"Magnum" Cinema

作者:Bergala, Alain

页数:360

出版时间:1998-4

价格:$ 50.85

isbn号码:9780714837727

具体描述

The photographers associated with "Magnum" have worked with movie-makers since its creation nearly 50 years ago. Robert Capa, one of the founders of what has become the world's most prestigious picture agency, had many friends in the film business - including Ingrid Bergman, Humphrey Bogart, Billy Wilder and, particulary, John Huston - which gave him, and through him other "Magnum" photographers, access to the charmed world of Hollywood. This connection with the film world has continued to the present day and widened to include movie-makers all over the world. The resulting on and off set photographs gathered together in this book include portraits of such screen legends as Marilyn Monroe, Clint Eastwood, Ingrid Bergman, James Dean, Clark Gable and many others, as well as outstanding directors, including Alfred Hitchcock, Carol Reed, Francois Truffaut and Andrei Tarkovsky. The roll call of over 50 leading photographers includes Eve Arnold, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Raymond Depardon, Philippe Halsman, Elliott Erwitt, David Seymour and Dennis Stock.

用户评价

这本书给我的感觉，简直就是一场酣畅淋漓的视觉与思想的饕餮盛宴。我得说，这本书的作者是一位真正的思想家，他跳脱了传统电影评论中那种对情节和表演的浅层分析，而是深入挖掘了电影作为一种文化载体，是如何塑造和反映了特定社会思潮的。特别是关于战后欧洲电影中，那种弥漫着的疏离感和存在主义的探讨，作者的笔触异常精准且富有穿透力。他引入了许多哲学流派的概念来解读那些晦涩难懂的镜头语言，这对我理解现代主义电影的复杂性，简直是醍醐灌顶。我记得有篇章专门讨论了蒙太奇理论在不同文化背景下的演变，那种跨文化的比较分析，逻辑严密得令人拍案叫绝。这本书的阅读体验是需要投入精力的，它不是那种可以边喝咖啡边随便翻翻的读物，它要求你全神贯注地去捕捉作者抛出的每一个论点，去消化那些复杂的理论框架。但回报是巨大的，读完后，你看待任何一部电影的角度都会变得更加立体和深刻。对于那些追求电影“硬核”理论的读者来说，这本书的价值是无可估量的，它成功地将艺术鉴赏提升到了学术研究的高度。

天呐，这本书简直是为我这种老电影迷量身定做的！我一翻开《Magnum》的扉页，就被那种扑面而来的胶片质感给震住了。作者对经典好莱坞黄金时代的叙事手法，简直就像是把我们带回了那个光影交错、群星璀璨的年代。他没有那种干巴巴的年代梳理，而是通过几个极具代表性的导演和演员的故事切片，把那个时代的精神内核给勾勒了出来。我特别喜欢他描述那些老派制片厂制度下，幕后英雄们如何用有限的资源创造出无限可能的细节。比如，书中对某位传奇摄影师如何在布光上挑战了当时的所有规范，最终造就了一幕至今无人能及的经典镜头的描述，简直是细致入微，让我忍不住要立刻去找那部老电影重温一遍。而且，这本书的排版和图片选择也极具品味，那些黑白剧照和幕后花絮照，仿佛自带了历史的厚重感。读完这本书，我感觉自己不仅仅是“看”了一部关于电影的书，而是“经历”了一场流动的电影史。它让我重新思考了“经典”的定义，并深深敬佩那些在技术和艺术的夹缝中，依然能迸发出耀眼火花的前辈们。这本书绝对是影迷书架上不可或缺的“圣经”之一，它的深度和广度都远超一般的回忆录。

这本书的特别之处，在于它对“技术与人”之间关系的探讨，达到了一个我从未预料到的深度。我们总是歌颂导演的远见和演员的魅力，但这本书却花费了大量笔墨去描绘那些常常被遗忘的工匠——剪辑师、道具师、声音设计师。我被其中对早期声音电影过渡期中，录音技术对表演风格产生的颠覆性影响的分析深深吸引住了。作者用极富画面感的语言，描述了演员们如何从舞台剧式的夸张表演，被迫转向更内敛、更依赖面部微表情的表演模式，只为了躲避笨重的麦克风。这种对“媒介限制如何塑造艺术表达”的关注，在我看来，是全书中最具洞察力的部分。它让我意识到，我们今天习以为常的电影语言，其实是无数次技术妥协和创新妥协的产物。这本书的文字力量强大到，它能让你真切地感受到二十世纪初，那些电影人在面对全新技术时的那种既兴奋又恐惧的复杂心境。它不是在赞美技术，而是在探讨人如何驾驭技术，如何在被技术“规定”的边界内，努力开创新的美学疆域。

讲真，我本来是冲着封面那些酷炫的艺术设计概念才买的，但没想到这本书在叙事风格上的创新，比内容本身更让我感到惊喜。作者完全抛弃了线性的时间轴，而是采用了一种近乎意识流的方式，将不同年代、不同国家的电影制作工艺、美学趋势，乃至幕后八卦，巧妙地编织在一起。你可能前一秒还在读关于七十年代低成本恐怖片中“实用特效”的鬼斧神工，下一秒就被拉到了八十年代数字特效初兴时的技术恐慌中。这种跳跃感，非但没有造成混乱，反而形成了一种奇妙的共振，让人感受到电影艺术发展的脉络是多么的纠结和富有张力。书中那些关于“光影捕捉的心理学”的探讨，简直太抓人了，它解释了为什么某些特定角度的光束能直接击中观众的情绪靶心。阅读过程就像是跟随一位极其博学且风趣幽默的导游，穿梭在电影史上那些光怪陆离的“暗房”与“片场”之间。这本书成功地将严肃的电影研究，转化成了一种充满个人魅力的、近乎私密的分享体验。

读完这本厚厚的书，我脑海中留下的是一种强烈的、关于“时间性”和“记忆碎片”的感受。这本书的结构非常松散，却又异常精准地捕捉到了电影记忆的非线性本质。它不试图构建一个完美的编年史，而是像一个收藏家整理他的私人档案一样，将那些触动人心的、带有强烈个人印记的电影瞬间拎出来进行剖析。我尤其欣赏作者在讨论那些“被遗忘的杰作”时所展现出的那种近乎固执的热情。他不仅仅是罗列，而是用一种充满情感的语言，试图唤醒读者对那些曾经辉煌却现已蒙尘的影片的记忆。这种对“消逝之美”的追寻，让阅读过程充满了怀旧的忧伤和探索的乐趣。与其说这是一本电影史，不如说它是一本关于“如何珍藏影像记忆”的哲学随笔。它提醒着我们，每一部电影的消亡，都意味着我们集体记忆中一块拼图的缺失。这本书的结尾，那种对未来电影可能性的隐晦展望，也处理得非常高明，没有给出任何答案，只是留下了一串引人深思的问题，让人意犹未尽。