种花哨的、吸引眼球的彩色示例图，全篇都是严谨的线条图和灰阶对比图，但正是这种克制的表达，凸显了内容的重量。这本书最让我震撼的地方在于它对“影调”的哲学性探讨。作者似乎把每一个灰阶都赋予了情感和重量，比如“低调照片中的‘深邃的悲伤’如何通过特定碳粉实现”，或者“高调照片中‘纯净的希望’如何在高光处避免死白”。这已经超越了技术手册的范畴，上升到了艺术表达的高度。我过去总觉得黑白摄影就是把彩色照片去色，但这本书教会我，黑白是重新选择色彩，是用不同的“光线语言”去叙事。它详尽地对比了不同品牌相纸在不同光照条件下的表现差异，甚至连烘干方式对纸张纤维结构的影响都有专门的章节来探讨，这种执着和严谨，让我对摄影这项媒介产生了更深的敬畏。

我一直致力于拍摄肖像，总感觉自己的作品缺少那么一点穿透人心的力量。当我开始系统地研读这本书中关于“反光与材质纹理再现”的部分时，我的创作观彻底被颠覆了。作者用大量的案例说明，如何通过精确控制柔光箱或反光伞的相对位置，来“雕刻”模特的皮肤纹理、衣物的褶皱，从而营造出戏剧性的张力。书里详细分析了两种不同类型的聚光灯源（例如，点光源与漫射光源）在表现人像颧骨阴影时的细微差异。其中关于“曝光补偿与打印延展性”的讨论尤为精彩，它清晰地阐述了为什么有些照片在屏幕上看很完美，但打印出来后层次尽失——因为你的曝光并未充分利用胶片（或数码传感器）的全部动态范围。这本书的价值在于，它将艺术家的直觉转化成了可量化的操作步骤，让那些看似玄妙的“感觉”，变得可以被系统地学习和掌握。